Dramma

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ELLA E JOHN - THE LEISURE SEEKER

Inviato da Franco Olearo il Mar, 01/23/2018 - 08:01
Titolo Originale: The Leisure Seeker
Paese: Italia, Francia
Anno: 2017
Regia: Paolo Virzì
Sceneggiatura: Stephen Amidon, Francesca Archibugi, Paolo Virzì e Francesco Piccolo, dal romanzo di Michael Zadoorian
Produzione: INDIANA PRODUCTION, CON RAI CINEMA
Durata: 112
Interpreti: Helen Mirren, Donald Sutherland, Christian McKay, Janel Moloney, Dana Ivey, Dick Gregory

Ella e John, ultrasettantenni, si stanno avvicinando al capolinea della loro vita trascorsa insieme: lei è malata di tumore, lui di Alzheimer. Quando ormai sembra che ad aspettarli non ci sia più nessuna sorpresa, sfuggono dal controllo dei figli e dei medici per regalarsi un'ultima vacanza a bordo del camper di famiglia, il Leisure Seeker.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Due coniugi anziani mantengono intatta e, se possibile hanno rafforzato, la loro capacità di vivere uno per l’altra ma le mode correnti del cinema sono difficili da sovrastare e ricorrono al suicidio per evitare le fatiche della vecchiaia, incuranti del cattivo esempio che danno a figli e nipoti
Pubblico 
Sconsigliato
Una scena a contenuto sessuale, apologia dell’eutanasia Il film è stato giudicato "Restricted" in USA, mentre in Italia è stato considerato "Per Tutti"
Giudizio Artistico 
 
La parte centrale del film tende ad essere un po' episodica e slegata: tante piccole storie che si salvano dalla ripetitività solo grazie all'inconfondibile ironia dolceamara di Virzì e all'eccezionale bravura dei due protagonisti
Testo Breve:

Una coppia di ultrasettantenni, si concede un’ultima, pazza vacanza insieme prima di prendere quella decisione estrema molto alla moda nel cinema più recente

Paolo Virzì sbarca negli USA per dirigere il suo primo film interamente in lingua inglese; un'impresa resa ancora più ambiziosa dalla sua decisione di cimentarsi nel più americano dei generi, il road movie, attraverso l'adattamento del romanzo In viaggio contromano di Michael Zadoorian.

Quale sia il tema specifico di questo on the road, che ci accompagna da Boston fino all'estremità della Florida, è evidente fin dalle primissime scene: raccontare il mondo paradossale degli anziani, a cui per mettersi in viaggio serve la stessa dose di imprudenza di un adolescente in fuga. Ella e John, infatti, sono stati adulti responsabili e genitori amorevoli, ma da troppo tempo ormai, a causa delle rispettive malattie, sono stati privati di ogni libertà di scelta e ridotti a oggetto di cura da parte dei figli e dei medici. Rimettersi a bordo del Leisure Seeker (un camper vecchio e scassato quanto loro, ma altrettanto sorprendentemente in grado di funzionare) rappresenta un estremo tentativo di godersi quel che rimane della vita e riappropriarsi di un passato che, soprattutto nella mente di John, tende inesorabilmente a svanire.

Non a caso la strada che scelgono di percorrere è quella delle loro vacanze familiari, ma l'obiettivo finale si trova un po' più lontano di quanto non abbiano mai osato spingersi. Vogliono infatti arrivare fino all'isola di Key West per visitare la casa di Hemingway, lo scrittore amato e citato continuamente da John (forse perché anche lui e la moglie sembrano personaggi usciti dalle pagine de Il vecchio e il mare, nel loro particolare modo di essere sconfitti ma mai rassegnati).

Nonostante l'inizio intrigante, la parte centrale del film tende ad essere un po' episodica e slegata: tante piccole storie che si salvano dalla ripetitività solo grazie all'inconfondibile ironia dolceamara di Virzì e all'eccezionale bravura dei due protagonisti, Helen Mirren e Donald Sutherland, che riescono a dar vita a personaggi a tutto tondo, convincenti nei momenti di intimità come negli scoppi di rabbia.

John, professore e intellettuale, sta perdendo la testa, mentre la vitalità di Ella è minata da continui dolori. Ancora più di quanto non abbiano fatto nel corso della loro vita, sono costretti ad appoggiarsi l'uno all'altra per compensare alle proprie debolezze, ma soprattutto hanno entrambi bisogno del compagno per essere salvati dal peggiore dei mali, il non-luogo per eccellenza: l'ospizio/ospedale, dove gli ultimi anni di vita dei vecchi vengono nascosti agli occhi della società efficiente e indaffarata.

Questa fuga dall'ospedalizzazione accomuna Ella e John con l'opera precedente di Virzì, La Pazza Gioia, ma non riesce ad eguagliarne il livello: nel complesso questo film appare meno compatto e convincente, soprattutto nel finale. Quello che infatti Ella chiama "il loro lieto fine" risulta una soluzione abbastanza scontata e prevedibile (almeno nella seconda metà del film) e lascia piuttosto perplesso lo spettatore.

Ma come in ogni vero road movie, non è la meta ad essere importante (la casa di Hemingway si rivelerà buona solo per i turisti), ma è il viaggio che regala alla coppia pezzi di Paradiso. Basti pensare alla bellissima scena sula spiaggia o all'incredibile strada in mezzo al mare che collega le numerose isole e che, solo dopo Key West, lascia definitivamente spazio all'oceano.

Autore: Giulia Cavazza
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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TRE MANIFESTI A EBBING, MISSOURI

Inviato da Franco Olearo il Sab, 01/13/2018 - 21:34
Titolo Originale: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Paese: GRAN BRETAGNA
Anno: 2017
Regia: Martin McDonagh
Sceneggiatura: Martin McDonagh
Produzione: BLUEPRINT PICTURES, FILM4, FOX SEARCHLIGHT
Durata: 121
Interpreti: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish

Sono ormai sette mesi che l’adolescente Angela è stata violentata e uccisa nella campagna non lontano dalla sua casa. Mildred, la madre, non si dà pace e per scuotere il torpore della polizia fa affiggere tre grossi cartelli stradali che chiedono a Willoughby, lo sceriffo della contea, perché non ci sia stato finora neanche un arresto. Lo sceriffo è molto apprezzato dalla comunità locale e quei cartelli suonano come un insulto. Quando lo sceriffo si suicida perché ammalato gravemente di cancro, la gente pensa che la colpa del gesto debba ricadere su Mildred …

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Una piccola società rurale vive nella consuetudine alla violenza come unico metodo per farsi rispettare. Un’apologia dell’eutanasia. Un singolo esempio di perdono che viene accettato
Pubblico 
Maggiorenni
Scene di colluttazione violente, turpiloquio, un suicidio
Giudizio Artistico 
 
