Non classificato

Il film non fa parte di nessuna categoria

ELLA E JOHN - THE LEISURE SEEKER

Inviato da Franco Olearo il Mar, 01/23/2018 - 09:01
Titolo Originale: The Leisure Seeker
Paese: Italia, Francia
Anno: 2017
Regia: Paolo Virzì
Sceneggiatura: Stephen Amidon, Francesca Archibugi, Paolo Virzì e Francesco Piccolo, dal romanzo di Michael Zadoorian
Produzione: INDIANA PRODUCTION, CON RAI CINEMA
Durata: 112
Interpreti: Helen Mirren, Donald Sutherland, Christian McKay, Janel Moloney, Dana Ivey, Dick Gregory

Ella e John, ultrasettantenni, si stanno avvicinando al capolinea della loro vita trascorsa insieme: lei è malata di tumore, lui di Alzheimer. Quando ormai sembra che ad aspettarli non ci sia più nessuna sorpresa, sfuggono dal controllo dei figli e dei medici per regalarsi un'ultima vacanza a bordo del camper di famiglia, il Leisure Seeker.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Due coniugi anziani mantengono intatta e, se possibile hanno rafforzato, la loro capacità di vivere uno per l’altra ma le mode correnti del cinema sono difficili da sovrastare e ricorrono al suicidio per evitare le fatiche della vecchiaia, incuranti del cattivo esempio che danno a figli e nipoti
Pubblico 
Sconsigliato
Una scena a contenuto sessuale, apologia dell’eutanasia Il film è stato giudicato "Restricted" in USA, mentre in Italia è stato considerato "Per Tutti"
Giudizio Tecnico 
 
La parte centrale del film tende ad essere un po' episodica e slegata: tante piccole storie che si salvano dalla ripetitività solo grazie all'inconfondibile ironia dolceamara di Virzì e all'eccezionale bravura dei due protagonisti
Testo Breve:

Una coppia di ultrasettantenni, si concede un’ultima, pazza vacanza insieme prima di prendere quella decisione estrema molto alla moda nel cinema più recente

Paolo Virzì sbarca negli USA per dirigere il suo primo film interamente in lingua inglese; un'impresa resa ancora più ambiziosa dalla sua decisione di cimentarsi nel più americano dei generi, il road movie, attraverso l'adattamento del romanzo In viaggio contromano di Michael Zadoorian.

Quale sia il tema specifico di questo on the road, che ci accompagna da Boston fino all'estremità della Florida, è evidente fin dalle primissime scene: raccontare il mondo paradossale degli anziani, a cui per mettersi in viaggio serve la stessa dose di imprudenza di un adolescente in fuga. Ella e John, infatti, sono stati adulti responsabili e genitori amorevoli, ma da troppo tempo ormai, a causa delle rispettive malattie, sono stati privati di ogni libertà di scelta e ridotti a oggetto di cura da parte dei figli e dei medici. Rimettersi a bordo del Leisure Seeker (un camper vecchio e scassato quanto loro, ma altrettanto sorprendentemente in grado di funzionare) rappresenta un estremo tentativo di godersi quel che rimane della vita e riappropriarsi di un passato che, soprattutto nella mente di John, tende inesorabilmente a svanire.

Non a caso la strada che scelgono di percorrere è quella delle loro vacanze familiari, ma l'obiettivo finale si trova un po' più lontano di quanto non abbiano mai osato spingersi. Vogliono infatti arrivare fino all'isola di Key West per visitare la casa di Hemingway, lo scrittore amato e citato continuamente da John (forse perché anche lui e la moglie sembrano personaggi usciti dalle pagine de Il vecchio e il mare, nel loro particolare modo di essere sconfitti ma mai rassegnati).

Nonostante l'inizio intrigante, la parte centrale del film tende ad essere un po' episodica e slegata: tante piccole storie che si salvano dalla ripetitività solo grazie all'inconfondibile ironia dolceamara di Virzì e all'eccezionale bravura dei due protagonisti, Helen Mirren e Donald Sutherland, che riescono a dar vita a personaggi a tutto tondo, convincenti nei momenti di intimità come negli scoppi di rabbia.

