Non classificato

Il film non fa parte di nessuna categoria

IL CLIENTE

Inviato da Franco Olearo il Sab, 01/07/2017 - 19:57
Titolo Originale: Forushande (The salesman)
Paese: IRAN
Anno: 2016
Regia: Asghar Farhadi
Sceneggiatura: Asghar Farhadi
Produzione: Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production
Durata: 125
Interpreti: Shahab Hosseini, Raana Etesami, Babak Karimi

Emad e Rana, una giovane coppia di sposi iraniani, sono improvvisamente costretti a lasciare il loro appartamento nel centro di Téhéran a causa dei lavori di un vicino cantiere che ha reso pericolante il loro edificio. Tuttavia la nuova sistemazione li fa precipitare in una situazione terribilmente spiacevole che metterà in crisi anche il loro rapporto

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
I due sposi protagonisti vivono un’esperienza che mette a dura prova il loro legame affettivo, la loro coscienza ma anche la loro posizione rispetto alla società. Il film coinvolge in una delicata ma intensa riflessione su concetti come il giudizio dell’altro e l’importanza della propria integrità morale e del perdono.
Pubblico 
Maggiorenni
Non a causa di scene violente o volgari, ma a causa dei temi affrontati, facilmente comprensibili solo ad un pubblico di adulti
Giudizio Tecnico 
 
Su tutto domina una sceneggiatura equilibrata in grado di raccontare anche ciò che non si vede, come le emozioni o le scene più violente, senza per questo privare lo spettatore della necessaria partecipazione alla storia
Testo Breve:

Dopo l’Oscar, nel 2012, con La separazione, il regista iraniano Asghar Farhadi realizza un altro intenso film per raccontarci le trasformazioni interiori di una coppia messa a dura prova

Come sarebbe la trasposizione cinematografica iraniana di una famosa opera drammaturgica americana? Il regista persiano Asghar Farhadi, già direttore di Una separazione, miglior film in lingua straniera agli Oscar 2012, per il soggetto del suo ultimo lavoro ha preso ispirazione proprio da una famosa commedia teatrale di Arthur Miller, Morte di un commesso viaggiatore, e ha realizzato un altro successo. Con Il cliente (The salesman) Asghar Farhadi si è già aggiudicato infatti il premio per la miglior sceneggiatura all’ultimo Festival di Cannes, dove anche Shahab Hosseini per la sua interpretazione nel film ha ricevuto il riconoscimento di miglior attore protagonista.

Se Miller nella sua opera intendeva rivolgere una critica al sistema culturale americano principalmente fondato su valori come il successo e la ricchezza materiale, Asghar Farhadi riesce a trasportare egregiamente temi simili ma più contemporanei in una storia profondamente inserita nella moderna struttura sociale iraniana. L’esperienza e l’interiore percorso umano diventano gli assoluti protagonisti del film. 

Ne Il cliente Emad (Shahab Hosseini) e Rana (Raana Etesami) sono una coppia di giovani sposi di Téhéran. In una città caotica in cui modernità e degrado convivono, i due protagonisti, senza scontrarsi con le tradizioni ma distinguendosi per una formazione culturale di un certo spessore, cercano di costruirsi una vita serena insieme, nonostante le scarse disponibilità economiche. A causa del prepotente sfruttamento del territorio da parte dell’industria edilizia che minaccia la stabilità della palazzina in cui vivono sono costretti a cercare una nuova abitazione e grazie ad un amico con cui recitano in una compagnia teatrale amatoriale riescono a trovare una dignitosa sistemazione in un appartamento appena liberato da una misteriosa inquilina. Qui purtroppo però Rana, per un malinteso, viene aggredita da uno sconosciuto mentre Emad è fuori casa. Da questo momento in poi la vita personale e sociale della giovane coppia si complica terribilmente.

Mentre Rana porta su di sé ancora i segni dell’aggressione e fatica a superare il trauma e la vergogna per la violenza subita, in Emad comincia a crescere la rabbia e un nuovo inaspettato sentimento di disonore difficile da gestire.

Farhadi esplora il mondo delle emozioni e dei pensieri che si sviluppano in una coppia inserita in una situazione difficile da gestire sia al livello privato che pubblico, soprattutto in una cultura particolare come quella iraniana. L’amore, la fiducia e la comprensione verso l’altro sono sentimenti che cominciano ad entrare in lotta con il senso di vergogna, il desiderio di vendetta e di riscatto e il bisogno di comprensione.

Senza mia diventare violento, il film descrive la parabola di un percorso emotivo vissuto da prospettive diverse e complementari come quella della donna, ferita e violata, e dell’uomo, umiliato e offeso. All’interno della storia si inseriscono però anche altre vicende umane che con il loro portato di difficoltà e povertà influiscono fortemente sulle vite dei due protagonisti. Il film pone i due protagonisti, con i loro valori e la loro capacità di gestire le emozioni e i giudizi, a dura prova e momento per momento impone loro continue e difficili scelte.

La quotidianità con le sue piccole azioni di ogni istante diventa il motore del dramma che al suo apice di violenza non può trovare altra via di riscatto e superamento che nel perdono. Un perdono che però pare quasi impossibile perché sembra rendersi necessario per quasi tutti i personaggi, tranne forse che per la protagonista, e quindi richiede la partecipazione e lo sforzo di tutti.

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

COLLATERAL BEAUTY

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/05/2017 - 21:48
Titolo Originale: Collateral Beauty
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: David Frankel
Sceneggiatura: Allan Loeb
Produzione: ANONYMOUS CONTENT/OVERBROOK ENTERTAINMENT, PALMSTAR MEDIA, LIKELY STORY
Durata: 97
Interpreti: Will Smith, Edward Norton, Kate Winslet, Helen Mirren, Michael Peña

Howard è manager di successo e azionista di maggioranza di una società pubblicitaria. Gli altri tre soci, Whit, Simon e Claire, sanno che solo Howard, di cui sono grandi amici fin dal momento della fondazione, costituisce il vero spirito propulsore della loro azienda. Grande è il loro sconcerto quando si accorgono che Howard, dopo la tragica morte di sua figlia, si è chiuso nel suo dolore da ormai due anni, si è separato dalla moglie, di disinteressa dei problemi della società e resta lunghe ore a casa a scrivere alla Morte, al Tempo e all’Amore. Gli altri soci, desiderosi di salvare la società, hanno trovato un acquirente ma la vendita non può essere portata a termine senza la firma di Howard. I tre hanno un piano: ingaggiano tre attori con il compito di interloquire con Howard come se fossero la Morte, il Tempo e l’Amore in modo da farlo passare come non più sano di mente…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un uomo colpito da un terribile lutto familiare, riesce lentamente a superare la crisi grazie all’affetto di una donna
Pubblico 
Adolescenti
Qualche tematica potrebbe non essere adatta ai più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Un cast di attori di primo livello e il regista di Il diavolo veste Prada, non riescono a rendere credibile un film con una sceneggiatura più impegnata a proclamare pillole di saggezza che a sviluppare un racconto
Testo Breve:

Will Smith continua, con il tono saccente che ha assunto negli ultimi suoi lavori, a trasmetterci una filosofia di vita, ispirata a Scientology, che ci dovrebbe consentire di superare ogni avversità

Che ne sia ancora membro o no, da tempo Will Smith si sente impegnato a diffondere, attraverso i suoi lavori, le idee di Scientology. Se in Sette Anime riusciva ancora a diluire la dottrina nel racconto, in quest’ultimo film è stato rotto ogni ritegno: i protagonisti interrompono continuamente lo sviluppo della storia parlando fra loro del significato da dare a ciò che accade e di come bisogna reagire. Se nel cristianesimo il fedele si rivolge a Dio, cogliendone gli insegnamenti per diventare degno della Sua filiazione, nella pseudo-religione di Scientology, le parti si sono invertite: tutto dev’essere orientato al servizio dell’uomo, che ha potenzialità infinite e deve solo comprendere il modo giusto di porsi in armonia con un cosmo impersonale e non meglio identificato. Ecco quindi i discorsi sulla bellezza collaterale che scaturisce da ogni evento, anche dalla morte, il considerare il tempo come un bene prezioso da impiegare e mentre l’amore è una forza che tutto pervade. La storia preme senza ritegno il pedale del patetismo e se a Howard è morta una figlia, gli altri soci non se la passano bene: Simon è prossimo a morire di cancro; la figlia di Whit, divorziato, non vuole più parlare con il padre mentre Claire, che non si è sposata e che sente che il tempo della giovinezza sta passando, ha deciso di diventare comunque madre attraverso un’inseminazione artificiale. Sicuramente le ambizioni sono state troppe e a ben poco è servito il cast eccezionale che è stato impiegato: se la Helen Mirren   e Will Smith risultano credibili, vengono sprecati i talenti di Edward Norton, Kate Winslet, Keira Knightley e dello stesso regista David Frankel, autore di Il diavolo veste Prada.

Non vogliamo rivelare i dettagli del finale ma, ironicamente, a dimostrazione ulteriore dell’inconsistenza della sceneggiatura, Howard guarirà dalla sua depressione non certo per esser stato convinto dai tanti discorsi filosofici impostati, ma dal più classico dei modi: l’affetto di una donna. 

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

PASSENGERS (Cotta Ramosino)

Inviato da Franco Olearo il Dom, 01/01/2017 - 11:50
Titolo Originale: Passengers
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Morten Tyldum
Sceneggiatura: Jon Spaihts
Durata: 116
Interpreti: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne

In un futuro non troppo lontano la nuova frontiera è diventata la colonizzazione spaziale di pianeti in altre galassie. Durante un viaggio interstellare verso una di queste colonie, per un’anomalia uno dei passeggeri, il meccanico Jim, si sveglia dall’ibernazione. Peccato che all’arrivo manchino ben 90 anni. La prospettiva di trascorrerli in totale solitudine diviene a poco a poco insopportabile e così Jim decide di svegliare anche la bella scrittrice Aurora...Ne nasce un’improbabile storia d’amore. Le cose, però, non sono destinate ad andare lisce…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Si potrebbe anche apprezzare la morale semplice e positiva del racconto di queste due solitudini destinate a incontrarsi nelle circostanze più improbabili, ma dall’eroina di Hunger Games ci saremmo forse aspettati qualcosa di più di una intellettuale in tacchi alti dall’occhio lacrimoso e dall’urlo facile
Pubblico 
Adolescenti
Un paio di scene sensuali
Giudizio Tecnico 
 
Non basta il carisma dei due protagonisti, al momento tra i più quotati di Hollywood, a tener desta l’attenzione in un meccanismo di racconto che è costretto a inanellare forzature per poter portare avanti una premessa forse troppo esile per un intero lungometraggio
Testo Breve:

Lui e lei da soli su di un’astronave che deve viaggiare per altri 90 anni. Il carisma dei due protagonisti non salva l'esilità dello spunto narrativo, adatto più a una novella che a un lungometraggio

Parte da una sceneggiatura rimasta per anni nell’elenco delle migliori non realizzate questo filmone di fantascienza (un budget di oltre 110 milioni di dollari) sontuosamente realizzato, ma con un grave deficit di credibilità e una storia che fatica a coinvolgere. Non basta il carisma dei due protagonisti, al momento tra i più quotati di Hollywood, a tener desta l’attenzione in un meccanismo di racconto che è costretto a inanellare forzature per poter portare avanti una premessa forse troppo esile per un intero lungometraggio…

Il film snocciola i suoi ingredienti con poca convinzione e senza grandi sorprese: la solitudine sempre più disperata del meccanico Jim, che, esauriti i limitati intrattenimenti della nave spaziale, arriva a un passo dal suicidio prima di decidere, tra mille incertezze, di svegliare la sua bella addormentata (che si chiama ovviamente Aurora); la prevedibile storia d’amore con altrettanto prevedibile scoperta del “peccato originale”. Non manca neppure un accenno di “lotta di classe” (i viaggi interstellari sono il business del futuro, Jim è povero e viaggia in classe economica, cabina più piccola e cibo sempre uguale, mentre Aurora che si può permettere la Gold Class ha una suite e colazione francese), che si perde senza troppi approfondimenti (forse sarebbe stato più il caso di imbastire una class action contro una multinazionale che spedisce la gente nelle spazio e sembra non prevedere meccanismi di recupero in caso di risvegli accidentali).