Il film è diretto e recitato benissimo. Alcune perplessità sulla sceneggiatura
Testo Breve:

Una donna chiede giustizia per sua figlia violentata e uccisa. Un western moderno ben diretto  dove sono pochi i buoni in un luogo dove la violenza è di casa 

Ebbing è una piccola cittadina del Midwest degli Stati Uniti, con ancora radicate tradizioni razziste, come lascia intendere questo film. “Anche se licenziassimo tutti i poliziotti che picchiano i negri, resterebbero sempre quelli che odiano gli omosessuali”: osserva rassegnato lo sceriffo. Ma il problema non è solo il comportamento dei poliziotti; fra la stessa popolazione vige un principio radicato: se qualcuno ti colpisce o ti insulta, bisogna vendicarsi con la stessa violenza. La prima a comportarsi in questo modo è proprio la protagonista: chi le fa osservare che quei cartelli accusano proprio lo sceriffo che è giusto e rispettoso con tutti, lei risponde con degli insulti (è il caso del sacerdote che viene a trovarla a casa); se qualcuno, dopo la morte dello sceriffo, incendia i suoi tre cartelloni, lei decide di andare di notte a lanciare bottiglie molotov per incendiare il Commissariato di Polizia.  Questa regola generale, della violenza come unico mezzo per far valere le proprie ragioni, viene attenuata da piccoli sprazzi di umanità, che non annullano la regola generale. Il poliziotto che ha buttato giù dalla finestra un giovane chiede perdono del suo gesto, pentimento che viene accettato. La stessa Mildred viene invitata a riflettere: “la rabbia genera solo altra rabbia” è l’osservazione della donna del suo ex marito, che vede in lei non certo un’elaborazione del lutto ma solo la voglia di applicar la legge del “dente per dente, occhio per occhio”.

Al centro del film si colloca il suicidio dello sceriffo ammalato di cancro, la parte più problematica del film. Lo sceriffo ha una moglie che lo ama e due adorabili figlie nei confronti delle quali avrebbe dovuto sentire fino alla fine la sua responsabilità educativa, incluso quello di mostrare che la morte è un fatto naturale, arricchito dall’ esempio di un padre che fino all’ultimo si è dedicato a loro. Non accade così nel film: lo sceriffo si suicida dichiarandolo un “atto di coraggio”. Lui stesso infatti rivela in una lettera l’atteggiamento esistenzialista e materialista che sta alla base del suo gesto: ha cercato di fare in modo che la moglie e le figlie si ricordassero dell’ultima, serena, giornata passata insieme al lago, piuttosto che partecipare alla sua lunga agonia (che sarebbe stato invece, per le figlie, un bellissimo esercizio di carità). 

Il film è diretto e recitato benissimo. Resta qualche perplessità sulla sceneggiatura. Lo sceriffo che si suicida e lascia tre lettere-confessioni ad altrettante persone perché diventino più buone, appare una soluzione troppo teatrale; la “conversione” dell’agente Sam Rockwell che passa da stupido e brutale razzista a fine investigatore alla ricerca onesta del vero colpevole appare troppo brusca e più che di una conversione sembra che ci troviamo di fronte a due persone diverse. Anche il suo trovarsi occasionalmente di notte dentro il commissariato alla ricerca di una lettera proprio quando Mildred lancia le bombe Molotov appare un espediente narrativo alquanto forzato. Resta di positivo, in questo western moderno, la riflessione che invita a fare sul radicamento profondo della violenza nella cultura americana. 

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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MORTO STALIN SE NE FA UN ALTRO

Inviato da Franco Olearo il Mar, 01/09/2018 - 17:24
Titolo Originale: The Death of Stalin
Paese: FRANCIA, GRAN BRETAGNA
Anno: 2017
Regia: Armando Iannucci
Sceneggiatura: Armando Iannucci, David Schneider, Ian Martin (II)
Produzione: QUAD PRODUCTIONS, MAIN JOURNEY, FREE RANGE FILMS, GAUMONT
Durata: 107
Interpreti: Steve Buscemi, Simon Russell Beale, Jason Isaacs, Michael Palin, Andrea Riseborough,Olga Kurylenko

Mosca, 1953. Joseph Stalin si trova nella sua dacia ad ascoltare un disco che ha espressamente richiesto a Radio Mosca dell’ultimo concerto di Mozart, quando cade a terra colpito da emorragia celebrale. Il primo ad accorrere è Beria, capo della polizia segreta, che evita di chiamare subito un dottore nella speranza che finisca di morire. Dopo che sono arrivati anche Kruskev e gli altri membri del Politburo, viene organizzata una riunione improvvisata per decidere quale dottore chiamare al capezzale del dittatore. Il problema non è di facile soluzione perché quelli più validi sono stati tutti giustiziati e non resta che radunare una equipe improvvisata, costituita da dottori in pensione o troppo giovani. Accertato definitivamente che Stalin è morto, iniziano gli intrighi e gli accordi segreti per stabilire chi dovrà essere il successore del dittatore…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film può avere un valore nella misura in cui vengono descritte realisticamente le atrocità a cui può pervenire una dittatura
Pubblico 
Adolescenti
L’atmosfera di violenza e sopraffazione in cui si svolge il racconto non è adatto ai più piccoli
Giudizio Artistico 
 
Il film eccelle per la ricostruzione di una Mosca anni ’50 e per la bravura degli attori. Discutibile la scelta di fare una satira (ovviamente amara) intorno a quei fatti terribili realmente accaduti
Testo Breve:

Il regista inglese Iannucci, esperto in satire politiche, ricostruisce il momento cruciale della morte di Stalin. Un film ben realizzato che trasforma dei fatti realmente accaduti in una gelida satira della dittatura

Il regista scozzese Armando Iannucci ama parlare del potere e prenderlo in giro con quell’ironia dissacrante e libera che abbiamo conosciuto da altri importanti autori inglesi: i Monty Python. Con la serie televisiva trasmessa dalla BBC The Thick of it , Iannucci metteva in primo piano un fantomatico e inetto ministro di gabinetto totalmente inadatto a quella carica mentre nella serie Veep , trasmessa dalla rete via cavo americana HBO e poi in Italia da Sky Atlantic, abbiamo conosciuto una vice presidente incompetente  che si sentiva sempre molto vicina al potere senza poterlo mai assaporare realmente.
Con questo portafoglio di successi (con il serial americano ha collezionato numerosi Emmy Awards) Iannucci ha guardato con interesse alla graphic novel: La morte di Stalin dei francesi Fabien Nury e Thierry Robin. Si è trattato di un ottimo connubio artistico perché Iannucci è stato capace di riproporre sullo schermo gli effetti cromatici dell’opera cartacea (il rosso delle bandiere in contrasto con il grigio scuro delle divise, i poderosi palazzi bianchi degli anni trenta di Mosca) e la scenografia è forse una delle parti più curate e meglio riuscite del film.

