Film Oro

Film con contenuti di valore in riferimento alla persona e alla famiglia

LA SCELTA - THE CHOICE

Inviato da Franco Olearo il Mar, 03/28/2017 - 12:00
 
Titolo Originale: The Choice
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Bryan Sipe
Sceneggiatura: Bryan Sipe, tratto dall'omonimo romanzo di Nicholas Sparks
Produzione: Nicholas Sparks Productions, The Safran Company
Durata: 111
Interpreti: Benjamin Walker, Teresa Palmer, Alexandra Daddario, Maggie Grace, Tom Welling, Tom Wilkinson

Gabby è una studentessa di medicina che si è da poco traferita nella casa accanto a quella di Travis. I loro primi incontri sono alquanto tempestosi ma in realtà si sono piaciuti fin dall’inizio. Le difficoltà non sono poche: lui è uno scapolo impenitente, lei ha un fidanzato dottore che indirettamente gli potrà garantire una professione piena di soddisfazione.  Ma l’amore che nasce fra loro è proprio quello giusto, quello che dà loro lo slancio per abbandonare la vecchia vita e costruirne una nuova. 

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un film molto positivo sul tema del fine vita ma disinvolto in termini di rapporti prematrimoniali
Pubblico 
Adolescenti
Alcuni rapporti frettolosamente prematrimoniali non costituicono un buon esempio
Giudizio Artistico 
 
Il film sviluppa bene la psicologia dei protagonisti, sia nel momento dell’innamoramento che in quello della tragedia. Ben tratteggiati anche i personaggi secondari
Testo Breve:

Un uomo trascorre una vita felice con sua moglie e i suoi figli ma un giorno un incidente automobilistico riduce la donna in coma. All’uomo spetta la responsabilità di una terribile decisione

“Abbiamo parlato di Dio e non è . andata male”-  dice Travis a Gabby la prima sera che si trovano a cenare insieme. Il padre di Travis risulta inoltre particolarmente impegnato nelle attività della parrocchia, dopo che sua moglie è morta tragicamente di cancro.

Amore, eventi drammatici e religione sono i tre ingredienti che in genere caratterizzano i film ricavati dai romanzi di Nicholas Sparks. Sono già undici i film che si sono ispirati ai suoi lavori e questo è il primo realizzato con la sua casa di produzione.  Occorre riconoscere che Nicholas ha creato un genere facilmente riconoscibile. I protagonisti sono sempre giovani con la testa sulle spalle che cercano un amore particolarissimo: quello che dura tutta una vita. e che vedono nel matrimonio l'ambito perfetto nel quale questo loro desiderio trova attuazione. La qualità dei film che si sono ispirati ai suoi romanzi è indubbiamente oscillante ma l’esistenza di un pubblico stabile e nutrito sta a dimostrare che c'é  ancora gente che non si stanca di inseguire questo sogno.

Di amore, anzi innamoramento si parla nella prima parte del film in un contesto particolare: un piccolo centro della Nord Carolina dove tutti si conoscono. Travis lavora come veterinario nella clinica per cani di suo padre, si gode la sua villetta con vista sul mare e un motoscafo con il quale porta in gita gli amici prima di terminare la giornata nel suo giardino, intorno al fuoco di un barbecue. Sparks ha inquadrato il racconto in un contesto di brave persone (sono ben delineati anche i personaggi secondari, come le infermiere, le segretarie, gli amici sempre allegri e gentili).), fra i quali vengono sempre mantenuti rapporti di simpatica cordialità  . Il messaggio dell’autore è chiaro: una piccola comunità si trova nelle condizioni migliori per promuovere cordialità e attenzioni degli uni nei confronti degli altri  e quando, in questo contesto, matura l'amore fra Travis e Gabby, (all’inizio turbolento, perché lui era uno scapolo impenitente, mentre lei aveva già un fidanzato) entrambi possono contare sull’esempio dei rispettivi genitori che costituiscono un sicuro riferimento di unioni stabili.

Nella seconda parte del film interviene la tragedia. Gabby resta in coma per un incidente automobilistico. Lei ha firmato quello che in Italia viene chiamato testamento biologico e dopo i 90 giorni previsti, Travis viene  invitato a concedere l’autorizzazione a sospendere le cure. Lui subito si oppone perché ritiene quel documento valido solo a fronte di malattie incurabili, non di fronte a un incidente automobilistico.

Inizia il tormento di Travis: tutto sembra indirizzarlo verso la decisione più ovvia ma lui non se la sente di assumersi la responsabilità di decretare la morte di sua moglie. E’ questa la parte più vera e intensa del film perché mostra bene come, al di là di tante impostazioni ideologiche, si tratta sempre di decisioni terribili per qualsiasi persona che abbia una coscienza. Non basta esser legalmente a posto per andare contro le leggi del cuore e contro l’istinto primordiale della difesa della vita.

Il film è ben realizzato ma scatenerà inevitabilmente giudizi a priori positivi o negativi di fronte al tema del fine vita, a cui si aggiungeranno inevitabilmente commenti sul finale che appare semplicistico ma che può anche essere vero. Comunque sia, il film invita chiaramente a porsi a favore della vita.

Il film è disponibile in DVD o sulla rete Netflix.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA PIU' GRANDE STORIA MAI RACCONTATA

Inviato da Franco Olearo il Gio, 03/16/2017 - 18:05
 
Titolo Originale: The Greatest Story Ever Told
Paese: USA
Anno: 1965
Regia: George Stevens
Sceneggiatura: Carl Sandburg, George Stevens
Produzione: GEORGE STEVENS PRODUCTIONS, UNITED ARTISTS
Durata: 195
Interpreti: Max von Sydow, Charlton Heston, José Ferrer, Claude Rains, Telly Savalas, Carroll Baker,Angela Lansbury

Il film inizia con le parole del primo capitolo del vangelo secondo Giovanni che proclamano la divinità di Gesù e che tutto è stato fatto per mezzo di lui. I primi anni di Gesù sono percorsi in modo indiretto, narrando la strage degli innocenti, le crudeltà della dominazione romana e la riduzione della Galilea a prefettura. Ritroviamo Gesù ormai adulto, che si fa battezzare da Giovanni e affronta nel deserto le tentazioni del diavolo. Mentre Gesù si fa conoscere a Cafarnao e nelle altre regioni della Palestina attraverso la predicazione e i miracoli che compie, cresce la preoccupazione di Erode, dei sacerdoti e di Pilato. Il culmine della sua notorietà è raggiunto con la resurrezione di Lazzaro. Gesù entra in Gerusalemme, scaccia i mercanti dal tempio e dichiara che lui solo è la via, la verità e la vita. L’esercito romano disperde la folla che si era radunata intorno a lui mentre il sinedrio riesce a catturare Gesù. Dopo esser stato portato davanti da Erode e poi da Pilato che cede al volere della folla, Gesù viene crocifisso. Il Risorto promette che sarà con i suoi discepoli fino alla fine del mondo.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film mostra chiaramente che Gesù è il figlio di Dio, sia attraverso i miracoli che compie che con l’autorevolezza dei suoi discorsi. E’ data preferenza ai suoi discorsi più spirituali, dove si parla della vita eterna e della necessità di non dare priorità ai beni materiali.
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
La composizione delle immagini e la fotografia sono realizzate con particolare cura ma il rispetto per la figura di Cristo e la storia da raccontare hanno fatto preferire al regista una composizione lenta e solenne
Testo Breve:

Una ricostruzione accurata della figura del Gesù, vero Dio e vero uomo, coerente con il messaggio dei Vangeli ma che riscalda poco i cuori per l’impostazione solenne e ufficiale data al racconto

“In principio era il Verbo e il Verbo era presso Dio e il Verbo era Dio…” Il film inizia in modo solenne, con le prime parole del vangelo di S. Giovanni e per il resto dei suoi 195 minuti (la versione più corta) mantiene la promessa: il Gesù portato sullo schermo dal regista e sceneggiatore George Stevens si manifesta, nei tanti miracoli e nelle parole, come Figlio di Dio e si esprime sempre con la gravità e l’autorevolezza che gli derivano dalla missione divina che deve compiere. Il film si conclude in modo simmetrico rispetto all’inizio: Gesù, ormai risorto, con la veste candida e le braccia alzate, ormai iconizzato, appare fra le nuvole e pronuncia la frase: “sarò con voi fino alla fine del mondo”, in una sequenza quasi identica a quella con cui si era concluso il più famoso film su Gesù dell’epoca del muto: The king of kings del 1927.