Finisce così che lo spettatore attende con una certa impazienza che le anomalie di funzionamento dell’astronave (in cui regna un protocollo talmente assurdo che nessun membro dell’equipaggio si sveglia nemmeno di fronte alla possibilità che la nave esploda) costringano i due protagonisti a impegnarsi in qualcosa di più di una schermaglia amorosa…

Anche in questa ultima parte di racconto tutta sbilanciata sull’azione (ma in cui ovviamente ad essere messo alla prova è il fragile legame di Jim e Aurora) si sente un po’ troppo forte la mano dello sceneggiatore che è costretto a ripetute forzature . Se non altro, almeno qui l’eroina femminile tenta di uscire dal ruolo di puro oggetto del desiderio bisognoso di attenzioni e corteggiamento, per rivendicare un minimo di iniziativa… Dall’eroina di Hunger Games ci saremmo forse aspettati qualcosa di più di una intellettuale in tacchi alti dall’occhio lacrimoso e dall’urlo facile.

Solo facendo la tara di questi limiti si può apprezzare la morale semplice e positiva del racconto di queste due solitudini destinate a incontrarsi nelle circostanze più improbabili: invece di pensare sempre a dove vorresti essere, goditi il luogo e il momento in cui sei rendendo bella la vita che hai. Sarà un caso che questa perla di saggezza venga dall’androide barista Arthur (Michael Sheen), nell’insieme forse il personaggio più riuscito del film? 

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

PASSENGERS (Amitrano)

Inviato da Franco Olearo il Mer, 12/28/2016 - 13:01
Titolo Originale: Passengers
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Morten Tyldum
Sceneggiatura: Jon Spaihts
Produzione: ORIGINAL FILM, COMPANY FILMS, START MOTION PICTURES
Durata: 116
Interpreti: Jennifer Lawrence, Chris Pratt

A bordo dell’astronave Starship Avalon 5.259 persone sottoposte a sonno criogenico stanno viaggiando verso un nuovo pianeta e una nuova vita, ma un malfunzionamento causa il risveglio di uno dei passeggeri, Jim, 90 anni prima dell'arrivo

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Passengers pone diversi argomenti di particolare interesse, come la riflessione sulla relatività, il senso e l’importanza delle categorie del tempo e dello spazio nell’universo e l’essenziale necessità dell’uomo di coltivare rapporti umani per sopravvivere. Purtroppo però sorvola su tutti per concedere grande spazio agli effetti speciali e alla romantica storia d’amore
Pubblico 
Maggiorenni
Alcune scene di sesso
Giudizio Tecnico 
 
Bellissime ambientazioni e sorprendenti effetti accompagnati da una colonna sonora curata e adatta. Debole il contenuto della sceneggiatura
Testo Breve:

Un film di fantascienza che beneficia di ottimi effetti speciali ma la storia, che si sviluppa all’interno di un’astronave si trasforma in un’opera teatrale che si concentra sulle relazioni sentimentali fra i due protagonisti

 

Passengers era in cantiere dal 2007 da quando lo sceneggiatore Jon Spaihts (Doctor Strange 2016; La mummia 2017) ne aveva scritto il soggetto, ma solo nel momento in cui il regista Morten Tyldum ha accettato la regia è stato possibile realizzare davvero un film che del genere fantascientifico ha solo l’involucro. A dispetto infatti degli forti e significativi elementi futuristici Passengers è in realtà soprattutto un film sentimentale con un pizzico di avventura.

I personaggi che agiscono nel film sono solo tre, di cui uno tra l’altro è anche un robot, il simpatico barman Arthur (Michael Sheen), per una storia che, se non fosse per i sorprendenti effetti speciali, gli scorci mozzafiato sull’universo e i futuristici ambienti dagli spazi ampi, moderni e funzionali, con un po’ di immaginazione potrebbe tranquillamente svolgersi sulla scena di un palcoscenico.

Chris Pratt (I magnifici 7, 2016) è Jim Preston, lui e altre 5259 persone hanno scelto di intraprendere un viaggio nel tempo e nello spazio su un’astronave, la Starship Avalon, per andare a popolare un pianeta lontano dalla Terra centinaia di anni luce. La traversata dell’universo durerà circa 120 anni e per affrontarla i passeggeri dell’Avalon si sottopongono ad un sonno criogenico che dovrebbe farli risvegliare quattro settimane prima del loro arrivo sul pianeta Homestead II. Dopo alcuni anni di viaggio però qualcosa nella capsula di Jim non funziona e questi si risveglia con circa 90 anni di anticipo. In preda ad una disperata solitudine e condannato ad un’esistenza priva di qualunque altro contatto umano al di fuori del barman robot Arthur, Jim si innamora del volto di uno dei passeggeri che ancora dorme quietamente nella sua capsula, la bella -addormaentata- Aurora Lane (Jennifer Lawrence) e decide di risvegliarla. I due protagonisti però si trovano sull’orlo di una catastrofe che riguarda sia la loro relazione d’amore che la salvezza dell’intero equipaggio.

Un plot, quello di Passengers, che consentirebbe tante prospettive di lettura. Al di là dell’occasione di sviluppare straordinari effetti visivi, la storia pone lo spettatore di fronte a diverse questioni filosofiche e morali, che purtroppo però vengono solo sfiorate in favore di un sviluppo romantico che sa di già visto, da Laguna blu fino ad arrivare a Titanic. Il tempo, lo spazio, l’inalienabile bisogno dell’uomo di relazionarsi con l’altro e di coltivare la speranza nel futuro, nonché l’esigenza di fondare ogni rapporto d’amore sulla base della sincerità e della reciproca capacità di donarsi, sono tutti elementi che compaiono nella storia e la rendono interessante fin tanto che qualche effetto speciale non prende il sopravvento.

Passengers finisce col sembrare il rimescolamento di tanti Sci-Fi con altrettanti film di romantiche avventure in cui tutto arriva scontato e previsto. Jim è l’eroe che dopo tanto dolore riesce a compiere l’estremo sacrificio che salva la vita all’intero equipaggio mentre Aurora è la compagna dolce e forte che gli salva la vita due volte.  