La narrazione mette a fuoco il comportamento di quel manipolo di uomini che si erano conquistati il privilegio di sedersi allo stesso tavolo del potere di Stalin, in quel momento cruciale del 1953, quando il dittatore muore e il regime di terrore messo in piedi rischia di saltare mentre la lotta alla successione  inizia immediatamente senza esclusione di colpi.

Il tema è estremamente serio ed è legittimo domandarsi se sia stato giusto utilizzare lo stile gelido e sarcastico che abbiamo conosciuto con i Monthy Python. Il punto è che i dittatori sono sempre troppo seri e quel genio di Chaplin aveva già capito qual è il miglior modo per prenderli in giro: smontarli nella loro presunzione, rappresentando un dittatore che gioca con il mondo come se fosse una palla. Si tratta in realtà di un confronto non pertinente. Chaplin, stava sviluppando una satira nei confronti di un uomo a lui contemporaneo, come se qualcuno facesse oggi (come accade di fatto) una satira su Trump; le satire in questo modo sono sempre in qualche modo costruttive, perché fanno comprendere, alla persona a cui è destinata, come certi comportamenti non siano apprezzati dai più.  In secondo luogo Chaplin, a quel tempo, aveva del nazismo una conoscenza superficiale. Lui stesso, finita la guerra, dichiarò: "se avessi saputo com'era spaventosa la realtà dei campi di concentramento, non avrei potuto fare Il grande dittatore; non avrei trovato niente da ridere nella follia omicida dei nazisti".

Ecco perché questo film, alla fine, finisce per disturbare: stiamo parlando non di attualità ma di storia, di terribili fatti realmente accaduti, dove non è corretto stabilire quella distanza che si ottiene facendo della satira. Nel film Beria distribuisce continuamente nuove liste di sospettati da fucilare o mandare nei gulag; basta che una persona irriti anche superficialmente Stalin per considerarsi già morto. Il terrore è l’unico movente che spinge le persone ad ubbidire, a subire, a mentire. Non vengono trascurati alcuni fatti realmente accaduti, come la decimazione dei dottori a Mosca e perfino il particolare dell’installazione, sotto il tavolo della sala del Politburo, di un pulsante rosso che venne utilizzato per consentire al generale Georgy Zhukov di fare irruzione, portar via Beria e farlo giustiziare all’istante.

Il film resta comunque di ottima fattura, grazie soprattutto all’ interpretazione tragica e comica al contempo dei protagonisti e alla raffinata scenografia.

Ciò che resta impressa, mirabilmente ricostruita nel film (probabilmente in Computer Grafica) è la folla immensa che avanza silenziosa per rendere omaggio alla salma del loro “padre”. Si tratta di una di quelle immagini che superano il contingente e che ci fanno immergere nei complessi misteri della storia.

Di come un popolo, sicuramente oppresso, abbia saputo riconoscere in lui il salvatore della patria dall’invasione nazista e il traghettamento a un’economia socialista, verso la quale continuava a riporre, a quei tempi, grandi speranze.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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TUTTI I SOLDI DEL MONDO

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/08/2018 - 22:12
Titolo Originale: All the Money in the World
Paese: USA
Anno: 2017
Regia: Ridley Scott
Sceneggiatura: David Scarpa (dal libro di John Pearson)
Produzione: LUCKY RED IN ASSOCIAZIONE CON 3 MARYS ENTERTAINMENT
Durata: 113
Interpreti: Michelle Williams, Christopher Plummer, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Duris

Roma, 1973. Il giovane John Paul Getty III, nipote dell’uomo più ricco del mondo, viene rapito. Sua madre Gail precipita nel panico. Il nonno, invece, sembra inizialmente non credere neppure alle richieste di riscatto e manda sul posto il suo esperto di sicurezza, Fletcher Chase, per gestire la situazione. Passano le settimane e i mesi, ma il vecchio magnate si rifiuta di pagare anche quando la situazione diventa seria e così per il giovane Paul le cose rischiano di mettersi molto male…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film mette in scena la miseria umana dell’uomo più ricco del mondo
Pubblico 
Maggiorenni
Scene di tensione e violenza, nudo e una scena di mutilazione
Giudizio Artistico 
 
Il film è gestito con il solito notevole mestiere da Scott, anche se alla fine la storia fatica un po’ a coinvolgere e la scrittura fa quello che può per complicare le cose Sintesi
Testo Breve:

Nel 1973 viene rapito in Italia, per ottenere un favoloso riscatto, il nipote dell’uomo più ricco del mondo. Il sempre bravo regista Ridley Scott non riesce questa volta a coinvolgere lo spettatore a causa di una sceneggiatura alla ricerca affannosa di continui colpi di scena 

Che i soldi non facciano la felicità è un vecchio adagio che potrebbe riassumere il senso dell’ultimo thriller d’epoca dell’ottantenne ma sempre brillantissimo Ridley Scott, che prende spunto da un caso di cronaca nera italiana del 1973, quando il sedicenne nipote del petroliere più ricco del mondo venne rapito da uomini della ’ndrangheta per chiedere un riscatto faraonico al nonno.

Scott e il suo sceneggiatore scelgono di ricamare ampiamente sui fatti (vedremo come se la caverà Danny Boyle, che dallo stesso episodio ha ricavato una serie in uscita nel 2018), soprattutto nel finale per aumentare suspense e azione.

I soldi non mancano al vecchio Getty, che dell’accumulo di oggetti e opere d’arte sembra aver fatto una ragione di vita, certo per amore della bellezza, ma soprattutto, come capiremo più avanti, per ragioni “fiscali”. La sua casa così simile a un museo (dove troneggia, però, come da leggenda metropolitana, una cabina a gettoni per le telefonate degli ospiti) è per metà un’enorme cassaforte, per l’altra una sorta di mausoleo alla propria straordinaria capacità di guadagnare e mantenere il denaro con sé.

Cosa che gli riesce assai meno bene con i discendenti, di cui pure in qualche modo sente la necessità, visto che nei suoi vagheggiamenti si immagina fondatore di una dinastia, come l’imperatore Adriano di cui si reputa una reincarnazione (scelta curiosa, l’imperatore filosofo amante del bello, per un uomo  del genere…).