Fra i tanti, infiniti aspetti che possono essere colti nelle opere e le parole dell’Uomo-Dio, George Stevens sembra preferire la contrapposizione fra spirito e carne, fra vita terrena e vita eterna, fra fragilità umana e divinità, fra luce e tenebra. Lo si nota non solo nei discorsi tratti dai Vangeli (il cercare il cibo che non perisce, l’essere luce del mondo,..) ma anche in alcuni colloqui originali. Pietro si lamenta che un ladro gli ha rubato il mantello. Gesù è pronto a rispondere: “cosa conta ciò che può essere rubato? Dagli tutto ciò che chiede; verso gli altri devi essere la loro luce e non il loro giudice”. Più espliciti i colloqui che sono stati inseriti nel film, fra Erode e un fiero Giovanni Battista. Di fronte alle minacce di morte Giovanni è pronto a ribattere: “uccidimi, così che io possa vivere. Il mio corpo non vale niente ma la mia anima è eterna e tu non puoi toccarla”.

Ci sono altri colloqui originali nel film che però costituiscono una forma sintetica di detti di Gesù in contesti diversi. Nel parlare con l’amico Lazzaro, che viene presentato come un possidente, Gesù usa le parole che in realtà furono espresse nel colloquio con il giovane ricco ed è questa l’occasione per riflettere sulla ricchezza, che non è un male in sé ma al contempo nessuno può servire due padroni. Nell’incontro alla sinagoga di Cafarnao vengono sintetizzati i giusti rapporti fra gli uomini (non fare agli altri ciò che non vuoi sia fatto a te stesso) e i rapporti con Dio (chiedete e vi sarà dato).

Nel lungo colloquio con Pilato, si contrappongono due visioni del mondo: quella trascendente di Gesù (il mio regno non è di questo mondo; sono venuto per dare testimonianza alla verità) e l’atteggiamento pragmatico del procuratore, che vuole solo capire di quale, fra i tanti dei (Marte? Apollo? Giove?), Gesù si considera figlio e se il suo regno costituisca una minaccia per Roma. Di fronte a un approccio così invincibilmente chiuso nel contingente, diviene inevitabile la sua famosa risposta: “ma cos’è la verità?”.

Molto ben realizzata la sequenza del ritorno di Gesù a Nazareth. Non si svolge nella sinagoga ma di fronte alla fontana centrale dove tutti si recano per attingere acqua. Sono presenti dei vecchi che avevano conosciuto Gesù da bambino, delle persone che ancora ricordano bene suo padre, il falegname del paese. E’ proprio quest’antica familiarità con lui che rende difficile credere alla fama conquistata dal loro concittadino e alla richiesta di fare un miracolo anche da loro, solo per dimostrare che anch’essi sono importanti, Gesù rifiuta e deve andarsene.

Il film sviluppa in dettaglio due miracoli: lo storpio guarito nella sinagoga di Cafarnao e la resurrezione di Lazzaro. Gli eventi prodigiosi si svolgono con particolare lentezza, che serve al regista per sottolineare la solennità del momento. Al baricentro del film c’è proprio la preghiera che Gesù rivolge a suo Padre perché lo esaudisca nel realizzare la resurrezione dell’amico, in modo che si renda manifesta la Sua potenza il Suo nome venga glorificato.

Le invettive contro l’ipocrisia dei farisei vengono collocate alla fine, quando Gesù predica all’enorme folla che si è radunata attorno a lui nella città di Gerusalemme  e proclama che uno solo è il padre e uno solo è il maestro.

L’estetica del film è particolarmente curata (le singole scene sono state ripetute più e più volte) ed è coerente con l’impostazione ufficiale e solenne data al film. Su tutto risalta lo studio della luce. George Steven, prima di diventare regista è stato un tecnico delle luci e si percepisce una sua particolare sensibilità alla composizione delle scene e agli effetti di chiaro-scuro.  Sono molti i campi lunghi impiegati. Gli esterni ricordano poco la Palestina ma le riprese nella valle della morte in California, o del lago Pyramid in Nevada si possono giustificare solo per il loro valore estetico. Tutto è grandioso in questo film, il tempio di Gerusalemme come la reggia di Erode, le cui alte colonne proiettano una luce sinistra sugli intrighi che vengono preparati.

Alfonso Méndiz nel suo libro Jesucristo e nel cine ha raccontato molto bene le tante vicissitudini della realizzazione del film. Dei tre mesi preventivati per le riprese ne occorsero nove; notevole fu lo sforzo di marketing intorno alla pellicola. Il 15 febbraio del 1965 si organizzo un’anteprima alla presenza del presidente Lyndon Johnson e altre autorità mentre due giorni dopo a New York si tenne l’anteprima per i critici. Nonostante l’imponente promozione, l’accoglienza del pubblico fu tiepida. Nelle oltre tre ore di spettacolo l’azione si svolge con lentezza, per sottolineare la solennità dei fatti narrati. Gesù appare spesso in atteggiamento ieratico ma distante. Durante la sofferenza della croce non manca, anche in quell’occasione, di pronunciare le sue ultime parole con potenza e solennità. La presenza di numerosi camei di attori famosi che avevano chiesto di partecipare solo per poter dire: “c’ero anch’io”, di fatto distrae lo spettatore e allenta la tensione soprattutto durante il tormento della croce. Il centurione che alla fine grida: “costui era davvero figlio di Dio!” ha una voce inconfondibile: quella di John Wayne. 

Le presenza di Maria è fugace, forse effetto di un’impostazione protestante e i personaggi dei dodici apostoli non sono stati caratterizzati. I 20 milioni di dollari spesi furono solo in parte recuperati dalla United Artists. Indubbiamente l’epoca dei kolossal cinematografici stava tramontando. Era cambiata anche la sensibilità del pubblico, poco predisposto per un Gesù così ufficiale e poco umano. Non a caso il film successivo che avrà nuovamente un ampio successo di pubblico raccontando la vita di Gesù sarà una versione cantata e in stile hippie: Jesus  Christ Superstar , nel 1973.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL DIRITTO DI CONTARE

Inviato da Franco Olearo il Mar, 03/14/2017 - 10:20
 
Titolo Originale: Hidden Figures
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Theodore Melfi
Sceneggiatura: Theodore Melfi, Allison Schroeder
Produzione: Chernin Entertainment, Fox 2000 Pictures
Durata: 127
Interpreti: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Kirsten Dunst e Jim Parsons

Il film racconta la storia vera della matematica, scienziata e fisica afroamericana Katherine Johnson, che collaborò con la NASA, sfidando razzismo e sessismo e tracciando le traiettorie per il Programma Mercury e la missione Apollo 11.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Tre donne con la passione per il proprio lavoro, buone mogli e brave madri per un racconto storico carico di valori umani, sociali e familiari
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Una storia fatta di calcoli, equazioni, virtuosismi matematici, dettagli storici e sociali coniugati in una sceneggiatura emozionante che tradisce una certa apologia dell'americanismo ma che si può giustificare considerando che i fatti narrati sono sostanzialemte veri
Testo Breve:

Tre donne di colore ingaggiate nei progetti della NASA, Mercury e Apollo, riescono, grazie alle loro capacità di calcolo, a superare i pregiudizi razziali del tempo, senza trascurare i propri affetti familiari

In Italia è uscito l’8 marzo proprio per celebrare la festa della donna, Diritto di contare di Theodore Melfi infatti non è solo una storia che ricorda l’importante contributo che tre donne afro-americane diedero al progresso aereospaziale durante il complicato periodo della guerra fredda tra USA e URSS ma è anche una significativa testimonianza del genio femminile.

Candidato a tre premi Oscar, tra cui quello al miglior film e alla miglior sceneggiatura non originale, Diritto di contare è basato sul libro Hidden Figures: The Story of the African-American Women Who Helped Win the Space Race di Margot Lee Shetterly e racconta la storia della matematica afroamericana Katherine Johnson che, insieme alle sue colleghe Dorothy Vaughan e Mary Jackson, aiutò la NASA nella corsa allo spazio. Tre donne e madri speciali, menti geniali che negli anni ’60, mentre le discriminazioni razziali in America erano ancora nel pieno del loro sviluppo, diedero il loro fondamentale contributo all’esplorazione dell’universo.

Diritto di contare colpisce perché il regista e sceneggiatore non si sofferma solo nella rappresentazione di una storia sulla parità dei diritti e delle opportunità. Theodore Melfi porta invece sul grande schermo una storia carica di valori umani che si mescolano a sorprendenti dettagli storici poco conosciuti, creando un racconto esemplare, emozionante e coinvolgente.