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

GGG- IL GRANDE GIGANTE GENTILE

Inviato da Franco Olearo il Mer, 12/28/2016 - 12:58
Titolo Originale: The Big Friendly Giant
Paese: GRAN BRETAGNA, USA
Anno: 2016
Regia: Steven Spielberg
Sceneggiatura: Melissa Mathison
Produzione: AMBLIN ENTERTAINMENT, DREAMWORKS SKG, WALDEN MEDIA
Durata: 115
Interpreti: Mark Rylance, Ruby Barnhill, Penelope Wilton

Sophie è una bambina che vive in un orfanatrofio di Londra. Soffre di insonnia e una notte scorge dalla finestra un uomo altissimo che attraversa silenziosamente la strada. Il gigante si accorge di essere stato scoperto e porta la bambina nella sua tana. Dopo i primi, comprensibili, timori, Sophie comprende che si tratta di un gigante buono che svolge un particolarissimo lavoro: immettere nei piccoli e nei grandi che dormono i sogni da lui stesso confezionati. Ora questo gigante gentile, chiamato dalla bambina GGG, ha un problema: nascondere Sophie dagli sguardi degli altri nove giganti che abitano l’isola: sono carnivori e non esiterebbero a fare della bambina un solo boccone… 

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
L’amicizia e la solidarietà fra due persone a modo loro sole; la generosità della regina che mette subito a disposizione le risorse del regno per proteggere la bambina e il gigante buono
Pubblico 
Tutti
Giudizio Tecnico 
 
Eccezionale realismo delle immagini in CG, abbinata all’estetica, molto curata di ogi singola inquadratura. Qualche eccesso di parole e la ripetizione di situazioni che non riescono più a stupire
Testo Breve:

Spielberg ritorna, dopo E.T. e Tin Tin, al mondo dei ragazzi con un film di alta qualità visiva ma incapace di riportarci lo stupore e le emozioni dei primi due

La mano di un grande regista si percepisce sempre. Lo si vede nella cura con cui vengono impostate tutte le sequenze, nello stupore di immagini che riproducono un  mondo di fantasia ma anche nella perfetta armonia dei chiari e dei scuri di una Londra notturna, simile, nella cura dei dettagli a un’altra grande città ritratta da un altro grande regista: la Parigi realizzata da Martin Scorsese in Hugo Cabret.  La perfezione della tecnica della performance capture che rendono il Gigante Gentile assolutamente credibile (grazie anche alla recitazione sensibile di Mark Rylance, già visto come protagonista nel precedente film di Spielberg: Il ponte delle spie). Eppure qui Spielberg non è più lo Spielberg che conosciamo: quell’abilissimo misuratore dei tempi del racconto, capace di stupire, emozionare al momento giusto.

Forse condizionato dall’impegno di restare aderente all’autore del libro da cui è tratto il film (si tratta di Roald Dahl, autore di opere famose come La Fabbrica di cioccolato, I Gremlin, Matilda, considerato uno dei più importanti scrittori per ragazzi del secolo scorso), il regista sviluppa la storia con ritmo tranquillo e trattenuto, quasi a rassicurare lo spettatore più piccolo che nulla di violentemente imprevisto o di drammatico potrà accadere. Il film gioca all’inizio sui timori che possono scaturire dall’ambiguità del comportamento del gigante rispetto alla bambina, ma quando si viene presto a scoprire che GGG è assolutamente innocuo e per di più vegetariano, le incursioni del giganti carnivori nella sua casa (situazione ripetuta due volte) non destano preoccupazione più di tanto perché sono troppo stupidi. Anche la seconda parte del film, che ha il suo baricentro nel pranzo di GGG e della piccola Sophie con la regina, gioca troppo sulle conseguenze delle dimensioni e delle consuetudini alimentari del gigante, quando ormai lo spettatore non le considera più delle novità.

Pur con questi difetti, il film ha pieno successo nel disegnare il rapporto fra i due protagonisti. Non certo nuovo a raccontare storie di ragazzi, Spielberg aveva già espresso la solitudine di E.T. – L’estraterrestre o di Jim, alla disperata ricerca dei suoi genitori in L’impero del sole; ora nell’orfana Sophie e in GGG, campione unico della sua specie, la malinconia della solitudine traspare e impernia di se tutto il film. Due esseri così diversi riescono, in un paio di sequenze, a parlarsi a cuore aperto e a rinsaldare progressivamente la loro amicizia. In un contesto così rassicurante non poteva che risultare assolutamente positiva la figura della Regina d’Inghilterra, una simpatica signora che non ha timore di incontrare un gigante, preoccupata solo che altri bambini non si facciano male.

Alla fine resta incerta la destinazione di questo lavoro: per dei ragazzi che vorrebbero soprattutto ridere o spaventarsi o stupirsi, il film ha pochi momenti di ilarità, le figure dei giganti sono più buffe che spaventose, ma soprattutto manca la magia di E.T. – L’extraterrestre.  Per i grandi resta comunque da ammirare, grazie alla perfetta confezione di tante immagini fantasiose, l’inesauribile potere incantatore del cinema.

 

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

NATALE A LONDRA – DIO SALVI LA REGINA

Inviato da Franco Olearo il Mar, 12/20/2016 - 16:53
Titolo Originale: NATALE A LONDRA – DIO SALVI LA REGINA
Paese: ITALIA
Anno: 2016
Regia: Volfango De Biasi
Sceneggiatura: Volfango De Biasi
Produzione: FILMAURO
Durata: 90
Interpreti: conPasquale Petrolo, Claudio Gregori, Paolo Ruffini, Nino Frassica, Eleonora Giovanardi, Monica Lima, Enzo Iuppiariello, Ninetto Davoli, Uccio De Santis, Enrico Guarneri

Erminio è il figlio non riconosciuto – e molto imbranato - del boss romano Er Duca, mentre Prisco, che del Er Duca ne è figlio legittimo, ha da tempo rinnegato la propria natura criminale per dedicarsi alla vita da Boy Scout. Un’importante missione riunisce i due fratelli: aiutare il padre a risanare i propri debiti con Equitalia. Motivo per cui Ermino coinvolge il fanciullesco Prisco in un improbabile viaggio a Londra per recuperare i soldi sfruttando il ristorante che Er Duca possiede nella Capitale britannica. Peccato, però, che Il Barone, gestore del locale insieme a sua figlia - la severa Chef Anita – sia ricattato da Robocop, uno strozzino senza scrupoli che dà loro una settimana di tempo per trovare il denaro chiesto. Altrimenti faranno tutti una brutta fine. La soluzione per ottenere tutti quei soldi– un milione e mezzo di sterline – cade fra le loro mani dal cielo. I cani della Regina, infatti, sono assicurati per la cifra necessaria a mettere a tacere Robocop da una parte ed Equitalia dall’altra. Ed il caso vuole che i due cagnolini siano abitualmente portati a pranzo proprio nel ristorante davanti a quello del Barone. Alla combriccola criminale e scalcagnata – nella quale trova posto anche la ritrovata anima malvagia di Prisco - si aggiungono altri due elementi che, ai tempi d’oro, avevano fatto parte della stessa banda del Er Duca e del Barone. Ovvero Il Mago e Il Barese. Questa surreale banda riuscirà nell’improbabile intento di rapire i cani della Regina e di risanare i debiti contratti?