Il figlio John Paul Getty II sfugge alla pesante figura paterna finendo a drogarsi in Marocco, mentre la nuora Gail negozia l’affidamento esclusivo dei figli in cambio dell’abbandono di ogni pretesa sul patrimonio di famiglia. E così il giovane Paul cresce (non tra miserie e ristrettezze parrebbe, comunque) nella Roma della Dolce Vita, aggirandosi tra paparazzi, piccole celebrità e prostitute simpatiche (Scott evidentemente non ha paura dei cliché) finché non viene rapito e trasportato nella Calabria più selvaggia da un manipolo di delinquenti. Tra i soliti attori italiani prestati al cinema americano per due battute dimenticabili, spicca l’unica star internazionale, il francese Romain Duris, nei panni di Cinquanta, il membro del gruppo che stabilisce una sorta di rapporto affettivo con il ragazzo.

Per la maggior parte del tempo, però, il film segue i disperati tentativi di Gail di recuperare il figlio, con la collaborazione inizialmente diffidente e poi sempre più coinvolta di Fletcher Chase, il responsabile della sicurezza di Getty e in fondo il personaggio con il percorso più completo nella storia.

Il film è gestito con il solito notevole mestiere da Scott, anche se alla fine la storia fatica un po’ a coinvolgere. Del giovane Paul, nonostante sia la sua voce a introdurci nella storia, continuiamo a sapere troppo poco, mentre la scrittura fa quello che può per complicare le cose a Gail e Fletcher. Non è sempre facile appassionarsi, però, alle richieste di denaro di questa mamma dolente in Chanel, mentre il pubblico italiano potrebbe trovare fastidioso l’auto-doppiaggio dei nostri attori e l’indulgenza americana allo stereotipo del Bel Paese affascinante e corrotto.

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
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VI PRESENTO CHRISTOPHER ROBIN

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/04/2018 - 09:28
Titolo Originale: Goodbye Christopher Robin
Paese: GRAN BRETAGNA
Anno: 2017
Regia: Simon Curtis
Sceneggiatura: Frank Cottrell Boyce, Simon Vaughan
Produzione: Dj Films, Gasworks Media
Durata: 117
Interpreti: Domhnall Gleeson, Margot Robbie, Kelly MacDonald

A.A. Milne ,brillante scrittore traumatizzato dalla Prima Guerra Mondiale, trova una rinascita nel rapporto con il figlioletto e nelle storie che scrive per lui ispirandosi al suo orsacchiotto. Ma l’improvviso successo planetario della sua opera mette alla prova la tenuta della fragile famiglia ed è per Christopher un’eredità complicata da gestire…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Né il protagonista Milne, con i suoi traumi dolorosi e l’ossessione per la pace nel mondo, che non riescono a giustificare del tutto l’egoismo dell’artista, né la moglie, che esaurisce i propri slanci materni in rari momenti di istrionica presenza, sono realmente vicini al loro figlio Cristopher. L’unica che sembra avere un’idea minimamente chiara dei bisogni del ragazzo è la tata
Pubblico 
Pre-adolescenti
Qualche scena di violenza di guerra
Giudizio Artistico 
 
Incerto tra il classico racconto alla Shakespeare in Love (epitome di un certo modo di raccontare la genesi dell’opera d’arte attraverso la biografia del suo autore) e il dramma familiare strappalacrime, questo omaggio al creatore dell’orsacchiotto di pezza più famoso del mondo si perde per molte strade senza riuscire a seguirne fino in fondo nessuna
Testo Breve:

Come sono nati i libri su Winnie the Pooh, l’orsacchiotto più famoso del mondo? Il film racconta la vita del suo autore e della sua fragile famiglia, che finisce per restare travolta dal successo raggiunto

Incerto tra il classico racconto alla Shakespeare in Love (epitome di un certo modo di raccontare la genesi dell’opera d’arte attraverso la biografia del suo autore) e il dramma familiare strappalacrime, questo omaggio al creatore dell’orsacchiotto di pezza più famoso del mondo si perde per molte strade senza riuscire a seguirne fino in fondo nessuna.

Da un lato A.A. Milne (Domhnall Gleeson, sempre molto bravo), autore umoristico così traumatizzato dalla guerra di trincea da volersi dedicare a un libro contro la guerra e ritirarsi in campagna lontano dalla vita mondana, dall’altro la sua brillante consorte (Margot Robbie, australiana, ma convincentissima come londinese amante della vita di società), che lo vorrebbe autore di successo e che ritiene pressoché esaurita la sua funzione di madre dopo aver partorito il suo erede.

Nel mezzo un bambino, Christopher Robin, affidato alle amorevoli cure di una tata religiosa e affettuosissima, ma inevitabilmente di troppo nel già complicato rapporto tra i genitori.

Finché un giorno il padre, mollato da solo con il pargolo per urgenze familiari della tata e indisponibilità della consorte, scopre che la migliore medicina per il suo disagio sono proprio le storie fantastiche che crea per suo figlio e che hanno per protagonista un avventuroso orso di pezza.

È in questo momento che il film, per il resto condotto con un’onesta ma non indimenticabile regia, cerca un’apertura fantastica che renda lo sguardo fantasioso, innocente e meravigliato sul mondo che ha reso un piccolo orso di pezza un compagno di giochi per tanti bambini.

Fin qui tutto bene, perché poi a complicare le cose interviene l’imprevedibile successo letterario (con tanto di giri promozionali, concorsi e merchandising ante litteram), destinato a lasciare il segno su un bambino che diventa troppo presto solo un personaggio e che al “maledetto orso” deve cedere l’attenzione paterna così faticosamente conquistata trovandosi segnato per la vita da quella notorietà mai cercata.

Né Milne, con i suoi traumi dolorosi e l’ossessione per la pace nel mondo, che non riescono a giustificare del tutto l’egoismo dell’artista (di fatto la sua intera opera letteraria verrà offuscata dai due libri per bambini), né la moglie, che esaurisce i propri slanci materni in rari momenti di istrionica presenza, sono personaggi che destino molta simpatia, neppure quando spasimano per la sopravvivenza del figlio soldato.

Il piccolo Christopher, comprensibilmente, viene fuori piuttosto disturbato e pur di liberarsi della pesante eredità familiare finisce addirittura volontario in guerra allo scoppio del secondo conflitto mondiale.

L’unica che sembra avere un’idea minimamente chiara dei bisogni di Christopher è la tata, che però a un certo punto, esasperata, molla tutti quanti per farsi una famiglia sua.

Quello che emerge è uno strano ritratto di famiglia disfunzionale con artista, in cui l’operazione letteraria è vista di volta in volta come veicolo di catarsi personale, tramite di legami incerti e dolorosi, operazione commerciale senza scrupoli, o catalizzatore di una grande consolazione collettiva di fronte ai traumi di una generazione.

Perso in queste troppe suggestioni il film finisce talvolta per diventare un po’ noioso nei suoi snodi e a tratti involontariamente ridicolo dove vorrebbe essere sinceramente drammatico. 