Katherine (Taraji P. Henson), Dorothy (Octavia Spencer) e Mary (Janelle Monáe) non sono eroine, ma donne comuni perfettamente inserite nel proprio contesto storico e sociale. Non lottano per compiere grandi rivoluzioni, ma semplicemente si sforzano, giorno dopo giorno, di fare bene il loro lavoro senza trascurare la famiglia e sebbene debbano fare dei sacrifici notevoli, riescono a farsi aiutare dai loro mariti con determinazione e dolcezza. Soprattutto Katherine, che è vedova, ha due figlie, prima si fa aiutare dalla madre ma  cerca di non trascurare le figlie, finché incontra un uomo che si prende a cuore sia lei che le sue bambine e con molta discrezione e amore entra nella sua famiglia. Le tre donne non trascurano nemmeno la loro amicizia e si sostengono a vicenda.

Ciascuna di loro ha una forte identità come persone e come membri della piccola e grande comunità in cui vivono. Consapevoli dalle loro eccezionali competenze in ambito matematico, informatico e ingegneristico sono convinte di poter fare la differenza se ben inserite e impiegate nel proprio settore. Queste tre donne, ciascuna a modo proprio, trova il modo di impegnarsi, superando non pochi ostacoli e preconcetti, per raggiugere questo obiettivo. Non si sforzano di eccellere sugli altri ma al contrario in tutto, in famiglia, nell’amicizia come nell’ambito professionale, cercano il lavoro di squadra per il successo dell’impresa intera.

Diritto di contare è un film profondamente motivante, fatto di personaggi straordinari ma dai tratti molto umani e credibili. Attraverso le loro storie, che si intrecciano sia sul piano professionale che su quello personale, il film ripercorre i grandi passi storici compiuti in quegli anni nel silenzio con pazienza e perseveranza.

Grazie alle abilità di calcolo di Katherine Johnson l’astronauta John Glenn poté compiere un’orbita completa intorno alla Terra e nel contempo tutta la squadra di scienziati della NASA poté rendersi conto dell’assoluta infondatezza e inopportunità delle discriminazioni razziali ancora all’epoca fortemente sentite e operate in America.

L’energia, l’audacia e la perseveranza di queste tre donne hanno superato barriere professionali e razziali e hanno contribuito significativamente alla ricerca scientifica e al progresso umano della società americana e mondiale. Katherine, Dorothy e Mary in questa storia rappresentano le menti e il cuore dei personaggi sconosciuti e poco celebrati che però furono determinanti per le grandi imprese della NASA.

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL VANGELO SECONDO MATTEO

Inviato da Franco Olearo il Dom, 03/05/2017 - 20:26
 
Titolo Originale: Il Vangelo secondo Matteo
Paese: ITALIA
Anno: 1964
Regia: Pier Paolo Pasolini
Sceneggiatura: Pier Paolo Pasolini
Produzione: Arco Film, Roma; Lux Cie Cinématographique de France
Durata: 142
Interpreti: Enrique Irazoqui, Margherita Caruso, Susanna Pasolini, Marcello Morante, Mario Socrate, Settimio di Porto, Otello Sestili, Ferruccio Nuzzo, Giacomo Morante, Alfonso Gatto, Enzo Siciliano, Giorgio Agamben, Guido Cerretani, Luigi Barbini, Marcello Galdini, Elio Spaziani, Rosario Migale, Rodolfo Wilcock

Il film illustra gran parte del vangelo di Matteo: l’annunciazione, la nascita di Gesù, la fuga in Egitto, il battesimo, le tentazioni nel deserto, la danza di Salomè e la morte del Battista, Gesù che cammina sulle acque, la moltiplicazione dei pani, il giovane ricco, le invettive contro i farisei, l’ingresso a Gerusalemme, la cacciata dei mercanti dal tempio, la maledizione del fico, la figura di Caifa e la sua volontà di catturare Gesù, Maddalena che lava i piedi a Gesù, l’adultera, l’ultima cena, la cattura sul monte degli ulivi, le negazioni di Pietro e il suicidio di Giuda; il giudizio di Pilato la crocefissione e morte, la resurrezione e la missione degli apostoli. Mancano in particolare: l’incontro con Nicodemo, il discorso escatologico, il primato di Pietro

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
La figura di Gesù e le sue parole risaltano, grazie alle doti dell’autore, in tutta la loro portata trasformante, intese a edificare un nuovo mondo e a sovvertire quello vecchio
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Giudicato da alcuni come forse il miglior film realizzato su Gesù, vinse il Gran Premio della giuria 1964 alla mostra di Venezia e il premio dell’Ocic nel 1964. Si percepisce una certa disarmonia fra la ricca fantasia profusa nelle immagini e l’austerità ufficiosa, spesso enfatica, delle parole pronunciate da Gesù
Testo Breve:

Il film, uscito nel 1964, di discostò dal trionfalismo hollywoodiano di opere con lo stesso soggetto attraverso una sincera ricerca della portata rivoluzionaria del messaggio cristiano, da ritrovare fra gli umili e gli oppressi, in contrapposizione con i potenti dell’epoca

L’antefatto

Agli inizi degli anni ’60 Pasolini stava attraversando un periodo critico dopo la condanna per vilipendio della religione subìta per La ricotta (episodio del film Ro.Go.Pa.G.). Il 2 ottobre del 1962, dopo un’iniziale riluttanza («Non posso sopportare i farisei, che usano la religione per i propri interessi. Se verrò da voi, ci verrò a convegno finito») accettò l’invito di  partecipare a un convegno di cineasti ad Assisi organizzato da Pro Civitate Cristina, Non potendo quel giorno muoversi per le strade, in tripudio per l’arrivo di Giovanni XXIII, si prese una stanza alla Pro Civitate e per ingannare il tempo lesse il Vangelo che aveva trovato nel cassetto del comodino. Da quel momento lui, ateo, marxista e anticlericale, iniziò seriamente a pensare di farne un film. Con il beneplacito del suo produttore Alfredo Bini e l’accompagnamento di esperti della Pro Civitate, si recò in Palestina (nel giugno del ‘63) ma si accorse che gli ambienti in cui visse Gesù erano stati trasfigurati dalla modernità e troverà poi, nei Sassi di Matera, quegli scenari essenziali e primitivi che potevano richiamare i tempi del Vangelo. Per portare a termine il progetto mancava ancora un anello importante: trovare qualcuno che garantisse la piena ortodossia dell’operazione di fronte alla Chiesa Cattolica. E’ a questo punto che interviene Francesco Angelicchio, direttore, a quel tempo, del Centro Cattolico Cinematografico (ente che giudicava la validità dei film per essere proiettati nelle sale parrocchiali). Sarà proprio Francesco a far notare a Pasolini, a riprese completate, che non si poteva parlare della vita di Gesù se non si mostravano i suoi miracoli (“perché soltanto Dio può fare miracoli” disse don Angelicho come raccontò in un’intervista) e soprattutto la resurrezione. Così Pasolini, a film già girato, tornò sul set, e aggiunse le scene mancanti nella prima produzione. 

Si arrivò così alla presentazione del film all’edizione 1964 della mostra di Venezia, seguita da un’autentica messe di allori fra i quali il Gran Premio della giuria, il riconoscimento della critica internazionale e il premio dell’Ocic (Office Catholique International du Cinéma) e il premio dell’Unione Internazionale della Critica Cinematografica.

 

Lo stile narrativo

Dario Edoardo Viganò, nel suo libro “Gesù e la macchina da presa” ritiene che siano tre le categorie interpretative, i percorsi che possono compiere gli autori nel presentare la vita di Gesù:

-La Trasposizione in questa accezione l’autore si concentra sul modo più corretto di utilizzare le potenzialità espressive del nuovo mezzo per riesprimere le stesse parole da cui si è partiti;

- La Traduzione: calare il testo originario in un contesto nuovo, quello che più urge all’autore;

-Il Tradimento: la vita di Cristo  si trasforma in un pretesto per parlare d’altro.

Pier Paolo Pasolini ha voluto certamente compiere una traduzione e lui stesso descrive il processo analogico realizzato per ricontestualizzare il racconto: «ho ricostruito quel mondo di duemila anni fa sotto il segno dell’analogia: al popolo di quel tempo ho sostituito un popolo analogo (il sottoproletariato meridionale); al paesaggio ho sostituito un paesaggio analogo (l’Italia meridionale); alle sedi dei potenti delle sedi analoghe (i castelli feudali dei normanni), ecc. ecc. (...) Soltanto attraverso lo storicismo io potevo concepire e poi attuare una simile ricostruzione analogica” (...). Protagonisti del mio film mi sembrano sia il sottoproletariato (fondamentalmente astorico, e storico solo attraverso sussulti improvvisi) che Cristo (astorico in quanto la sua prospettiva andava al di là della storia). Ma l’affacciarsi alla storia di quel sottoproletariato avviene proprio attraverso la predicazione di Cristo. (P. P. Pasolini in "Vie nuove", 19-11-64, p. 32)

Quindi Pasolini non accetta le proposte del suo produttore Alfredo Bini che pensava a un kolossal secondo lo stile hollywoodiano con Burt Lancaster come protagonista, e realizza un film dove il suo “vero” su come si sia svolta l’avventura umana di Gesù è rigenerato con il bianco e nero, con le umili case di pietra di Matera addossate una all’altra e con i volti segnati di attori non professionisti presi dal meridione agricolo.