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film è sicuramente indulgente con le iniziative truffaldine dei protagonisti ma il tutto viene proposto in chiave assolutamente comica e a volte grottesca.
Pubblico 
Tutti
Giudizio Tecnico 
 
Grazie a Lillo e Greg eNino Frassica il film riesce ad essere ancora divertente, nonostante la sceneggiatura modesta
Testo Breve:

Due fratelli si ritrovano a risanare i debiti contratti dal padre e mediatano un insolito furto. Un cinepanettone che riesce ad essere divertente solo grazie alla bravura dei protagonisti

Ancora una volta Natale porta con sé un sacco carico di Cinepanettoni, oramai un genere cinematografico riconosciuto ed atteso da chi frequenta il grande schermo quasi solo in occasione delle festività di fine anno.

Le aspettative, generalmente piuttosto basse verso questi film, non vengono tradite. La trama è abbastanza divertente e totalmente surreale sia nella storia in sé quanto nella sua costruzione narrativa, priva di grosse volgarità e decisamente ricca di gag. Il tono comico della storia viene dato più dall’interpretazione degli attori che dalle battute e dalle situazioni. Questo probabilmente smorza il ritmo e, pur nel contesto dei cinepanettoni, lo rende meno attraente rispetto ai tradizionali e garantiti Boldi e De Sica.

I personaggi, privi di una particolare profondità psicologica, sono macchiette che si autoalimentano attorno ad uno o due caratteri dominanti. Ne è un chiaro esempio la figura di Anita, che scimmiotta la televisione italiana ormai così devota ai grandi Chef. Anche lo schema narrativo che li riunisce è basilare e abbastanza individuabile, grazie, soprattutto, all’insistenza con cui, in alcune battute, i personaggi stessi indirizzano lo spettatore verso una certa e voluta interpretazione.

In particolar modo è evidente la contrapposizione tra padri e figli. Vecchia verso nuova generazione. I padri che hanno commesso errori verso i figli che possono essere artefici del proprio destino, svincolandosi dall’eredità pesante lasciata dal proprio padre e dimostrando che si può cambiare. Si pensi al personaggio di Prisco. Da ex delinquente si trasforma in un puerile Boy Scout. Ma la sua vera natura, che Prisco ha deciso di nascondere perché se ne vergogna, soggiace repressa fino a quando non si verifica la reale e concreta possibilità di affrontarla e sconfiggerla.

Al di là di pochi spunti potenzialmente interessanti, Natale a Londra – Dio salvi la Regina è una grossa presa in giro: dell’Italia delinquente, degli Italiani “cafoni”, degli Italiani all’estero, della Gran Bretagna, qui bollata con la Brexit, e della Regina.

Forse troppa carne al fuoco che, sì, diverte, ma senza lasciare niente di più che un lieve sorriso.

 

Autore: Maria Luisa Bellucci
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

FLORENCE

Inviato da Franco Olearo il Ven, 12/16/2016 - 17:08
Titolo Originale: Florence Foster Jenkins
Paese: GRAN BRETAGNA, USA
Anno: 2016
Regia: Stephen Frears
Sceneggiatura: Nicholas Martin
Produzione: PATHÉ PICTURES INTERNATIONAL, QWERTY FILMS
Durata: 110
Interpreti: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Rebecca Ferguson

New York, 1944.  Florence Foster Jenkins è una ereditiera che impiega la sua non modesta fortuna a sostenere il bel canto (incluse le esibizioni di Arturo Toscanini). Si diletta lei stessa a esibirsi fra amici in brani di opere liriche. Peccato che lei sia assolutamente stonata ma ciò non le provoca particolari disagi perché il solerte marito, St Clair Bayfield, più giovane di lei, fa sempre in modo, per mezzo di favori interessati o mediante il denaro, che il pubblico che l’ascolta sia sempre e comunque pronto ad applaudirla. Anche quando decide di perfezionare il suo “stile” con un maestro di musica, Clair riesce a trovare Cosme McMoon, che bisognoso di denaro, accetta di darle lezione turandosi le orecchie. Tutto sembra andare per il meglio quando Florence decide di esibirsi nientemeno che al Carnegie Hall davanti alle truppe in licenza, quindi davanti a un pubblico assolutamente non addomesticabile…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Una donna, fortunata in termini materiali ma sfortunata nella vita, sa essere gentile e generosa con tutti. Chiede solo di essere accettata per le sue innocue, bizzarre esibizioni.
Pubblico 
Adolescenti
Alcune tematiche trattate non sono adatte ai più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Una gara di bravura fra Meryl Streep e Hugh Grant tiene in piedi un film con una esile trama ma anche la regia di Stephen Frears riesce abilmente a enfatizzare non tanto lo spunto narrativo quanto il ricco rapporto fra i personaggi
Testo Breve:

Una ricca americana, mecenate del bel canto, desidera cantare anche lei pur essendo stonata. Eppure, in questa storia vera, le doti umane riescono a coprire la mancanza di doti tecniche

Bisognerebbe domandarsi perché la figura di Florence Foster Jenkins interessi tanto a chi si occupa di cinema. Nel giro di un anno sono usciti due film sullo stesso argomento: prima il francese Marguerite e ora Florence. Il primo è ambientato a Parigi negli anni venti, configura la ricca ereditiera stonata come elemento di rottura con le convenzioni del tempo operato dal movimento dadaista, mentre Florence, più aderente al personaggio reale, è ambientato a New York negli anni della Seconda Guerra Mondiale.  La figura di una ricca signora che ama il canto, patrocina generosamente gli artisti del tempo (la vediamo aiutare Arturo Toscanini) e ama esibirsi lei stessa fra amici compiacenti, diventa, nelle abile mani del regista Stephen Frears, solo un pretesto che risulta utile per mantener desta l’attenzione dello, mentre il vero interesse è tutto concentrato sulla definizione dei personaggi e dei loro rapporti.