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA RUOTA DELLE MERAVIGLIE

Inviato da Franco Olearo il Dom, 12/17/2017 - 21:39
Titolo Originale: Wonder Wheel
Paese: USA
Anno: 2017
Regia: Woody Allen
Sceneggiatura: Woody Allen
Produzione: PERDIDO, AMAZON STUDIOS, IN ASSOCIAZIONE CON GRAVIER PRODUCTIONS
Durata: 101
Interpreti: Kate Winslet, Jim Belushi, Justin Timberlake, Juno Temple

Negli anni Cinquanta, Ginny (Kate Winslet), barista quarantenne con un passato mitico di attrice, vive col secondo marito Humpty (Jim Belushi) e il figlio di prime nozze, nel Luna Park di Coney Island, ormai prossimo alla decadenza. La donna conduce una quotidianità insostenibile, afflitta dalla piromania del figlio e dalla tendenza all’alcolismo del marito. Si rifugia così in una relazione avventurosa con un giovane bagnino che vuole diventare drammaturgo, Mickey. Ma quando la figlia di Humpty, in fuga dal marito gangster, viene a rifugiarsi a Coney Island, i conflitti sopiti della vita di Ginny esplodono.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Una donna è incapace di contrastare le passioni indotte dalla sua fragilità. Un uomo riesce a esprimere, anche nei momenti più difficili, un amore goffo ma autentico. Sedurre una donna sposata non costituisce un problema
Pubblico 
Maggiorenni
Alcune scene a contenuto sessuale, turpiloquio, violenza verbale in famiglia. Situazioni familiari disordinate
Giudizio Artistico 
 
Woody Allen conferma la sua eccellenza nella narrazione tragica, impreziosita dalla fotografia di Storaro e sostenuta dalle eccellenti interpretazioni del cast
Testo Breve:

Un vedovo e una donna divorziata hanno unito le loro debolezze per sostenersi a vicenda ma l’amore è un’altra cosa e la tragedia è dietro l’angolo. Woody Allen conferma di essere un grande narratore di tragedie, sostenuto dall’ottima interpretazione di Kate Winslet 

Molti anni dopo il capolavoro Match Point, Woody Allen abbandona finalmente gli stanchi divertissement e ritorna a una dimensione in cui sa eccellere, la tragedia.

La ruota delle meraviglie si rivela un film complesso e pieno, compendio di più anime del regista, accese da una grazia che la fotografia di Storaro (alla sua seconda collaborazione con Allen dopo Café Society) e le eccellenti interpretazioni del cast sanno garantire.

Se all’inizio la voce narrante scanzonata del bagnino Mickey (Justin Timberlake) e il ricorso alla metanarrazione assicurano il distacco ironico alleniano, la vena tragica cresce e finisce per travolgere tutto.

Kate Winslet, in una delle sue interpretazioni migliori, incarna una figura femminile potentissima, donatrice di vita e di morte, condensando l’immagine alleniana della donna nevrotica e qualcosa di più antico e profondo, che ricorda Medea ma soprattutto Blanche di Un tram chiamato desiderio. Allen racconta la tragicità dei rapporti umani, cui in Interiors applicava il filtro rarefatto del maestro Bergman, con un nuovo linguaggio, ispirato stavolta ai grandi classici del teatro americano, da Williams a O’Neill, tessendo una trama preziosa di rimandi colti, mai gratuiti o stantii. Ma il regista non si limita a un codice univoco, molte sono le incursioni da diverse fasi della sua carriera, come la figura tragicomica del bambino piromane che, retaggio di spassose ricostruzioni autobiografiche (da Amore e Guerra a Io e Annie), accende un fuoco simbolico della rivolta tenace contro la vita matrigna e crudele.

Il fuoco, del resto, abilmente rincorso da una fotografia miracolosa, ammanta dei suoi colori l’intera immagine della Winslet, diventando codice simbolico dell’illusione, del pathos teatrale continuamente smorzato dalla prosaicità della vita. Un blu livido inghiotte i volti degli attori quando l’esistenza si rivela in tutta la sua sgraziata crudezza.

Il nichilismo disperato di Allen pervade ogni fotogramma di un’amarezza dolorosa, eppure preferibile al giocoso cinismo del Basta che funzioni. Quando il regista ammette onestamente che nulla basta, la sua arte si fa più potente e vera. Tanto che il suo nichilismo non si chiude su se stesso ma lascia spiragli.

Un matrimonio senza poesia, il logorio delle mansioni casalinghe e delle discussioni quotidiane, hanno il volto empatico e irresistibile di Jim Belushi, un Karenin umanissimo, logorato dalla vita eppure ancora capace di un amore goffo, che, anche se non sembra, rimane amore.  E quando Storaro fa calare il sipario di una luce livida e disillusa sul matrimonio di Ginny e Humpty potremmo miracolosamente trovarci a chiedere se, in quella frustrata quotidianità priva di pathos in cui le persone rimangono insieme quasi per disperazione, in fondo in fondo qualcosa di piccolo ma vero non sia del tutto da buttare.

Autore: Eleonora Recalcati
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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THE CASE FOR CHRIST

Inviato da Franco Olearo il Mer, 12/13/2017 - 20:16
 
Titolo Originale: The Case for Christ
Paese: USA
Regia: Jon Gunn
Sceneggiatura: Brian Bird
Produzione: Triple Horse Studios
Durata: 113
Interpreti: Mike Vogel, Erika Christensen, Frankie Faison, Faye Dunaway, Robert Forster

Chicago 1980. Lee Strobel è un apprezzato giornalista investigative che lavora per il Chicago Tribune. Un sera si trova in un ristorante con sua moglie Leslie e la piccola figlia. Un dolcetto dalla forma allungata blocca la respirazione della bambina che rischia seriamente di soffocare. Un’infermiera che provvidenzialmente si trova nello stesso locale riesce a farle espellere il candito. Leslie resta scossa per l’accaduto, ritiene che la presenza dell’infermiera sia stata provvidenziale e si avvicina alla fede cristiana. Ciò indispettisce il marito, un ateo convinto. Decide quindi di applicare la stessa tecnica investigativa di cui è esperto, per dimostrare con i fatti, alla moglie, che la fede è pura superstizione. Inizia così a intervistare storici, biblisti, medici, psicologhi per raccogliere le prove della sua tesi…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
La storia di una conversione al cristianesimo, che parte dalla ragione per approdare all’amore
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Il racconto, ispirato a fatti realmente accaduti, esplora in modo convincente il percorso interiore che compie il protagonista per pervenire alla conversione
Testo Breve:

Il giornalista Lee crede solo nella realtà dei fatti e resta sconvolto quando la moglie aderisce alla fede cristiana. Il suo tentativo di cercare contrasti insanabili fra ragione e fede, ispirato a un fatto realmente accaduto, si risolve in una piena conversione

Questo Christian Film americano ha almeno due punti di vantaggio rispetto ad altri lavori simili usciti di recente, di contenuto apologetico (come God’not dead 1 e 2): racconta una storia vera, quella della conversione del giornalista Lee Strobel e la storia è ben narrata, proprio perché si basa sul libro autobiografico che Lee ha scritto.