Se il testo è rigorosamente ricavato dal Vangelo secondo Matteo (con alcune significative omissioni), Pasolini sviluppa la sua creatività attraverso le immagini e compone le inquadrature, gli abiti indossati in modo che riproducano i suoi amati pittori del rinascimento italiano: Piero della Francesca innanzitutto ma anche Caravaggio, Mantegna, Giotto.

Molti critici hanno finito per sottolineare una "preminenza della visualità" sulla tematicità, quasi che Pasolini avesse concepito il seguire coscienziosamente il testo del Vangelo come un atto dovuto anche se non sentito e avesse sviluppato la sua creatività nell’illustrare la storia, più che parteciparvi. Non aiuta, a mitigare questo giudizio, il doppiaggio di Enrico Maria Salerno di Gesù, urlante e accademico.

 

Il messaggio

Come ha detto don Angelicchio in un’intervista: “Pasolini era affascinato dalla figura del Signore come uomo, non lo vedeva come Dio” ma al contempo fu docile ai suggerimenti del sacerdote, accettando di sviluppare i capitoli sui miracoli e inserire alla fine la resurrezione (anche se un po’ di sfuggita). Il Gesù di Pasolini è un rivoluzionario, che contesta il “sistema” dell’epoca: ammantato di dolcezza con i malati e i piccoli, reagisce con rabbia all'ipocrisia e alla falsità di chi all’epoca deteneva il potere, i farisei e gli erodiani. Non è stato inserito l’incontro notturno di Nicodemo con Gesù, forse perché la presenza di un fariseo sensibile al vangelo avrebbe rotto lo schema buoni-cattivi oppure perché si tratta di un colloquio con una chiara aspirazione al trascendente. Pasolini insiste soprattutto sui discorsi di Gesù, scegliendo quelli prettamente sociali e se da una parte le invettive contro i farisei ci sono tutte (coloro che hanno fatto della fede uno strumento di potere) dall’altra invita i poveri e gli oppressi a recuperare la propria dignità proclamandoli beati di fronte a valori superiori di giustizia e di pace.

Molto toccante la dedica finale che compare alla fine del film: «Alla cara, lieta, familiare memoria di Giovanni XXIII»

Le critiche

“Se da una parte il Vangelo di Pasolini divenne un film di riferimento in America Latina per il movimento della Teologia della Liberazione, - come ha commentato monsignor Dario Viganò - dall’altra in Italia spaccò sia il mondo cattolico che quello comunista suscitando al tempo stesso amori e distanze”. L' Osservatore Romano scrisse che si trattava di un film "fedele al racconto, non all'ispirazione del Vangelo" ma più recentemente, ha aggiunto: «forse la migliore opera su Gesù nella storia del cinema». l'Unità si espresse in questi termini: "...il nostro cineasta ha soltanto composto il più bel film su Cristo che sia stato fatto finora, e probabilmente il più sincero che egli potesse concepire. Di entrambe le cose gli va dato obiettivamente, ma non entusiasticamente atto".

Durante il Concilio Vaticano II, in occasione di una proiezione organizzata appositamente per loro, gli 800 padri conciliari lo applaudirono con calore.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA LUCE SUGLI OCEANI

Inviato da Franco Olearo il Dom, 03/05/2017 - 19:58
 
Titolo Originale: The Light Between Oceans
Paese: Regno Unito /Nuova Zelanda/Usa
Anno: 2016
Regia: Derek Cianfrance
Sceneggiatura: Derek Cianfrance dal romanzo di M.L. Stedman
Produzione: HEYDAY FILMS, LBO PRODUCTIONS, DREAMWORKS SKG, PARTICIPANT MEDIA, AMBLIN ENTERTAINMENT, RELIANCE ENTERTAINMENT, TOUCHSTONE PICTURES
Durata: 133
Interpreti: Michael Fassbender, Alicia Vikander, Rachel Weisz

Tom Sherbourne, un reduce della Prima Guerra Mondiale, accetta il posto di guardiano del faro di Janus, a cento miglia dalla costa australiana. Prima di raggiungerlo, incontra la giovane Isabel, che accetta di diventare sua moglie e seguirlo nella sua vita solitaria. Dopo due aborti spontanei, però, il sogno di Isabel di formare una famiglia sembra morto, finché un giorno una barca a remi giunge sull’isola spinta dalle correnti: a bordo un uomo morto e una neonata, che i due decidono di tenere e crescere come propria. Il destino ha in serbo altre sorprese e dolorose scelte.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Tutti i protagonisti mostrano grande generosità, abbinata a una solida dirittura morale. L’unica che si dimostra debole saprà anche pentirsi e chiedere perdono
Pubblico 
Adolescenti
Un paio di scene sensuali
Giudizio Artistico 
 
La luce sugli oceani è un film che, pur nella pulizia quasi classica della realizzazione, affronta senza reticenze dolore e passioni esasperate richiedendo allo spettatore un’adesione incondizionata e senza cinismo
Testo Breve:

In una remota isola australiana, la coscienza di un uomo e di una donna viene messa alla prova quando le loro aspirazioni si pongono in conflitto con il dolore degli altri 

Perdonare è facile, basta farlo una volta sola. È questo uno degli insegnamenti più profondi di questo melodramma a tinte forti ambientato sullo sfondo della natura potente e selvaggia della costa australiana e di un’isoletta dispersa tra due oceani (quello indiano e quello australe). Il regista e sceneggiatore Derek Cianfrance adatta un bel romanzo di qualche anno fa e s’immerge in una cornice temporale remota, quella dell’Australia del primo dopoguerra. Un paese per certi versi ancora selvaggio, insieme lontanissimo e vicinissimo (a causa delle numerose perdite umane) alla guerra che aveva insanguinato le trincee europee. Questo passato, anche se non viene messo in scena, è la chiave per capire molti degli avvenimenti del film, ma soprattutto il carattere dei suoi protagonisti. 

Tom Sherbourne è un uomo ferito dalla guerra nello spirito anziché nel corpo: la morte di tanti compagni, la propria talora incomprensibile sopravvivenza, le scelte difficili che ha dovuto fare, lo hanno persuaso che il destino solitario di custode di un faro gli avrebbe per lo meno impedito di far soffrire altri esseri umani.

Isabel, da parte sua, è l’unica figlia rimasta (i fratelli sono morti in guerra) di una famiglia una volta felice e la sua straordinaria vitalità nasconde a sua volta un lutto e un dolore profondo.

Sono due esseri umani che si trovano e scoprono l’uno nell’altro la possibilità di una rinascita, proprio nello spazio solitario ed estremo di un’isola dove diventano quasi due novelli Adamo ed Eva. La negazione della possibilità di un figlio, di ricostruire, proiettandola nel futuro, una famiglia che il passato ha spezzato, rinnova però l’antica tragedia e pone le fondamenta per un altro dramma. Perché ottenere, in modo quasi miracoloso, quello che si desidera più nel profondo, significa pure toglierlo a qualcuno che ha un diritto ancora più grande su quel dono.

Il dramma è tanto più acuto perché le persone che sono coinvolte sono fondamentalmente buone e perché il tempo rende complicato, se non impossibile, sciogliere la trama degli affetti e stabilire colpe e diritti senza spezzare i fili che reggono le vite degli esseri umani coinvolti.

Quello che Cianfrance posa su ciascuno dei suoi personaggi è uno sguardo pietoso, che cerca di farceli comprendere prima che giudicare. La luce sugli oceani è un film che, pur nella pulizia quasi classica della realizzazione, affronta senza reticenze dolore e passioni esasperate richiedendo un’adesione incondizionata e senza cinismo, e proprio per questo è destinato a piacere più al pubblico che alla critica.

Un film percorso da un sentimento religioso semplice ma profondo, dove sono soprattutto le figure maschili a segnare la bussola di un difficile percorso etico, mentre quelle femminili si dibattono nella violenza dei sentimenti e di un istinto materno potente quanto cieco.

Nel mezzo la figura della bimba contesa, che porta nei suoi nomi (Lucy-Luce e Grace-Grazia) un destino misterioso, che si rivelerà drammatico, ma in definitiva positivo e misericordioso.

Lucy-Grace è innanzitutto un dono, che non si può mai possedere, ma che è sempre e solo affidato, e la sua eredità sarà essenzialmente di amore e perdono. 