John, professore e intellettuale, sta perdendo la testa, mentre la vitalità di Ella è minata da continui dolori. Ancora più di quanto non abbiano fatto nel corso della loro vita, sono costretti ad appoggiarsi l'uno all'altra per compensare alle proprie debolezze, ma soprattutto hanno entrambi bisogno del compagno per essere salvati dal peggiore dei mali, il non-luogo per eccellenza: l'ospizio/ospedale, dove gli ultimi anni di vita dei vecchi vengono nascosti agli occhi della società efficiente e indaffarata.

Questa fuga dall'ospedalizzazione accomuna Ella e John con l'opera precedente di Virzì, La Pazza Gioia, ma non riesce ad eguagliarne il livello: nel complesso questo film appare meno compatto e convincente, soprattutto nel finale. Quello che infatti Ella chiama "il loro lieto fine" risulta una soluzione abbastanza scontata e prevedibile (almeno nella seconda metà del film) e lascia piuttosto perplesso lo spettatore.

Ma come in ogni vero road movie, non è la meta ad essere importante (la casa di Hemingway si rivelerà buona solo per i turisti), ma è il viaggio che regala alla coppia pezzi di Paradiso. Basti pensare alla bellissima scena sula spiaggia o all'incredibile strada in mezzo al mare che collega le numerose isole e che, solo dopo Key West, lascia definitivamente spazio all'oceano.

Autore: Giulia Cavazza
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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TRE MANIFESTI A EBBING, MISSOURI

Inviato da Franco Olearo il Sab, 01/13/2018 - 22:34
Titolo Originale: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Paese: GRAN BRETAGNA
Anno: 2017
Regia: Martin McDonagh
Sceneggiatura: Martin McDonagh
Produzione: BLUEPRINT PICTURES, FILM4, FOX SEARCHLIGHT
Durata: 121
Interpreti: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish

Sono ormai sette mesi che l’adolescente Angela è stata violentata e uccisa nella campagna non lontano dalla sua casa. Mildred, la madre, non si dà pace e per scuotere il torpore della polizia fa affiggere tre grossi cartelli stradali che chiedono a Willoughby, lo sceriffo della contea, perché non ci sia stato finora neanche un arresto. Lo sceriffo è molto apprezzato dalla comunità locale e quei cartelli suonano come un insulto. Quando lo sceriffo si suicida perché ammalato gravemente di cancro, la gente pensa che la colpa del gesto debba ricadere su Mildred …

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Una piccola società rurale vive nella consuetudine alla violenza come unico metodo per farsi rispettare. Un’apologia dell’eutanasia. Un singolo esempio di perdono che viene accettato
Pubblico 
Maggiorenni
Scene di colluttazione violente, turpiloquio, un suicidio
Giudizio Tecnico 
 
Il film è diretto e recitato benissimo. Alcune perplessità sulla sceneggiatura
Testo Breve:

Una donna chiede giustizia per sua figlia violentata e uccisa. Un western moderno ben diretto  dove sono pochi i buoni in un luogo dove la violenza è di casa 

Ebbing è una piccola cittadina del Midwest degli Stati Uniti, con ancora radicate tradizioni razziste, come lascia intendere questo film. “Anche se licenziassimo tutti i poliziotti che picchiano i negri, resterebbero sempre quelli che odiano gli omosessuali”: osserva rassegnato lo sceriffo. Ma il problema non è solo il comportamento dei poliziotti; fra la stessa popolazione vige un principio radicato: se qualcuno ti colpisce o ti insulta, bisogna vendicarsi con la stessa violenza. La prima a comportarsi in questo modo è proprio la protagonista: chi le fa osservare che quei cartelli accusano proprio lo sceriffo che è giusto e rispettoso con tutti, lei risponde con degli insulti (è il caso del sacerdote che viene a trovarla a casa); se qualcuno, dopo la morte dello sceriffo, incendia i suoi tre cartelloni, lei decide di andare di notte a lanciare bottiglie molotov per incendiare il Commissariato di Polizia.  Questa regola generale, della violenza come unico mezzo per far valere le proprie ragioni, viene attenuata da piccoli sprazzi di umanità, che non annullano la regola generale. Il poliziotto che ha buttato giù dalla finestra un giovane chiede perdono del suo gesto, pentimento che viene accettato. La stessa Mildred viene invitata a riflettere: “la rabbia genera solo altra rabbia” è l’osservazione della donna del suo ex marito, che vede in lei non certo un’elaborazione del lutto ma solo la voglia di applicar la legge del “dente per dente, occhio per occhio”.