Il Lee del racconto è un bravo professionista, ama il suo lavoro di giornalista investigativo che lo porta a cercare sempre di ricostruire la verità intorno al fatto di cronaca sotto esame appoggiandosi solo a ciò che può essere sottoposto a verifica.  Ama la moglie Leslie che sta aspettando il secondo bambino e per questo motivo è per lui motivo di grande delusione lo scoprire che si è avvicinata alla fede. Per Lee credere (frequentando una delle tante chiese protestanti presenti in America) è come piombare nella superstizione, imprimere alla propria vita una direzione assolutamente irrazionale. Sono varie le motivazioni del suo disappunto: un atteggiamento un po’ maschilista che assegna all’uomo di casa la leadership nello stabilire la filosofia di vita della famiglia; la prospettiva di una contesa continua con la moglie nella determinazione delle linee educative da dare ai due figli; il timore che si accresca la “distanza” fra loro due e arriva a dire che “tu mi hai tradita per Cristo”.

Un atteggiamento simile, sia pur a parti invertite, l’avevamo visto nel film francese L’amore inatteso dove l’avvocato Antoine sentiva che solo la fede può dare un senso alla propria esistenza ma la moglie come prima reazione, aveva temuto che ciò avrebbe causato un minore impegno nei doveri e negli affetti familiari, per andare a frequentare chissà quali ritiri spirituali.

Lee riceve l’autorizzazione dal suo capo redattore per iniziare a indagare sulla veridicità della fede cristiana e in particolare verificare se la Resurrezione possa razionalmente venir considerata un fatto realmente accaduto. Cerca quindi di trovare sostegno, consultando vari esperti, alle più classiche teorie ateiste. Al contrario, un archeologo gli conferma che il Vangelo è uno dei documenti meglio documentati dell’antichità, sfatando l’ipotesi che si tratti di un romanzo scritto molto tempo dopo; un dottore lo fa desistere dal supporre che Cristo non sia realmente morto sulla croce; infine una psichiatra lo dissuade dal ritenere possibile che si sia trattato di una suggestione collettiva.

Alla fine un amico giornalista lo porta alla più amara delle conclusioni: anche per ritenere che Gesù non sia realmente risorto occorre tanta fede quanta ne è necessaria per credere che sia stato realmente. E’ il fallimento della sua ipotesi di basare su dei fatti concreti la non consistenza della fede cristiana. Ma .in fondo, tutto quell’impegno non era stato vano: l’aver cercato con tanta insistenza una verità che gli sfuggiva era stata la miglior prova di trovarsi di fronte a qualcosa che anche per lui era di importanza capitale

Il regista Jonathan M. Gunn e lo sceneggiatore Brian Bird hanno arricchito il racconto (il testo originale si concentra sul tema della ricerca delle prove per non credere) di un’indagine poliziesca che Lee svolge per il suo giornale: anche in questo caso Lee cerca di attenersi ai fatti ma ben presto dovrà accorgersi che anche in quel contesto, così familiare perché sostenuto dall’esperienza acquisita con il suo lavoro, occorre sforzarsi di cercare una verità più profonda di quella che appare a un primo esame.

Molto bella è la figura della moglie, che soffre in silenzio per l’incredulità del marito e prega con intensità il brano di Ezechiele: “darò loro un cuore nuovo …darò loro un cuore di carne”.

Alla fine, riconosciuto che il racconto dei Vangeli non ha elementi di incredulità ma che di più non si può dire, messa da parte la ragione, Lee finisce per arrendersi di fronte a un’altra evidenza: l’amore di Leslie che non è mai venuto meno anzi si è accresciuto con la fede. Fanno una bella figura anche gli amici che cercano di aiutarlo nella sua ricerca, calmi e ragionevoli, riescono a distoglierlo dagli aspetti più negativi della sua ostinazione.

Dopo la sua conversione, il Lee reale è diventato un pastore della comunità Willow Creek , ha scritto libri di apologia cristiana e ha prodotto un programma TV che parla di fede.

Il film è disponibile in inglese con sottotitoli in inglese.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LOVELESS

Inviato da Franco Olearo il Mar, 12/12/2017 - 08:44
Titolo Originale: Nelyubov
Paese: Russia, Francia, Belgio, Germania
Anno: 2016
Regia: Andrey Zvyagintsev
Sceneggiatura: Oleg Negin, Andrey Zvyagintsev
Produzione: NON-STOP PRODUCTIONS, WHY NOT PRODUCTIONS, ARTE FRANCE CINÉMA, WESTDEUTSCHER RUNDFUNK, LES FILMS DU FLEUVE, FETISOFF ILLUSION, SENATOR FILM PRODUKTION
Durata: 128
Interpreti: Mariana Spivak, Alexey Rozin, Matvey Novikov, Marina Vasilyeva, Andris Keishs

Boris e Zhenya sono al capolinea della loro storia matrimoniale; entrambi si stanno rifacendo una vita con un altro partner (Boris aspetta perfino un figlio dalla nuova compagna), la casa è in vendita, le strade pronte a dividersi senza troppi rimpianti. C’è solo un particolare stonato in questa sinfonia della disunione, ed è la scomoda presenza del figlio dodicenne, Alyosha. Nessuno dei due sembra disposto a prendersene cura, ora che finalmente sono pronti a ricominciare da un’altra parte, per cui l’unica soluzione pare essere l’orfanotrofio. Alyosha, ascoltando malauguratamente stralci di un dialogo tra i due, comprende il proprio destino e decide di uscire silenziosamente di scena, socchiudendo la porta senza fare rumore e facendo perdere le sue tracce

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il valore di questo film è positivo perché il male viene rappresentato esattamente come male. Viene mostrata una umanità violata dove nessuno ama davvero nessuno, dove ognuno è solo, in balia del proprio istinto quanto del proprio cellulare e i due protagonisti cedono alla spirale dell’odio, non offrendo mai la spalla l’uno ll’altra, anche quando ne avrebbero un disperato bisogno
Pubblico 
Maggiorenni
Scene di sesso esplicite, scene di forte tensione
Giudizio Artistico 
 
Il regista Zvyagintsev ci restituisce una società disintegrata nello spirito e negli affetti, e lo fa con una perizia quasi chirurgica, per cui non c’è inquadratura o dialogo di troppo
Testo Breve:

Una coppia si è separata e nessuno dei due è disposto a prendersi cura del figlio dodicenne.  Il regista Zvyagintsev ci restituisce una società disintegrata nello spirito e negli affetti, e lo fa con una perizia quasi chirurgica

Il film si apre con alcune scene che ritraggono un parco alle porte di Mosca, carico di neve e silenzio. Bianco, vuoto e un silenzio assordante caratterizzano le primissime inquadrature, dettagli che non riusciamo a dimenticare nel corso della storia. L’esistenza del piccolo Alyosha rispecchia queste caratteristiche; scialba e insignificante agli occhi dei genitori, vuota di affetti, talmente flebile da non poter essere percepita. Un inconsistente nastro di plastica sventolante, aggrappato senza energia, quasi fortuitamente, ai rami di un albero. A fare da contrasto, nelle scene successive, ci sono gli insulti e le minacce che i due genitori si vomitano addosso reciprocamente, dense di livore ed egoismo. A partire dall’inquietante scomparsa del figlio i due non faranno altro che litigare, scagliarsi addosso le reciproche mancanze e responsabilità. Quasi a voler confermare che il dolore non per forza riunisce, ma laddove i rapporti sono stati spezzati tra accuse e rivendicazioni non c’è possibilità di recupero, e il dolore può solo distruggere ciò che l’egoismo aveva prima incrinato. Nessuna redenzione quindi, nessuna catarsi. I due protagonisti cedono alla spirale dell’odio, non offrendo mai la spalla l’uno all’altra, anche quando ne avrebbero un disperato bisogno. Nella scena più drammatica di tutta la storia, infatti, quando entrambi si trovano all’obitorio, e devono verificare se il corpo celato sotto il telo appartenga o no al figlio, non uno sguardo, un abbraccio, una richiesta di aiuto viene indirizzata dall’uno nei confronti dell’altro. Questa coppia un tempo feconda, capace di mettere al mondo un bambino, si ritrova nel tempo, schiacciata dal peso delle proprie incomprensioni, sterile. Non più in grado di infondere affetto e tenerezza verso l’altro. Tantomeno di offrire il perdono.

Il regista Zvyagintsev ci restituisce una società disintegrata nello spirito e negli affetti, e lo fa con una perizia quasi chirurgica, per cui non c’è inquadratura o dialogo di troppo. Contro questa umanità violata dove nessuno ama davvero nessuno, dove ognuno è solo, in balia del proprio istinto quanto del proprio cellulare (degna di nota l’insistenza con cui ritrae i protagonisti con il telefono in mano) e dove l’esistenza dell’altro non ha valore, dignità, peso specifico, si staglia, implacabile, il giudizio di Zvyagintsev. L’unica eccezione, insieme ad Alyosha, piccolo martire dell’egoismo contemporaneo, è rappresentata dalla squadra di volontari, che si prodigano per il ritrovamento del bambino in modo del tutto disinteressato. Dietro l’anonimato di questi individui si celano gli unici barlumi di sentimenti autentici, che rendono tale l’essere umano, quasi a lasciar intendere che l’uomo di oggi ha pagato l’acquisto della propria individualità con la perdita della propria umanità. 

Autore: Miriam Farabegoli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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HAPPY END

Inviato da Franco Olearo il Mar, 12/05/2017 - 16:49
Titolo Originale: Happy End
Paese: Francia, Austria, Germania
Anno: 2017
Regia: Michael Haneke
Sceneggiatura: Michael Haneke
Durata: 107
Interpreti: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovits, Toby Jones

Alcuni tragici eventi sconvolgono l’apparente serenità dei Laurent, ricchissima famiglia di Calais, sulla Manica. Mentre Georges (Trintignant), il capo famiglia anziano ed infermo, conta i giorni che lo separano dalla morte, la primogenita Anne (Isabelle Huppert) deve far fronte alle conseguenze di un devastante crollo in uno dei cantieri della ditta di famiglia, che dirige insieme al figlio, il tormentato Pierre. Nel frattempo il fratello di Anne, Thomas (Kassovitz), già al secondo matrimonio, coltiva una torbida relazione con una donna misteriosa. La doppia vita dell’uomo rischia di essere smascherata quando alla sua porta si presenta la figlia tredicenne, Eve, avuta con la prima moglie che ha appena tentato il suicidio…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
I personaggi principali sono negativi, i gesti di altruismo sono quasi sempre impregnati di ipocrisia Una cosa che accomuna tutti i protagonisti è che sono tendenzialmente distruttivi e autodistruttivi in conseguenza ad un sostanziale rifiuto della sofferenza
Pubblico 
Sconsigliato
Contenuti sessuali espliciti Atteggiamento cinico e pessimista sul valore della nostra esistenza
Giudizio Artistico 
 
Ottima regia e ottima recitazione
Testo Breve:

Michael Haneke, dopo aver sviluppato con il film Amour, un’apologia dell’eutanasia a beneficio delle persone anziane, allarga l’orizzonte prospettando per tutti il rifiuto della sofferenza e la vocazione al suicidio si estende  a una ragazza tredicenne

Dopo il successo di Amour, Palma d’oro e Oscar nel 2013, Haneke riprende il filo del discorso con un film che sembra idealmente un sequel del precedente. Il contesto è diverso - quello era ambientato a Parigi, totalmente in interni, questo a Calais, dove la superficialità e l’ipocrisia dei ricchi protagonisti fa da stridente contraltare al dramma reale di migliaia di immigrati clandestini - ma la storia presenta elementi ricorrenti che ammiccano allo spettatore. Uno su tutti, il duo Trintignant-Huppert, anche qui padre e figlia (l’anziano protagonista ha anche lo stesso nome, Georges), che con le loro linee narrative travalicano i confini dei film, unendo le due storie - come si intuisce nel momento in cui l’anziano capofamiglia confessa alla giovanissima e turbolenta nipote, l’omicidio della moglie malata, andato in scena in Amour.

Ma non è solo dal film premio Oscar che Haneke attinge per storie, tematiche e scelte registiche. Happy End infatti si innesta nel solco tracciato dal regista con le opere precedenti, senza per questo rinunciare ad una sua originalità, soprattutto per quanto riguarda la grottesca ironia – a cominciare dal paradosso del titolo - che scaturisce dal contrasto surreale tra la compostezza esteriore dei personaggi e la drammaticità quasi eccessiva che si rivela in ogni piega recondita delle loro esistenze.

Come in molte altre storie raccontate da Haneke, anche qui infatti le vere protagoniste sono la morte e la sofferenza, che è sempre nascosta dietro a una scorza di buone maniere e di apparenze da preservare per il quieto vivere o semplicemente per un orgoglio ottuso e spietato. Apparenze che nascondono spesso una doppia vita, che però, con grande onestà intellettuale, viene raccontata come una condizione esistenziale provvisoria, destinata prima o poi a implodere, portando all’autodistruzione. 