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL RISVEGLIO DI UN GIGANTE- LA VITA DI SANTA VERONICA GIULIANI

Inviato da Franco Olearo il Mar, 02/21/2017 - 08:37
 
Titolo Originale: Il risveglio di un gigante - La vita di santa Veronica Giuliani
Paese: ITALIA
Anno: 2016
Regia: Valeria Baldan, Giovanni Ziberna
Sceneggiatura: Valeria Baldan, Giovanni Ziberna, Fra Emanuele
Produzione: Sine Sole Cinema s.r.l.
Durata: 99
Interpreti: Diana Hobel, Abigail Pintar, Stella Blasizza, Diego Ziberna, Mandy Marzari, Enrico Bergamasco

Orsola nacque a Mercatello, nel Ducato di Urbino, il 27 dicembre 1660, ultima figlia di Francesco Giuliani e Benedetta Mancini. La coppia aveva avuto sette figlie femmine, due delle quali avevano intrapreso la vita monastica. La madre morì quando lei aveva solo sette anni e quando sentì anche lei la vocazione monastica, incontrò il rifiuto del padre. Alla fine anche il genitore riconobbe la genuina vocazione di Orsola e la ragazza entrò nell'ordine delle Clarisse cappuccine nel 1677 a 17 anni, nel monastero di Città di Castello, cambiando il nome da Orsola a Veronica. Si impegnò da subito nel perfezionamento delle virù religiose, si abituò all’obbedienza esercitando tutti i servizi del monastero ma mostrò soprattutto una grande spiritualità, dedicando le sue ore di orazione a meditare Cristo sofferente sulla croce e dedicando le sue preghiere e le sue mortificazioni alla conversione dei peccatori e alle anime del Purgatorio. Veronica esprimeva in questo modo una genuina vocazione personale che era anche un segno del periodo barocco in cui visse, incentrato sulla meditazione della passione di Cristo e su grandi mortificazioni. Quando la santa ricevette la stigmate si crearono intorno a lei sospetti risentiti da parte delle consorelle che finirono per causarle una condanna del Sant’Uffizio. La sentenza venne presto revocata e Veronica fu nominata badessa del convento dimostrando di essere, oltre che una grande mistica, dotata di senso pratico e di grande umanità nel trattare le consorelle. Il suo confessore e poi il suo vescovo, le imposero di redigere un diario giornaliero delle sue esperienze mistiche, cosa che lei compì diligentemente per 35 anni ed oggi disponiamo di un documento unico, un diario di 22.000 pagine. Morì nel 1727; le sue stigmate erano state riconosciute già nel 1697; fu beatificata nel 1804 e canonizzata nel 1839. Nel 1980 i vescovi dell'Umbria e delle Marche hanno inoltrato alla Congregazione per la dottrina della fede la richiesta del riconoscimento a santa Veronica Giuliani del titolo di dottore della Chiesa.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
La vita spirituale, la mistica di una grande santa del ‘600
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
I registi Valeria Baldan e Giovanni Ziberna sono riusciti nel difficile compito di raccontarci, attraverso delle immagini, le esperienze mistiche di una santa. . Efficace accompagnamento della colonna sonora
Testo Breve:

Veronica Giuliani, vissuta alla fine del ‘600, clarissa cappuccina del convento di Città di castello, è stata dichiarata santa per le sue intense preghiere in favore di tutti i peccatori e delle anime del purgatorio, un viaggio nelle esperienze mistiche della santa reso possibile dall’abbondanza di informazioni che scaturiscono dal suo diario intimo di 22.000 pagine

La prima caratteristica che salta agli occhi nel vedere questa docu-fiction sulla storia umana e spirituale di santa Veronica Giuliani è il coraggio. I registi Valeria Baldan e Giovanni Ziberna non hanno esitato a portare lo spettatore nel cuore delle meditazioni e delle  orazioni della santa ricostruendo cineatograficamente gli incontri che lei ha avuto con Gesù, con Maria ma anche con il diavolo. Si tratta di una vera immersione nella vita mistica di questa santa della fine del ‘600 incuranti del fatto che oggi, non solo chi è lontano dalla fede ma anche tanti laici cristiani, si sentono lontani dalla spiritualità di chi vive in clausura. Per trovare un tipo di “immersione” simile, dobbiamo risalire probabilmente a Il grande silenzio (2004), incentrato su una giornata di clausura nella Grande Chartreuse, il più antico monastero dei certosiniIn effetti, come ha sottolineato mons Renzo Lavatori, in uno dei suoi commenti registrati per il documentario: “santa Veronica è da ammirare ma non da imitare”, perché i carismi che lei ha ricevuto sono da ritenersi eccezionali. 

Durante l’ora e mezza del film, oltre a una rievocazione dei fatti salienti della sua vita, a riferimenti alla devozione popolare (si dice che da neonata rifiutasse il latte materno nel giorno di venerdì)  e ai commenti degli esperti, si ha modo di “partecipare” alle visioni mistiche che la santa ha avuto, ricostruite grazie alla messe di informazioni che scaturiscono dal suo diario. L’inesausta tensione spirituale della santa era protesa a “patire per amore”, in espiazione vicaria per i peccatori e le anime del purgatorio. “Io do il mio sangue per risparmiare il vostro”, ha lasciato scritto nel suo diario, rivolta al Cristo sofferente in croce. La santa ha avuto anche terribili visioni delle sofferenze dell’inferno e del purgatorio ma anche tanti colloqui consolanti con la Madonna. Appena insignita della massima responsabilità del suo monastero, corse subito a inginocchiarsi alla statua della Madonna supplicando che fosse lei la badessa. Lo stesso diario da lei compilato ha un’insolita caratteristica: è scritto in seconda persona, come se scrivesse sotto diretta dettatura della Santa Vergine, fino alla frase finale del diario: ““Di tutte queste cose tu non conoscesti niente eppure desti il consentimento a tutto secondo il volere di Dio.  Fa' punto”.

Il racconto del percorso spirituale della santa porta alla ribalta il tema dell’espiazione vicaria, cioè del procurarsi volontariamente mortificazioni dolorose, non per purificarsi dalle proprie debolezze ma per “esser con Cristo strumento di riparazione dei peccati degli uomini”. La passione e morte del Redentore è certo un mistero e si tratta di un argomento delicato, che esula dagli impegni di queste pagine.

Già l’allora cardinale Ratzinger, nel suo magnifico Introduzione al cristianesimo aveva criticato la posizione di Anselmo di Canterbury secondo cui “la giustizia di Dio, infinitamente lesa, verrebbe nuovamente placata da un’infinita espiazione”.  Sottolineava infatti che “non è il dolore in quanto tale che conta bensì la vastità dell’amore che dilata l’esistenza al punto dal riunire il lontano col vicino, dal ricollegare l’uomo abbandonato dal Signore, con Dio”

E’ indubbio che per Veronica il dolore le scaturiva, non certo dalle sue mortificazioni, ma dal percepire l’infinita distanza fra il Cristo Redentore, al quale si sentiva misticamente vicina e i tanti peccati e debolezze degli uomini.

La santità di Veronica resta indiscussa al di là di questi dibattiti. Come commenta una suora intervistata per il documentario: “nel processo di canonizzazione, la santità di Veronica e non è stata verificata sui fenomeni che ha avuto e sulle stigmate, ma come lei ha vissuto le sue virtù cardinali e teologali”.

Spesso, quando vengono realizzati film o documentari che raccontano la vita di un santo, è opportuno concentrarsi sulla bellezza del messaggio trasmesso, sorvolando sulle qualità tecniche dell’opera, spesso modeste. Non è il caso di questo film, dove il regista Giovanni Ziberna (che ha fatto la gavetta come montatore di Ermanno Olmi) assieme a Valeria Baldan hanno mostrato grande padronanza dei mezzi tecnici. A dire il vero la professionalità non è mai sufficiente se non è accompagnata da una forte adesione a ciò che si vuole trasmettere. Il fatto che Giovanni, cresciuto in una famiglia atea, colpito dalla figura di santa Veronica, sia stato battezzato solo da adulto, sembra proprio un altro miracolo compiuto da chi nel lontano ‘600, ha pregato intensamente per la conversione di tutti.