Al centro del film si colloca il suicidio dello sceriffo ammalato di cancro, la parte più problematica del film. Lo sceriffo ha una moglie che lo ama e due adorabili figlie nei confronti delle quali avrebbe dovuto sentire fino alla fine la sua responsabilità educativa, incluso quello di mostrare che la morte è un fatto naturale, arricchito dall’ esempio di un padre che fino all’ultimo si è dedicato a loro. Non accade così nel film: lo sceriffo si suicida dichiarandolo un “atto di coraggio”. Lui stesso infatti rivela in una lettera l’atteggiamento esistenzialista e materialista che sta alla base del suo gesto: ha cercato di fare in modo che la moglie e le figlie si ricordassero dell’ultima, serena, giornata passata insieme al lago, piuttosto che partecipare alla sua lunga agonia (che sarebbe stato invece, per le figlie, un bellissimo esercizio di carità). 

Il film è diretto e recitato benissimo. Resta qualche perplessità sulla sceneggiatura. Lo sceriffo che si suicida e lascia tre lettere-confessioni ad altrettante persone perché diventino più buone, appare una soluzione troppo teatrale; la “conversione” dell’agente Sam Rockwell che passa da stupido e brutale razzista a fine investigatore alla ricerca onesta del vero colpevole appare troppo brusca e più che di una conversione sembra che ci troviamo di fronte a due persone diverse. Anche il suo trovarsi occasionalmente di notte dentro il commissariato alla ricerca di una lettera proprio quando Mildred lancia le bombe Molotov appare un espediente narrativo alquanto forzato. Resta di positivo, in questo western moderno, la riflessione che invita a fare sul radicamento profondo della violenza nella cultura americana. 

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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MORTO STALIN SE NE FA UN ALTRO

Inviato da Franco Olearo il Mar, 01/09/2018 - 18:24
Titolo Originale: The Death of Stalin
Paese: FRANCIA, GRAN BRETAGNA
Anno: 2017
Regia: Armando Iannucci
Sceneggiatura: Armando Iannucci, David Schneider, Ian Martin (II)
Produzione: QUAD PRODUCTIONS, MAIN JOURNEY, FREE RANGE FILMS, GAUMONT
Durata: 107
Interpreti: Steve Buscemi, Simon Russell Beale, Jason Isaacs, Michael Palin, Andrea Riseborough,Olga Kurylenko

Mosca, 1953. Joseph Stalin si trova nella sua dacia ad ascoltare un disco che ha espressamente richiesto a Radio Mosca dell’ultimo concerto di Mozart, quando cade a terra colpito da emorragia celebrale. Il primo ad accorrere è Beria, capo della polizia segreta, che evita di chiamare subito un dottore nella speranza che finisca di morire. Dopo che sono arrivati anche Kruskev e gli altri membri del Politburo, viene organizzata una riunione improvvisata per decidere quale dottore chiamare al capezzale del dittatore. Il problema non è di facile soluzione perché quelli più validi sono stati tutti giustiziati e non resta che radunare una equipe improvvisata, costituita da dottori in pensione o troppo giovani. Accertato definitivamente che Stalin è morto, iniziano gli intrighi e gli accordi segreti per stabilire chi dovrà essere il successore del dittatore…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film può avere un valore nella misura in cui vengono descritte realisticamente le atrocità a cui può pervenire una dittatura
Pubblico 
Adolescenti
L’atmosfera di violenza e sopraffazione in cui si svolge il racconto non è adatto ai più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Il film eccelle per la ricostruzione di una Mosca anni ’50 e per la bravura degli attori. Discutibile la scelta di fare una satira (ovviamente amara) intorno a quei fatti terribili realmente accaduti
Testo Breve:

Il regista inglese Iannucci, esperto in satire politiche, ricostruisce il momento cruciale della morte di Stalin. Un film ben realizzato che trasforma dei fatti realmente accaduti in una gelida satira della dittatura