La sequenza iniziale dove in un piccolo teatrino, di fronte a un pubblico adeguatamente “filtrato” di amici e conoscenti si esibiscono sia ST Clair Bayfield, il marito di Florence, un attore di second’ordine e Florence stessa, aiuta a delineare questa insolita alleanza che sussiste fra i due coniugi. Entrambi hanno sognato di essere ciò che non hanno potuto essere e se Florence, con la sua posizione e il suo denaro, ha dato a lui quello che non avrebbe ottenuto con il suo modesto talento, anche St Clair è indispensabile a Florence perché risolve ogni problema pratico e di dettaglio, mentre lei può “puntare in alto” con i suoi sogni. Due grandi attori sono stati scelti per delineare questi personaggi: Meryl Streep propone un personaggio amabile e sorridente ma fragile perché malata (ha contratto la sifilide che le ha trasmesso il precedente marito); la sua dolcezza verso tutti, la sua generosità, la sua incapacità di scorgere la malizia nel comportamento altrui, la pongono in una dimensione superiore, ed è per questo che nessuno dei suoi amici osa recarle dispiacere quando lei chiede il favore di venire ascoltata.  Hugh Grant (molto bravo) indossa gli abiti che ci si aspetta da un gentleman inglese, formalmente sempre corretto, ossequioso e complimentoso, svolge il suo lavoro di protettore di Florence con scrupolo e attenzione. La differenza di età fra i due è notevole, lei è malata, St Clair ha un’amante con cui trascorrere le notti ma in nessun modo lui è disposto a tagliare il rapporto di fiducia reciproca e di intesa profonda che si è instaurato fra loro. Lo considera un valore superiore a qualsiasi altro, una sua ricchezza personale che non può essere svenduta.

Ovviamente il delicato equilibrio costruito da St Clair crolla quando Florence decide di esibirsi a Carnegie Hall davanti alle truppe: impossibile ottenere un compiacente consenso da tutti quegli uomini desiderosi solo di passare una serata senza pensieri. Qui interviene un altro fenomeno: simile a certi successi di oggi su Youtube: un misto di gusto per l’insolito, per il trash, che è un altro modo di fare spettacolo, ma anche il coraggio di essere se stessa. In chiusura del film veniamo a sapere che l’unico disco registrato da Florence è stato a lungo fra i più venduti di musica classica.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

MISS PEREGRINE- LA CASA PER RAGAZZI SPECIALI

Inviato da Franco Olearo il Ven, 12/16/2016 - 11:16
Titolo Originale: Miss Peregrine's Home for Peculiar Children
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Tim Burton
Sceneggiatura: Jane Goldman
Produzione: Chernin Entertainment, Tim Burton Productions
Durata: 127
Interpreti: Eva Green, Asa Butterfield, Ella Purnell, Samuel L. Jackson, Finlay MacMillan, Judi Dench, Rupert Everett

Jake è un adolescente americano che si sente molto diverso dai suoi coetanei. È cresciuto ascoltando le storie fantastiche del nonno che narravano di mostri e di bambini dotati di poteri particolari. Quando però l'amato nonno muore in circostanze assai misteriose, Jake scoprirà che i racconti di cui lui ha riempito la sua infanzia non erano pura invenzione fantastica e che la casa per bambini speciali di Miss Peregrine esiste davvero

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un film che punta molto ad incantare lo spettatore con immagini inattese e straordinarie e con scene sorprendenti frutto di una fantasia brillante e creativa, tuttavia trascura quasi del tutto la sfera delle emozioni e delle relazioni che dovrebbero legare i personaggi tra loro
Pubblico 
Adolescenti
Alcune scene ai limiti dell’horror potrebbero turbare i più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Le ambientazioni fondono perfettamente lo stile e il fascino delle fotografie vintage con le consuete suggestioni fiabesche e surreali dei film di Burton; il regista riesce a creare delle sorprendenti scene in CGI (Computer-generated imagery).
Testo Breve:

Tim Burton, conosciuto per i suoi racconti fiabeschi, in bilico fra la vita e la morte, si avventura su un terreno non suo (la trilogia di romanzi di Ransom Riggs) e finisce per realizzare un prodotto commerciale dove è andata perduta la sua vena originale

Onirico, surreale e fiabesco, Tim Burton non si smentisce neanche in Miss Peregrine – La casa dei ragazzi speciali, ma questa volta sembra aver perso la sua nota distintiva di straordinaria originalità. L’ultimo prodotto del visionario mondo di questo regista è ispirato al primo volume della trilogia di romanzi di Ransom Riggs.

L’idea di Miss Peregrine, tanto per il libro quanto per il film, nasce dalle impressioni suscitate da quelle foto d'epoca un po' scioccanti che rimandano ad una realtà preternaturale spesso inquietante. Tuttavia il film pare quasi l’imitazione di un genere ormai noto, quello burtoniano, il pretesto per il regista più noir e fanciullesco di Hollywood di sfogare tutta la sua fervida e creativa capacità di immaginazione in favore di un prodotto molto commerciale ma assai debole da un punto di vista narrativo.

In Miss Peregrine – La casa dei ragazzi speciali Jake (Asa Butterfiled) è un adolescente un po’ schivo che si sente diverso dai suoi coetanei. La sua vita ordinaria in una noiosa cittadina americana è improvvisamente sconvolta dalla misteriosa morte del nonno a cui lui è molto affezionato. Mettendo insieme i suoi ricordi d’infanzia e grazie ad alcuni indizi lasciatigli dal nonno, Jake compirà un viaggio verso il Regno Unito e attraverso il tempo e scoprirà una realtà diversa popolata da mostri e bambini molto speciali nella casa di Miss Peregrine (Eva Green). Jake conoscerà gli abitanti della casa, i loro poteri speciali e i loro terribili nemici e alla fine scoprirà che solo la sua "peculiarità" può salvare i suoi nuovi amici.

I ragazzi di Miss Peregrine sono speciali perché dotati di caratteristiche fuori dal comune, poteri, in parte anche un po’ impressionanti, che li rendono diversi dagli altri e li escludono dal mondo. Anche Miss Peregrine è dotata di questi poteri grazie ai quali si prende cura dei bambini e li protegge. "Oggi escono continuamente nuovi eroi al cinema -ha chiarito Tim Burton in un incontro con i giornalisti italiani-, ma questi sono fondamentalmente bambini, si comportano come bambini”.

Miss Peregrine era certamente la storia ideale per stimolare l’immaginazione di Burton, sospesa tra il mondo fiabesco dell’infanzia e quello più fantastico, dark e gotico. Eppure, ad eccezione della prima parte in cui il protagonista Jake prende forma e sostanza con chiarezza, nel film manca una vera costruzione emotiva dei personaggi, che nel complesso paiono quasi figure sfumate ed evanescenti a scapito quindi anche della ricostruzione dei legami affettivi, delle relazioni e delle motivazioni che dovrebbero spingerli ad agire nel racconto. Il legame che stringe tra loro i vari personaggi per quanto fondato sul valore dell’amicizia, della lealtà e della reciproca protezione è però dato molto per scontato e poco esplorato. 