Il fim uscità in DVD per l'autunno 2017 e per richiedere delle proiezioni in sala si può contattare qui:  http://www.sinesolecinema.com/santaveronica/prenota.html

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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150 MILLIGRAMMI

Inviato da Franco Olearo il Sab, 02/11/2017 - 09:23
 
Titolo Originale: La fille de Brest
Paese: FRANCIA
Anno: 2016
Regia: Emmanuelle Bercot e Séverine Bosschem
Sceneggiatura: Emmanuelle Bercot
Produzione: Haut et Court e France 2 Cinéma
Durata: 128
Interpreti: Sidse Babett Knudsen, Benoît Magimel, Charlotte Laemmel, Patrick Ligardes, Mazureck Garance, Lara Neumann, Isabelle Giordano, Elise Lucet (le ultime due sono giornaliste e recitano nel proprio ruolo)

E’ la storia vera della lotta della pneumologa francese Irène Frachon, che nel 2009 denunciò i rischi di un farmaco chiamato Mediator commercializzato dalla casa farmaceutica Servier.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
E’ la storia di una piccola eroina che partendo dal proprio lavoro quotidiano, svolto con passione e perizia, arriva a smuovere montagne, perché mossa dalla compassione verso i propri pazienti percepiti in tutta la loro dignità di persone.
Pubblico 
Maggiorenni
A causa di alcune scene di interventi chirurgici molto realistici e dettagliati.
Giudizio Artistico 
 
Un thriller sociale sulla medicina che riesce a tenere desta l’attenzione fino alla fine grazie ad un’ottima costruzione e interpretazione del personaggio principale
Testo Breve:

La storia vera della lotta della pneumologa francese Irène Frachon, che nel 2009 denunciò i rischi di un farmaco  e riuscì a farlo derubricare. Una storia di coraggio con il pieno sostegno della propria famiglia

“Vuoi fare la guerra alle industrie dei cattivi? Ti schiacceranno. Per adesso sono loro che ci danno da mangiare e senza finanziamenti niente ricerca”: in questa battuta si racchiude il dilemma che affligge la ricerca scientifica spesso, soprattutto in ambito medico, divisa tra esigenze etiche e necessità economiche. 150 milligrammi è il racconto di questa lotta ingaggiata dal dottor Irène Frachon contro una importante casa farmaceutica francese per salvare centinaia di vite dal rischio di una mortale cardiopatia. Una storia vera vissuta in prima persona dall’autrice del libro che ha ispirato il film, “Mediator 150 mg, Combien de morts?”.

Emmanuelle Bercot è sceneggiatrice e regista di 150 milligrammi e dirige una straordinaria Sidse usa Babett Knudsen (La corte 2015) in un racconto tutto incentrato sulla figura, ricca di sfaccettature, di questo medico bretone, una donna testarda e coraggiosa, ma anche ironica e sensibile.

Nel febbraio 2009 la dottoressa Franchon, pneumologo in un policlinico universitario di Brest, nota un sospetto collegamento tra i casi di ipertensione valvolare e polmonare e l'assunzione di un farmaco, chiamato Mediatore, commercializzato dai laboratori Servier. Con l’aiuto di un ricercatore, il professor Le Bihan, Irène comincia ad approfondire la questione e fa un’inquietante scoperta sul farmaco in questione. Con Le Bihan si rende però anche conto del preoccupante giro di interessi economici che ruota attorno alla commercializzazione di questo farmaco e dovrà scontrarsi contro l’universo arrogante e brutale di accademici e legali piegati alle esigenze delle case farmaceutiche. Ma Irène non teme il conflitto, il rischio e nemmeno il disprezzo, va avanti avendo a cuore un unico obiettivo: la salute dei suoi pazienti che portano un nome preciso. Nonostante le diverse e numerose difficoltà, trova lungo la sua strada alleati inaspettati: una studentessa in farmacia che cita il numero delle vittime a Brest nella sua tesi, l'epidemiologo Caterina Haynes, un editore tenace e audace, una giornalista de Le Figaro e persino un anonimo dipendente del CNAM (Fondo Nazionale per l'Assicurazione sanitaria) che di nascosto le passa dati su larga scala.

Irène è una donna tenace ma anche molto umana, il suo scopo principale è tutelare la salute dei suoi pazienti. Ed è esattamente questa la sua forza: ciò che per i normali ricercatori e per le aziende farmaceutiche sono solo numeri per lei invece rappresentano persone, con un nome e un volto precisi. La sua storia parla di una donna soprattutto determinata, apparentemente brusca ma in realtà mossa da una profonda compassione verso il prossimo.

Il suo personaggio così sfaccettato dà dinamicità al film e nonostante i tanti aspetti tragici della vicenda riesce dove necessario anche a sdrammatizzare il racconto. Irène è una donna caparbia, dai modi non sempre gentili che non sarebbe nemmeno qualificata per affrontare una ricerca di questo genere, ma, almeno nel film, possiede una virtù particolare: è capace di vedere la sofferenza dei suoi pazienti e sa dare la giusta priorità alle cose. Per questo è in grado di non lasciarsi spaventare da un sistema corrotto, perché non è mossa da interessi personali, ma dalla speranza di miglioramento e dalla volontà di salvare altri. 

150 milligrammi ripercorre tutte le tappe della vicenda della dottoressa Frachon fino al suo sorprendente epilogo in modo certamente romanzato, ma con una tale aderenza nelle intenzioni che alcuni dei personaggi reali hanno preso volentieri parte al film. Prima fra tutti la stessa Irène Franchon, che nella pellicola fa una breve apparizione, e le due giornaliste che la intervistano interpretano nella finzione il loro stesso ruolo.

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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FOOTPRINTS - IL CAMMINO DELLA VITA

Inviato da Franco Olearo il Sab, 02/04/2017 - 20:33
 
Titolo Originale: Footprints - El Camino de Tu Vida
Paese: Spagna
Anno: 2016
Regia: Juan Manuel Cotelo
Sceneggiatura: Juan Manuel Cotelo, Alexis Martinez
Produzione: Infinitomasuno
Durata: 89

Phoenix, Arizona. Padre Sergio, un parroco cattolico di origine spagnola, pubblicò, qualche anno fa, un annuncio. Un invito a percorrere il Cammino di Santiago di Compostela a piedi: 1000 Km in 40 giorni. Stava cercando in questo modo di realizzare un sogno che aveva coltivato fin da piccolo ma che poi non aveva potuto realizzare quando si era trasferito in America. Inaspettatamente, nonostante il grande impegno che comportava un’impresa del genere, risposero positivamente altri 10 giovani o quasi giovani.…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il cammino di Santiago è visto attraverso gli occhi di dieci pellegrini in un genuino e profondo atteggiamento di ricerca spirituale
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Il regista ha saputo scavare nell’animo di dieci pellegrini in cammino verso Santiago, non trascurando di rendere, con una magnifica fotografia, la bellezza della natura di quelle zone. E’ è stato il documentario più visto in Spagna nel 2016
Testo Breve:

Dieci americani decidono di percorrere a piedi i mille chilometri del Cammino di Santiago. Il regista ha saputo narrarci molto bene il percorso spiritale di questi pellegrini, colpiti dalla ricchezza delle vestigia religiose del percorso e dall’incanto  della natura

 

Perché viene compiuto il Cammino di Santiago? Più in generale, perché una persona decide di lasciare tutto per un certo periodo della propria esistenza e si presta al duro impegno di camminare per miglia e miglia per raggiungere una meta lontana? Vari film hanno cercato di dare risposta a questa domanda. Fra i più recenti possiamo ricordare Wild:  una giovane donna che tenta in solitaria di  percorrere a piedi le mille miglia del Pacific Crest National Scenic Trial, un trekking lungo la costa del Pacifico. In quel caso si trattava di una sfida che una donna faceva con se stessa, per lasciare alle spalle un periodo vissuto da tossicodipendente e con tanti uomini diversi fino al divorzio dal marito. Si trattava di una forma di rigenerazione (su basi esclusivamente umane), un porsi a distanza da una realtà che portava solo infelicità, avviare una sfida che risvegliasse le proprie energie fisiche e spirituali, che le dessero il coraggio di ripartire su nuove basi.

Qualcosa di diverso è mostrato dal film Into the wild: un giovane si avventura per i sentieri dell’Alaska per rimuovere da sè una situazione di rapporti familiari difficili ma in questo caso il suo, a differenza di quello presentato in Wild, è un cammino di ascesi (si spoglia progressivamente di tutto ciò che non è vitale per la sopravvivenza). Il suo rapporto con la natura, anche se il regista, Sean Penn, non lo presenta in modo esplicito, ha un riferimento soprannaturale, è una ricerca di Assoluto. Non si tratta più di scappare per poi ritrovarsi, ma di muoversi per cercare.

Ancora totalmente laico ma non privo di connotazioni spirituali, è stato Il cammino per Santiago. Un padre, chiuso nel dolore della morte del figlio, decide di percorre il cammino per onorare la sua memoria e portare a termine un desiderio che il ragazzo gli  aveva espresso. Durante il cammino il padre incontra e conosce altri pellegrini come lui: vengono in questo modo alla luce le tante possibili motivazioni per questo viaggio: come riscoperta di se stessi, come “voto” fatto a qualcuno, come ringraziamento o come purificazione.