Il regista scozzese Armando Iannucci ama parlare del potere e prenderlo in giro con quell’ironia dissacrante e libera che abbiamo conosciuto da altri importanti autori inglesi: i Monty Python. Con la serie televisiva trasmessa dalla BBC The Thick of it , Iannucci metteva in primo piano un fantomatico e inetto ministro di gabinetto totalmente inadatto a quella carica mentre nella serie Veep , trasmessa dalla rete via cavo americana HBO e poi in Italia da Sky Atlantic, abbiamo conosciuto una vice presidente incompetente  che si sentiva sempre molto vicina al potere senza poterlo mai assaporare realmente.
Con questo portafoglio di successi (con il serial americano ha collezionato numerosi Emmy Awards) Iannucci ha guardato con interesse alla graphic novel: La morte di Stalin dei francesi Fabien Nury e Thierry Robin. Si è trattato di un ottimo connubio artistico perché Iannucci è stato capace di riproporre sullo schermo gli effetti cromatici dell’opera cartacea (il rosso delle bandiere in contrasto con il grigio scuro delle divise, i poderosi palazzi bianchi degli anni trenta di Mosca) e la scenografia è forse una delle parti più curate e meglio riuscite del film.

La narrazione mette a fuoco il comportamento di quel manipolo di uomini che si erano conquistati il privilegio di sedersi allo stesso tavolo del potere di Stalin, in quel momento cruciale del 1953, quando il dittatore muore e il regime di terrore messo in piedi rischia di saltare mentre la lotta alla successione  inizia immediatamente senza esclusione di colpi.

Il tema è estremamente serio ed è legittimo domandarsi se sia stato giusto utilizzare lo stile gelido e sarcastico che abbiamo conosciuto con i Monthy Python. Il punto è che i dittatori sono sempre troppo seri e quel genio di Chaplin aveva già capito qual è il miglior modo per prenderli in giro: smontarli nella loro presunzione, rappresentando un dittatore che gioca con il mondo come se fosse una palla. Si tratta in realtà di un confronto non pertinente. Chaplin, stava sviluppando una satira nei confronti di un uomo a lui contemporaneo, come se qualcuno facesse oggi (come accade di fatto) una satira su Trump; le satire in questo modo sono sempre in qualche modo costruttive, perché fanno comprendere, alla persona a cui è destinata, come certi comportamenti non siano apprezzati dai più.  In secondo luogo Chaplin, a quel tempo, aveva del nazismo una conoscenza superficiale. Lui stesso, finita la guerra, dichiarò: "se avessi saputo com'era spaventosa la realtà dei campi di concentramento, non avrei potuto fare Il grande dittatore; non avrei trovato niente da ridere nella follia omicida dei nazisti".

Ecco perché questo film, alla fine, finisce per disturbare: stiamo parlando non di attualità ma di storia, di terribili fatti realmente accaduti, dove non è corretto stabilire quella distanza che si ottiene facendo della satira. Nel film Beria distribuisce continuamente nuove liste di sospettati da fucilare o mandare nei gulag; basta che una persona irriti anche superficialmente Stalin per considerarsi già morto. Il terrore è l’unico movente che spinge le persone ad ubbidire, a subire, a mentire. Non vengono trascurati alcuni fatti realmente accaduti, come la decimazione dei dottori a Mosca e perfino il particolare dell’installazione, sotto il tavolo della sala del Politburo, di un pulsante rosso che venne utilizzato per consentire al generale Georgy Zhukov di fare irruzione, portar via Beria e farlo giustiziare all’istante.

Il film resta comunque di ottima fattura, grazie soprattutto all’ interpretazione tragica e comica al contempo dei protagonisti e alla raffinata scenografia.

Ciò che resta impressa, mirabilmente ricostruita nel film (probabilmente in Computer Grafica) è la folla immensa che avanza silenziosa per rendere omaggio alla salma del loro “padre”. Si tratta di una di quelle immagini che superano il contingente e che ci fanno immergere nei complessi misteri della storia.