Una storia non sempre di facile comprensione anche per quanto riguarda la generazione dei personaggi negativi, che agiscono spinti da un non meglio definito desiderio di accrescere il proprio potere. Il male è costituito semplicemente da mostri orribili e personaggi inquietanti e minacciosi.

Un altro aspetto che lascia perplessi è la condizione dei ragazzi, che, sebbene così diversi, isolati dal mondo e costretti a vivere in un’isola temporale che si ripete uguale a se stessa fin quasi all’infinito, non manifestano quasi mai un giudizio o un sentimento rispetto alla propria condizione. 

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

LA MAFIA UCCIDE SOLO D'ESTATE - LA SERIE

Inviato da Franco Olearo il Gio, 12/15/2016 - 18:27
Titolo Originale: La mafia uccide solo d'estate- La serie
Paese: Italia
Anno: 2016
Regia: Luca Ribuoli
Sceneggiatura: Pif, Stefano Bises, Michele Astori
Produzione: Wildside, Rai Fiction
Durata: 50' a puntata
Interpreti: Claudio Gioè, Anna Foglietta, Nino Frassica, Francesco Scianna, Angela Curri

Il protagonista della serie - nonché narratore della storia - Salvatore Giammaresi scava nei suoi ricordi di infanzia per raccontarci le vicende di una Palermo degli anni ’70, nella quale viveva con i genitori Pia e Lorenzo e la sorella Angela. Salvuccio, come lo chiamano a casa, è solo un bambino che frequenta ancora le elementari, eppure ha già tantissime domande su tutto ciò che di strano accade nella sua città: malfunzionamenti che colpiscono solo alcune zone e alcune famiglie mentre altre restano misteriosamente illese, sparizioni di persone, omicidi continui di cui nessuno vuole parlare, posti di lavoro “regalati” e altri sottratti senza un apparente motivo, persone oneste e competenti che vengono scavalcate da fannulloni. Salvatore è costretto sin da piccolo a fare i conti con una piaga estesa, subdola e dolorosa: la mafia; e con la frustrazione e la paura dei suoi concittadini, che al contrario di lui evitano di farsi qualsiasi tipo di domanda…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
La serie propone la perseveranza nel bene, l’onesta e la ricerca della verità come uniche vie per risolvere dei problemi e cambiare situazioni di ingiustizia. La fiction invita a non cadere mai nella disonestà, a non farsi giustizia da soli: ad ascoltare sempre la propria coscienza e a camminare con perseveranza nella rettitudine, senza accettare compromessi.
Pubblico 
Tutti
Giudizio Tecnico 
 
La fiction è ben strutturata e si segue con facilità. Anche se il tema centrale è drammatico, gli autori riescono a non appesantire lo spettatore, evitando scene cruente e alternando episodi concernenti l’azione della malavita alla rappresentazione di altri aspetti della vita quotidiana, come dei problemi di amicizia o delle questioni sentimentali. A rendere la narrazione meno drammatica contribuisce il fatto che viene raccontata con gli occhi di un bambino.
Testo Breve:

Ancora una volta PIF usa un approccio gentile (lo sguardo di un bambino) per parlarci di un tema molto serio: la tracotanza della mafia in Sicilia negli anni ’70. I vari personaggi reagiscono in modo diverso al male ma solo l’onestà e la ricerca della verità sono le uniche vie per affrontare il problema

La serie ha il grande pregio di mostrare i soprusi e le ingiustizie operati dalla mafia attraverso gli occhi innocenti e limpidi di un bambino: questo fa emergere il contrasto tra il bene e il male con forza e al tempo stesso con estrema delicatezza.

Salvatore è solo un bambino, ma cerca di ascoltare la sua coscienza: si interroga su cosa sia giusto e cosa sbagliato, su quali azioni siano rispettose verso il prossimo e quali no. Risulta perennemente indeciso, ma non per codardia o timidezza, bensì perché prima di fare qualsiasi cosa si chiede quali possano essere le conseguenze.

Se la meschinità, la mediocrità, l’opportunismo, la sensazione di impotenza di uomini giusti che si trovano ad operare in un sistema corrotto possono produrre nello spettatore rabbia e frustrazione, in Salvatore lo spettatore può vedere come il bene sia riconoscibile, attuabile, apprezzabile anche in una società disordinata, deturpata.

La rettitudine e la sete di verità di questo piccolo protagonista, pieno di scrupoli e di domande, mette in luce le fragilità e le contraddizioni di coloro che invece mettono a tacere la propria coscienza, smettono di farsi domande e tentano di sopravvivere come meglio possono in una realtà che non credono di poter cambiare.

La fiction presenta, attraverso i vari personaggi, diversi modi di reagire di fronte alla malavita e non certo tutti positivi: se vi sono coloro che sanno sacrificarsi per il bene della propria città, c’è chi cede alle lusinghe dei mafiosi, come il frate interpretato da Nino Frassica, che si circonda di mafiosi non certo alla maniera in cui Gesù si attorniava di peccatori, cioè per redimerli, ma per trarne benefici e vantaggi personali. Opportunista e ipocrita, egli si presenta un po’ come un moderno don Abbondio. 

C’è poi chi con la mafia non vuole avere nulla a che fare ma non riesce a reagire con coraggio di fronte alla meschinità. È così, ad esempio, per il padre di Salvatore, che spesso sembra non riuscire a prendere una posizione chiara e netta verso la malavita: preferisce chiudere gli occhi, far finta di nulla; o al massimo si limita a proteggere la sua famiglia, per quanto può.

Vi sono poi molti che, accecati dalla rabbia e stanchi di non ottenere ciò che meriterebbero, si sporcano le mani, scendendo a compromessi con persone disoneste. È questo il caso, ad esempio, dello zio di Salvatore, un uomo svogliato, poco responsabile ma non malavitoso, che, iniziando a trattare con dei mafiosi per aiutare la sorella ad ottenere il posto di lavoro che le spetterebbe per merito, finisce in carcere e infine, peggio, aderisce a tutti gli effetti a Cosa nostra.

Poi ci sono le due donne protagoniste della serie: la mamma di Salvatore e la sorella, Angela, più prese dai propri problemi di cuore che dai problemi della loro città e che sembrano indifferenti verso la mafia, finché non vengono toccate sul personale.