Al contrario, Footprints – Il cammino della vita si connota quasi subito come un cammino squisitamente spirituale.

Il film inizia presentandoci gli undici personaggi che si preparano al cammino, le cui motivazioni sono le più diverse. Se John sta cercando di chiudere un passato fatto di alcool e droga, Kevin vuole definitivamente comprendere se il sacerdozio è la sua vera vocazione; se Tiny deve rimuovere dal suo animo recenti, troppi, lutti familiari, Pedro, introverso, ha bisogno di crescere e di uscire da un suo mondo dove vive chiuso in se stesso. Tutti, accettano la guida di padre Sergio, il promotore dell’iniziativa, spagnolo di origine ma che da anni vive in Arizona e che vuole realizzare un sogno che ha concepito fin da bambino. Tutti sono attratti dalla fama del Cammino di Compostela, il luogo dov’è stato sepolto san Giacomo e dove da secoli migliaia di pellegrini hanno dato testimonianza dei sicuri benefici raggiunti, umani e spirituali.

Dopo un inizio dove è ancora intatto l’entusiasmo iniziale, confortati dai bellissimi panorami del golfo di Santander, iniziano le prime serie difficoltà. E’ ormai terminata la baldanza iniziale, l’impresa diventa reale e si fa sentire sulle loro carni. Di fronte a percorsi anche di 40km al giorno, manca il fiato per l’altitudine, gli zaini sono pesanti, iniziano i dolori alle ginocchia, si è persa la voglia di scherzare e ridere ma soprattutto, arriva il pericolo più temuto: le dolorose vesciche ai piedi. “Soffrendo, si inizia subito a concentrarsi su se stessi a compatirsi, ma una persona chiusa nel proprio dolore soffre incredibilmente di più -  commenta Ignacio Munilla, il vescovo di S. Sebastian, che ha visto passare tanti pellegrini - deve concentrarsi invece sull’ideale che lo fa camminare“. “La sofferenza aiuta a maturare - dice don Sergio ai suoi compagni - non dobbiamo vincere i momenti difficili, dobbiamo superarli. E come si superano? Con la speranza”. Quel cammino, iniziato dai dieci pellegrini per soddisfare se stessi, inizia a trovare una ragione diversa, più profonda, proprio uscendo da se stessi.

Dagli zaini si inizia a togliere quello che non è strettamente indispensabile: un altro fondamentale esercizio per vivere del poco. I più deboli fanno rallentare tutto il gruppo, qualcuno ha anche la febbre. I dieci sono arrivati a porsi la domanda fondamentale: “questo cammino è solo una prova per scoprire chi è il più forte?” Il gruppo supera felicemente anche questa prova: i più lenti si afferreranno allo zaino dei più veloci e ci si alternerà in testa alla colonna. I componenti stanno imparando a vivere come fratelli.

Il cammino non è solo fatica ma è ricco di conforti e stimoli spirituali: la messa ogni giorno, il rosario da recitare camminando, i momenti di riposo impiegati con un lettura spirituale, la visita a Loyola, la città natale di S. Ignazio; il conforto di scoprire, davanti alla sua statua, che anche San Francesco compì il pellegrinaggio fino alla tomba di San Giacomo, per impetrare una intercessione a favore dell’ordine che stava per costituire; l’arrivo al Santo Toribio de Liebana dov’è conservata una reliquia della Santa Croce; il sudario di Cristo nella cattedrale di Oviedo. Da quel momento in poi, ogni prova psicologica è stata superata e una gioia contagiosa anima tutto il gruppo: l’obiettivo è stato raggiunto ancor prima di arrivare a Compostela: tutte le prove sono state superate ed è come se da quel momento tutto il pellegrinaggio fosse in discesa fino alla meta.

Juan Manuel Cotelo è riuscito, con questa docu-fiction, a raggiungere un obiettivo arduo ma entusiasmante: raccontare la storia di un viaggio spirituale e ha realizzato, fra i tanti film e documentari sullo stesso tema, forse l’opera più approfondita sul Cammino di Santiago de Compostela, che ha attirato da secoli santi e comuni peccatori.

Un’ottima fotografia fa onore ai magnifici paesaggi che si incontrano lungo il percorso e, nella sua produzione più recente, è forse il lavoro più compiuto e armonioso realizzato da Cotelo. Footprints è stato il documentario più visto in Spagna nel 2016 e sarà disponibile nelle sale cinematografiche italiane a partire dal 28 Febbraio 2017. Per sapere quando e dove verrà proiettato nella propria città bisogna consultare il sito italiano: www.footprintsilfilm.com oppure la pagina Facebook INFINITO+1 ITALIA. Condizione indispensabile perché il film si diffonda, è la richiesta della proiezione attraverso la sezione “CHIEDILO” del sito sopracitato. Maggiori saranno le richieste, meno arduo per la distribuzione italiana convincere i gestori a proiettarlo.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA BATTAGLIA DI HACKSAW RIDGE (Vania Amitrano)

Inviato da Franco Olearo il Gio, 02/02/2017 - 14:45
 
Titolo Originale: Hacksaw Ridge
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Mel Gibson
Sceneggiatura: Andrew Knight, Robert Schenkkan
Produzione: Hacksaw Ridge Production, Cross Creek Pictures, Demarest Media, Icon Productions, Pandemonium, Permut Presentations, Vendian Entertainment
Durata: 139
Interpreti: Andrew Garfield, Vince Vaughn, Sam Worthington, Luke Bracey, Hugo Weaving, Ryan Corr, Teresa Palmer

Nella primavera del 1945, durante la guerra nel Pacifico, l’esercito degli Stati Uniti si trova ad affrontare a Okinawa alcuni dei combattimenti più feroci in assoluto. In queste circostanze un soldato particolare si distingue fra tutti gli altri, Desmond T. Doss, un obiettore di coscienza, che nonostante avesse giurato di non uccidere, come medico partecipa alla battaglia senza portare armi e salva la vita di decine di suoi commilitoni caduti sotto il fuoco nemico dei giapponesi

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Saldi principi, raro coraggio e profonda umiltà sono le caratteristiche del protagonista di questa storia avvincente quanto esemplare. Desmond Doss, un obiettore di coscienza che va in guerra armato solo della volontà di sostenere e soccorrere i suoi compagni, dimostra che è possibile restare fedeli alle proprie convinzioni e compiere atti eroici impensabili anche nelle condizioni più avverse se si riesce a riporre le proprie speranze e la propria forza nel rapporto con Dio
Pubblico 
Maggiorenni
Alcune scene molto violente
Giudizio Artistico 
 
Eccellente la sceneggiatura di Andrew Knight e Robert Schenkkan che hanno approfondito e armonizzato bene tanto gli aspetti storici quanto quelli biografici e spirituali. Ottima l’interpretazione di Andrew Garfield molto convincente ed eccellente la regia di Mel Gibson che in un racconto articolato ha saputo far dominare su tutto l’umanità del personaggio
Testo Breve:

“In un panorama cinematografico invaso da immaginari di ‘supereroi’, ho pensato che fosse il momento di celebrarne uno vero" : così ha commentato Mel Gibson, nel presentare la storia di  un obiettore di coscienza per motivi di fede che è stato capace di salvare 75 suoi compagni

 

“In un panorama cinematografico invaso da immaginari di ‘supereroi’, ho pensato che fosse il momento di celebrarne uno vero. Desmond era un uomo del tutto ordinario che ha fatto cose straordinarie”: così ha commentato il premio Oscar Mel Gibson (Braveheart – Cuore impavido; La passione di Cristo) per spiegare le ragioni che lo hanno indotto a scegliere di tornare, dopo quattordici anni di assenza, dietro la macchina da presa per raccontare questa storia vera ne La battaglia di Hacksaw Ridge. Desmond T. Doss, è il nome di questo obiettore di coscienza che nel corso della Seconda Guerra Mondiale rifiutò l’uso delle armi e fu insignito della Medaglia d’Onore dal Presidente Harry S. Truman per aver salvato da solo più di 75 compagni durante la brutale battaglia di Okinawa

Mel Gibson dirige Andrew Garfiled, interprete di Desmond Doss, in un film epico che coniuga insieme storia, elementi biografici e spirituali con una profonda passione per i “ temi alti”. Non ci risparmia scene vivide al limite del brutale, ma che offre anche un forte coinvolgimento emotivo. L’Accademy lo ha premiato con ben 6 nomination ai prossimi Oscar.