Di come un popolo, sicuramente oppresso, abbia saputo riconoscere in lui il salvatore della patria dall’invasione nazista e il traghettamento a un’economia socialista, verso la quale continuava a riporre, a quei tempi, grandi speranze.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL RAGAZZO INVISIBILE - SECONDA GENERAZIONE

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/08/2018 - 23:55
Titolo Originale: Il ragazzo invisibile – Seconda generazione
Paese: ITALIA
Anno: 2018
Regia: Gabriele Salvatores
Sceneggiatura: lessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi, Stefano Sardo
Produzione: INDIGO FILM, CON RAI CINEMA
Durata: 100
Interpreti: Ludovico Girardello, Xenia Rappoport, Galatea Bellugi, Ivan Franek

Michele ha ormai sedici anni ma nonostante la scoperta dei super poteri, la sua vita è sempre la stessa. Pochissimi amici, un amore non corrisposto, la popolarità ai minimi storici. Come se non bastasse, il ragazzo si ritrova a convivere con il senso di colpa per la morte della madre adottiva, Giovanna, scomparsa in un incidente stradale in seguito ad un litigio telefonico proprio con il figlio. La triste monotonia della sua esistenza viene però sconvolta dall’arrivo della sorella e della madre naturale, due Speciali come lui. Il nucleo famigliare quindi si ricongiunge e Michele viene coinvolto in una misteriosa missione…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Sul fronte famigliare il film regala qualche bella emozione (soprattutto nel rapporto tra i due fratelli, così diversi ma già così uniti) mentre dimentica che nessuna ingiustizia subita può giustificare l’odio e la cieca violenza
Pubblico 
Adolescenti
Alcune scene di tensione e di violenza
Giudizio Tecnico 
 
Lo sviluppo risulta a tratti superficiale, alcune svolte sono un po’ meccaniche, la tensione non è mai spinta al massimo e sono pochi i momenti veramente indimenticabili
Testo Breve:

Il ragazzo invisibile sta diventando la prima saga nostrana di super eroi e in questa seconda puntata, debole nella sceneggiatura, una famiglia di superdotati, a somiglianza degli X-Men, costituisce una minoranza  decisa a farsi giustizia con la violenza

Anche per questo secondo film sul ragazzo più “speciale” del cinema italiano, Salvatores si è affidato allo stesso trio di sceneggiatori (1992, La doppia ora), autori anche del romanzo da cui è tratto il primo episodio. Se visivamente però c’è poco da dire perché, senza troppe pretese, regia e post produzione hanno regalato al film una confezione quantomeno godibile (non paragonabile comunque al livello delle grandi produzioni americane di genere), la sceneggiatura lascia qualche perplessità.

La sensazione è che Il ragazzo invisibile – Seconda Generazione, sia un film di passaggio, una sorta di ponte narrativo per i prossimi episodi di quella che, si presume, sarà la prima saga nostrana di super eroi. È un film infatti fortemente incentrato sulle backstory dei personaggi – in particolare su quella di Yelena, la madre naturale di Michele – che ha come obiettivo quello di rimettere insieme i pezzi del puzzle e fornire al pubblico le informazioni necessarie per capire il mondo raccontato e le origini dei protagonisti. Un passaggio necessario, in fin dei conti, per comprendere ferite e motivazioni dei personaggi ma che inevitabilmente toglie spazio alla progressione della storia nel presente.

La conseguenza è che lo sviluppo risulta a tratti superficiale, alcune svolte sono un po’ meccaniche, la tensione non è mai spinta al massimo e sono pochi i momenti veramente indimenticabili. È invece sul fronte famigliare che il film regala comunque qualche bella emozione (soprattutto nel rapporto tra i due fratelli, così diversi ma già così uniti) ma anche qui si ha la sensazione che alcuni nodi vengano sciolti un po’ troppo frettolosamente.

Per quanto riguarda il tema, se il primo film era in sostanza un romanzo di formazione, qui passano in secondo piano i piccoli grandi problemi di un adolescente come tanti, e si va più sull’esistenziale. Si parla quindi di identità, di amore filiale e fraterno, dell’opportunità della violenza. Proprio su questo fronte, anche se certamente non brilla per originalità (tante le somiglianze con i film di genere d’oltreoceano e in particolar modo con la saga degli X-Men), si situa il punto di forza del film e cioè l’assonanza tematica con uno degli argomenti di cronaca che al giorno d’oggi più ci tocca e ci spaventa: il terrorismo.