Anche qui poi, il regista preferisce raccontare i personaggi e i loro stati d’animo di fronte alle avversità, piuttosto che eventi e fatti che praticamente non vanno mai in scena, nemmeno quelli più tragici, se non con la mediazione del “digitale”. I supporti tecnologici di cui Haneke si serve per raccontare e rivelare, rappresentano una sorta di muro invisibile, oltre che tra diverse generazioni (ne è l’emblema il rapporto tra nonno e nipote, i due personaggi al tempo stesso più lucidi e distruttivi della famiglia) anche tra quella che sembra la realtà vissuta e quella percepita, di cui siamo spettatori più o meno volontari (ritorna quindi il tema del voyeurismo già raccontato in Niente da nascondere e ne Il nastro bianco). Accade così che gli unici riferimenti al tradimento di Thomas – che tanto ricordano la perversione sessuale de La pianista - vengono “consumati” su una chat, il crollo delle fondamenta del centro commerciale attraverso una telecamera di sorveglianza, il tentativo di suicidio della madre di Eve immortalato con un cellulare. La morte quindi, come dicevamo grande protagonista della pellicola, è nascosta o filtrata, e il dolore raccontato spesso da lontano, quasi con pudore e un distacco anche e soprattutto fisico, reso alla perfezione dall’uso di inquadrature larghe che per paradosso non riducono il pathos, anzi lo cristallizzano e lo amplificano.

Autore: Gabriele Cheli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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L'ETA' IMPERFETTA

Inviato da Franco Olearo il Lun, 11/27/2017 - 21:59
Titolo Originale: L'età imperfetta
Paese: ITALIA
Anno: 2017
Regia: Ulisse Lendaro
Sceneggiatura: Cosimo Calamini
Produzione: LOUIS LENDER PRODUCTION, AURORA FILM, IN COLLABORAZIONE CON RAI CINEMA
Durata: 96
Interpreti: Marina Occhionero, Paola Calliari, Anita Kravos, Anna Valle

In in piccolo centro del Nord Italia vive la diciassettenne Camilla. La sua vita scorre serena sia a scuola, dove riporta ottimi voti sia in famiglia, dove vive in armonia con il padre che fa il fornaio, una madre che proviene dall’ Est Europa e due simpatiche sorelle, con cui scherza e litiga. Camilla ha un sogno: diventare una ballerina professionista ed è proprio alla scuola di danza che incontra Sara, diciott’anni appena compiuti, che gode di molta libertà perché figlia di genitori benestanti divorziati. Sara introduce l’amica in un ambiente più spregiudicato, fra frequentazione di locali notturni, uso di pasticche e incontri amorosi. Quando arriva il momento della grande prova di danza che selezionerà alcune ragazze per l’iscrizione a una prestigiosa scuola di Parigi, Sara viene selezionata mentre Camilla resta esclusa. Il mondo sembra crollarle addosso e si insinua nella sua mente il sospetto che la sua ex amica abbia tramato, con la complicità dell’insegnante, per farla arrivare impreparata alla prova...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Una ragazza, chiusa nel suo egocentrismo, viene travolta dall’odio e dal desiderio di vendetta
Pubblico 
Maggiorenni
Una veloce sequenza di nudo, sbrigativi Incontri amorosi fra adolescenti
Giudizio Artistico 
 
Il regista è bravo nel tratteggiare le due protagoniste adolescenti e il loro ambiente ma non riesce a darci una spiegazione compiuta delle decisione prese dalla protagonista
Testo Breve:

Due ragazze con la comune passione per la danza, da amiche diventano nemiche. Il film analizza alcuni pericolosi lati oscuri dell’età dell’adolescenza

Parlare dell’età dell’adolescenza, in particolare di quella femminile, è sicuramente arduo e molto spesso si seguono stereotipi abusati. A giudicare dagli ultimi lavori televisivi, quando viene introdotta un’adolescente, dobbiamo aspettarci che prima o poi resti incinta.

Fra i lavori più recenti, è risultato originale Prima di Domani, dove il baricentro del racconto non è la solita relazione amorosa, ma la scoperta, da parte della protagonista, dell’importanza di rapporti sinceri e leali con le proprie amiche e il suo ragazzo. Questo L’età imperfetta, lavoro dell’esordiente Ulisse Lendaro, mette ben a fuoco un altro aspetto caratteristico di quest’età: il bianco o il nero; un modo di atteggiarsi verso gli altri senza mezze misure, attraverso grandi amori o repentini, radicali, odi. E’ quello che si determina fra Sara e Camilla, accomunate dalla passione per la danza ma complementari negli affetti familiari: Sara trova nella famiglia dell’amica un calore che a lei, figlia di divorziati, è stato negato mentre Camilla riceve da Sara una spinta a quell’emancipazione che ancora non possiede, incluso, quasi inevitabilmente, il pervenire alla prima esperienza sessuale.

Di fronte a una grande delusione (la sconfitta alla gara di ballo) è proprio Camilla che subisce una radicale trasformazione: ora ritiene che sia importante solo pensare a se stessa, dimenticando di essere una figlia brava e ubbidiente, decisa a realizzare ciò a cui brama con tutti i mezzi, inclusa una terribile vendetta.

Il regista è molto bravo nello sviluppare il thriller psicologico che sottende la storia (Sara ha realmente tramato contro Camilla o o si tratta solo di un'ossessione frutto della paranoia in cui è precipitata la ragazza?) ma molto meno nel darci ragione di una così drastica trasformazione. Da una prima lettura  potrebbe sembrare che il racconto si appoggi sulla contrapposizione fra due ambienti familiari, quello caldo e avvolgente di Camilla (molto simpatici i suoi rapporti con la piccola sorellina Francesca) e l’indipendenza solitaria in cui vive Sara, interrotta solo da saltuari e sbrigativi incontri con il padre. In realtà la contrapposizione fra la buona Camilla e la spregiudicata Sara ha breve durata; sono proprio quei valori di cui è intessuta la vita di Camilla che evaporano rapidamente; in lei sembra agire qualche atavica radice del male e a nulla fanno presa l’atteggiamento comprensivo e aperto del padre né la condivisione, con la madre, di un’apparentemente sincera fede ortodossa. E’ proprio l’immagine di Camilla che prega in ginocchio prima di compiere la sua vendetta che stride maggiormente e il racconto sembra carente di semplici regole di causa ed effetto. Ugualmente angosciosa è la solitudine nella quale Camilla si lascia travolgere dal demone della vendetta, facendo terra bruciata intorno a sé, senza che a nulla possa valere la vicinanza delle amiche, delle due sorelle, della zia o del padre.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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