Desmond è un ragazzo semplice, cresciuto sulle montagne della Virginia secondo la fede degli avventisti del settimo giorno che lo ha reso un giovane ricco di valori e di forti ideali. È figlio di un ex soldato dell’esercito americano che durante la Prima Guerra Mondiale fu insignito di alcune onorificenze ma che nel corso della propria vita ha ceduto alla dipendenza dall’alcool e si è trasformato in un uomo violento. In seguito all’attacco della base americana di Pearl Harbor, Desmond decide di arruolarsi e di servire il suo paese. Tuttavia, sebbene mosso dall’amore verso la propria patria, Desmond non vuole diventare un soldato come gli altri, perché la sua fede e i  valori in cui crede gli impongono di non toccare mai le armi.

Nonostante le terribili vessazioni a cui andrà incontro, il giovane soldato sceglie ogni giorno di restare fedele ai propri ideali senza per questo venir mai meno alla lealtà dovuta nei confronti dell’esercito americano per cui combatte. L’obiettivo è alto e gli costerà grandissimi sacrifici (come ad esempio vedersi negata la licenza proprio nel giorno delle sue nozze), ma Desmond spiega che è proprio la coerenza rispetto ai suoi principi a conferirgli dignità di uomo. Una dignità che anche le alte cariche dell’esercito faticano a comprendere perché entra in contrasto con le loro convinzioni più profonde, quelle che in giustificano anche l’uccidere in battaglia.

Desmond, magro, vegetariano, è considerato prima pazzo, poi disertore e dovrà difendersi da accuse gravissime con la semplice linearità delle proprie idee. I suoi compagni e superiori sono convinti che sarebbe stato un pericoloso peso per loro in trincea e provano in tutti i modi possibili di cacciarlo dall'esercito. Eppure Desmond, senza entrare in polemica con nessuno e senza fare rivoluzioni, con il solo sostegno della preghiera e con la sua Sacra Scrittura tra le mani, dimostra che è possibile combattere l’orrore della guerra da dentro, opponendo la volontà di salvezza alla potenza devastante di ogni conflitto, la tenacia e la compassione alla forza brutale.

Le scene della battaglia di Hacksaw Ridge non ci  risparmiano i dettagli più crudi e cruenti della guerra, ma come già ne La Passione di Cristo, Gibson usa questi particolari per mostrare allo spettatore la grandezza di un gesto apparentemente nascosto ed esaltare l’importanza anche di quella che potrebbe sembrare una goccia nell’oceano. L’interpretazione di Garfield, coraggiosa e umile al tempo stesso, conferisce realismo al personaggio grazie a certe sfumature irriverenti nel suo comportamento che lo allontanano dal rischio di apparire una sorta di giovane invasato, tanto da avergli fatto meritare la candidatura all’Oscar come miglior attore protagonista.

Doss è morto all'età di 87 anni, nel marzo del 2006. Non amava essere qualificato come ‘obiettore di coscienza’, ma piuttosto preferiva definirsi un ‘cooperatore di coscienza’ e credeva con instancabile tenacia che avrebbe potuto contribuire moltissimo alla vittoria del suo paese senza dover uccidere altri esseri umani. Nonostante gli sia stato chiesto più volte di vendere i diritti sulla storia della propria vita, Doss aveva scelto di condurre una vita tranquilla e umile, senza la notorietà che un film gli avrebbe portato; non voleva la popolarità perché sentiva che sarebbe stata una contraddizione per se stesso. Solo al termine della sua vita ha ceduto i diritti perché la sua storia fosse resa nota anche al grande pubblico.

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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PATERSON

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/12/2017 - 15:44
 
Titolo Originale: Paterson
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Jim Jarmusch
Sceneggiatura: Jim Jarmusch
Produzione: AMAZON STUDIOS, K5 FILM
Durata: 115
Interpreti: Adam Driver, Golshifteh Farahani

Paterson è un giovane che abita nell’omonima città del New Jersey, dove guida l’autobus, scrive versi e vive con la bella moglie Laura un’esistenza tranquilla e monotona. Il film racconta 7 giorni dei due protagonisti, i loro incontri e le loro piccole esperienze quotidiane. Nella storia ha grande spazio la passione di Paterson per la poesia, vista da lui come un mezzo di compensazione e di riscatto dalla sua esistenza non infelice ma limitata e incolore (nonostante l’affetto e le tenerezze prodigategli dalla sua compagna). Fino alla sorprendente conclusione, drammatica per certi versi ma anche positiva.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Messaggi valoriali vengono dal quadro coniugale-familiare, dall’integrità morale del protagonista e di altri personaggi, da una trama di rapporti umano-sociali all’insegna dell’amicizia, del rispetto e della gentilezza. Il finale esalta l’esigenza di reagire ai rovesci e ritrovare la speranza.
Pubblico 
Adolescenti
Per via del linguaggio
Giudizio Artistico 
 
Un film tipicamente “indipendente” ma al di sopra della media, anche perché diretto da uno dei maestri di questo cinema. Domina quindi il realismo, sia nell’esteriorità e nella vita dei personaggi, sia negli scenari urbani dove tutto è ordinario, dimesso e al limite dello squallore.
Testo Breve:

Jim Jarmusch, un veterano del cinema indipendente americano, firma un film delizioso: la vita semplice di un conduttore di autobus  che scrive poesie, sempre pronto a fare la cosa giusta e a occuparsi degli altri

Non siamo nemici di Hollywood, anzi, come cinefili non sarebbe proprio il caso di pensare solo ai difetti della “Mecca del cinema” scordandone i pregi innegabili e storici. Però per quanto ci riguarda non finiamo mai di ringraziare Dio per il fatto che in USA ci sia pure il cinema indipendente. Ci conferma puntualmente in questa convinzione la bellezza, la qualità e l’intelligenza dell’ultimo film di Jim Jarmusch, uno dei massimi registi dell’”altra faccia del cinema americano” (più newyorkese che losangelino, come si sa), ormai non più giovanissimo coi suoi 64 anni e autore di pellicole apprezzate da critica e pubblico come Taxisti di notte (1991), Dead man con Johnny Depp (1995) e Broken flowers con Bill Murray (2005). Questo Paterson, del 2016, rivela già nel titolo l’ironia (garbata) e la levità di Jarmusch. Difatti Paterson si chiama sia il paesino del New Jersey dove il film è ambientato sia il protagonista maschile del film, un giovanotto 30enne che fa l’autista del bus comunale percorrendo ogni giorno le solite strade e fermando il veicolo alle stesse bus-stop. Partiamo da questa location. Il film si fa ammirare anzitutto per questo, perché ci mostra un’America che non è solo tecnologica, extralusso, “dollarosa”, patinata ecc. ecc. ma è anche afflitta da degrado e sporcizia, con insegne mezzo cancellate e quasi illeggibili, clochard per terra agli angoli delle strade, intonaci corrosi e scoloriti, aiuole incolte e via decadendo. Paterson città è così, a misura europea e specialmente (ahimè) italiana, come un borgo qualsiasi del centro-sud: il che, diciamolo, si vede di rado in un film americano, almeno con questa autenticità e verità da docu-film. Passiamo al protagonista, interpretato benissimo da Adam Driver. Il film registra la sua vita quotidiana e il suo lavoro ripetitivo al volante del bus: una monotonia interrotta e smossa solo dal taccuino che il giovane tira fuori ogni poco dalla tasca per scrivere all’impronta pensieri e riflessioni, a cui tiene molto e che gli riempiono l’esistenza e la giornata. Questi appunti e sfoghi su carta lui li chiama poesie, e altrettanto fa (esortando il marito a pubblicarle) la moglie Laura, interpretata con brio ed efficacia dalla deliziosa Golshifteh Farahani, attrice iraniana di Teheran. Pure lei ha i suoi hobby e interessi, cucina dolci (apparentemente) squisiti che vende alle fiere e ai mercati, e acquista on line una chitarra per imparare a suonarla con l’ausilio di un CD (!). Tra loro il cane, un bulldog eccezionale, irresistibile, “manovrato” alla perfezione da Jarmusch, che grazie ai miracoli del montaggio lo fa letteralmente recitare, ora annoiato, ora protestatario, ora ironico (gli manca solo la parola, è il caso di dirlo) ma sempre in un rapporto indecifrabile coi padroni: sorvoliamo su quello che gli combinerà! Intorno a questo ménage c’è la vita cittadina coi suoi riti e le sue figure: l’assistente indiano di Adam che gli racconta tutti i suoi guai casalinghi, la bimba che scrive pure lei poesie, i passeggeri del bus, il nero anziano e maltrattato dalla moglie che gestisce il pub dove va il protagonista quando stacca. Personaggi realistici, appena crepuscolari, attori di un dramma quotidiano in pillole che dimostra una cosa, pure stavolta. Il minimalismo, sia pur affettuoso e partecipe, sembra essere la cifra propria del cinema indipendente americano. O, almeno, di Jarmusch

Autore: Mario Spinelli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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