Le circostanze proposte nella serie suggeriscono che né l’omertà né la “giustizia fai da te” possono essere delle valide soluzioni: la prima permette ai disonesti di agire indisturbati, la seconda si rivela più una trappola, che una via d’uscita… esperti e scafati, i criminali veri riescono a farla franca, mentre il cittadino ingenuo, che diventa disonesto in modo occasionale, finisce per pagarne aspre conseguenze.

Salvatore vive in una società che sembrerebbe senza speranze, eppure una speranza c’è: è l’onestà, vissuta fino alla estreme conseguenze e a partire dalle piccole cose. L’unica soluzione per non soccombere e non scappare è ascoltare i campanelli d’allarme della coscienza: rifiutarsi categoricamente di cedere a ogni compromesso disonesto e fare di tutto per portare a galla la verità, come fa Salvatore, piccolo reporter in erba. 

Autore: Cecilia Galatolo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |

IL MEDICO DI CAMPAGNA

Inviato da Franco Olearo il Gio, 12/15/2016 - 15:26
Titolo Originale: Médecin de campagne
Paese: FRANCIA
Anno: 2016
Regia: Thomas Lilti
Sceneggiatura: Thomas Lilti, Baya Kasmi
Produzione: 31 JUIN FILMS, LES FILMS DU PARC, IN CO-PRODUZIONE CON CINEFRANCE, LE PACTE, FRANCE 2 CINÉMA
Durata: 102
Interpreti: François Cluzet, Marianne Denicourt,

Jean-Pierre Werner è un medico condotto che si rende disponibile a tutte le ore per andare dove è richiesto il suo intervento. Conosce tutti e tutti apprezzano il suo impegno. E’ ciò che appaga umanamente Jean-Pierre che continuerebbe a fare il suo lavoro se non gli fosse stato diagnosticato un cancro al cervello. Gli viene allora affiancata Natalie, una dottoressa fresca di laurea (ha iniziato tardivamente gli studi dopo aver lavorato per sette anni come infermiera). Jean-Pierre le riserva un’accoglienza fredda, geloso del suo rapporto esclusivo con la comunità locale e inizialmente fa di tutto per metterla in difficoltà…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film sottolinea bene il valore, professionale e umano, di un lavoro ben fatto, in particolare quello del medico. Peccato che in questo film non ci sia posto per gli affetti familiari e venga negato il significato soprannaturale della nostra esistenza
Pubblico 
Pre-adolescenti
Qualche argomento potrebbe non essere adatto ai più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Il film realizza un’immersione convincente nella vita di due medici e nella realtà della campagna francese. Poco approfonditi gli aspetti umani dei due protagonisti, che sembrano interamente dediti al loro lavoro.
Testo Breve:

 La vita faticosa ma appagante di due medici di campagna. Un elogio al mestiere del medico e alla ricchezza umana dei rapporti che si instaurano con i pazienti. Una visione un po’ ideale del mestiere del medico che sembra non abbia tempo per dedicarsi agli affetti personali

Il regista, Thomas Lilti, ha esercitato a lungo il mestiere di medico, prima di dedicarsi all’arte cinematografica. Sembra però che, se quella di regista sia ora la sua professione, quella del medico sia la sua vera passione. “Mi manca il rapporto con i pazienti”: ha detto in una intervista. Nel suo primo film Hippocrate, raccontava il duro apprendistato di un giovane medico in un ambiente ospedaliero; ora con questo Medico in campagna  un uomo vive pienamente la sua vita (è separato dalla moglie e il figlio è ormai maggiorenne) dedicandosi dalla mattina alla sera a visitare a domicilio i suoi pazienti, facendosi strada nel fango, lungo viottoli appena accennati. Conosce gli abitanti della contea dove lavora uno a uno, è la loro persona di fiducia alla quale vengono spontaneamente confessati non solo i propri mali fisici ma le incertezze delle loro anime.

Anche la neodottoressa Natalie, che lo affianca, mostra di porsi sempre in paziente ascolto, pronta a ridare fiducia a chi si mostra preoccupato. Il conflitto iniziale fra i due dottori sta proprio qui: nel timore, da parte di lui, di perdere la benevolenza e l’affetto dei pazienti. Che il regista sia un medico lo vediamo dal linguaggio tecnico adottato, dai frequenti primi piani di lastre che a noi non dicono nulla, dall’utilizzo delle apparecchiature più aggiornate (è difficilissimo trovare un film francese che non parli bene della propria sanità pubblica o privata); al contempo sa immergersi nella realtà locale, attardandosi nelle feste del paese e nei dibattiti durante le riunioni comunali che hanno come obiettivo il miglioramento del servizio sanitario. Tutti i casi umani che i due medici debbono affrontare vengono risolti positivamente. Dal ricovero urgente del sindaco che si è ferito alla gamba mentre lavorava nei campi, al vecchio che Jean-Pierre letteralmente rapisce dall’ospedale perché possa serenamente morire sul suo letto, al ragazzo che aveva deciso di abbandonare gli studi di medicina ma al quale Natalie riesce a far rinascere la fiducia in se stesso.

Non manca il caso delicato della giovane che ha abortito perché il suo ragazzo gli ha inculcato la convinzione che non è pronta a fare da madre: Natalie è dapprima incerta se mantenere il dovuto distacco professionale ma poi, con decisione, invita la ragazza a lasciare il suo fidanzato.

Si tratta quindi di un film particolarmente positivo sul valore, anche  umano, di un lavoro compiuto con dedizione.

Resta però, nello spettatore, una sensazione di eccessivo distacco nei confronti dei protagonisti. Sappiamo che Jean-Pierre ha lasciato la famiglia ma sembra che ciò incida poco sulla serenità della sua vita. Ancor più misteriosa è Natalie: non sappiamo assolutamente nulla del suo passato e non si comprende come mai si trovi tutta sola a vivere in campagna dedicandosi solo al lavoro. Se il regista voleva sottolineare che la professione di medico è una specie di sacerdozio dove non c’è posto per altro, c’è pienamente riuscito.

In una delle sequenze finali Jean.-Pierre, riflettendo con Natalie, commenta che loro sono lì per riparare ciò che si è rotto. Lui non crede in nessuna fede e ritiene che la natura sia sostanzialmente cattiva; “ma va bene così:. Andiamo avanti”.  Ancora una volta , anche in questo film, l’unica filosofia di vita valida è quella di aiutarci a vicenda, fra noi uomini, in un mondo che ha poco senso. Ancora una volta, traspare la “religione dell’umano” che esclude ogni prospettiva soprannaturale.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


Share |