Infatti la nuova squadra di Speciali presentata in questo film, è una sorta di gruppo armato sovversivo, una minoranza agguerrita decisa a farsi giustizia con la violenza non solo contro i cattivissimi soldati russi (un classico) che li hanno costretti ad anni di reclusione, soprusi ed esperimenti genetici, ma contro l’intero genere umano. Agli occhi di questi superuomini infatti, sono tutti i normali ad essere colpevoli, perché costringono gli Speciali a vivere ogni giorno come emarginati.

Il film quindi regala interessanti spunti di riflessione, seppure senza troppi approfondimenti, su un tema sempre attuale che vale la pena di essere ancora raccontato, oggi più che mai. Perché nessuna ingiustizia subita può giustificare l’odio e la cieca violenza.

Autore: Gabriele Cheli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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TUTTI I SOLDI DEL MONDO

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/08/2018 - 23:12
Titolo Originale: All the Money in the World
Paese: USA
Anno: 2017
Regia: Ridley Scott
Sceneggiatura: David Scarpa (dal libro di John Pearson)
Produzione: LUCKY RED IN ASSOCIAZIONE CON 3 MARYS ENTERTAINMENT
Durata: 113
Interpreti: Michelle Williams, Christopher Plummer, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Duris

Roma, 1973. Il giovane John Paul Getty III, nipote dell’uomo più ricco del mondo, viene rapito. Sua madre Gail precipita nel panico. Il nonno, invece, sembra inizialmente non credere neppure alle richieste di riscatto e manda sul posto il suo esperto di sicurezza, Fletcher Chase, per gestire la situazione. Passano le settimane e i mesi, ma il vecchio magnate si rifiuta di pagare anche quando la situazione diventa seria e così per il giovane Paul le cose rischiano di mettersi molto male…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film mette in scena la miseria umana dell’uomo più ricco del mondo
Pubblico 
Maggiorenni
Scene di tensione e violenza, nudo e una scena di mutilazione
Giudizio Tecnico 
 
Il film è gestito con il solito notevole mestiere da Scott, anche se alla fine la storia fatica un po’ a coinvolgere e la scrittura fa quello che può per complicare le cose Sintesi
Testo Breve:

Nel 1973 viene rapito in Italia, per ottenere un favoloso riscatto, il nipote dell’uomo più ricco del mondo. Il sempre bravo regista Ridley Scott non riesce questa volta a coinvolgere lo spettatore a causa di una sceneggiatura alla ricerca affannosa di continui colpi di scena 

Che i soldi non facciano la felicità è un vecchio adagio che potrebbe riassumere il senso dell’ultimo thriller d’epoca dell’ottantenne ma sempre brillantissimo Ridley Scott, che prende spunto da un caso di cronaca nera italiana del 1973, quando il sedicenne nipote del petroliere più ricco del mondo venne rapito da uomini della ’ndrangheta per chiedere un riscatto faraonico al nonno.

Scott e il suo sceneggiatore scelgono di ricamare ampiamente sui fatti (vedremo come se la caverà Danny Boyle, che dallo stesso episodio ha ricavato una serie in uscita nel 2018), soprattutto nel finale per aumentare suspense e azione.

I soldi non mancano al vecchio Getty, che dell’accumulo di oggetti e opere d’arte sembra aver fatto una ragione di vita, certo per amore della bellezza, ma soprattutto, come capiremo più avanti, per ragioni “fiscali”. La sua casa così simile a un museo (dove troneggia, però, come da leggenda metropolitana, una cabina a gettoni per le telefonate degli ospiti) è per metà un’enorme cassaforte, per l’altra una sorta di mausoleo alla propria straordinaria capacità di guadagnare e mantenere il denaro con sé.

Cosa che gli riesce assai meno bene con i discendenti, di cui pure in qualche modo sente la necessità, visto che nei suoi vagheggiamenti si immagina fondatore di una dinastia, come l’imperatore Adriano di cui si reputa una reincarnazione (scelta curiosa, l’imperatore filosofo amante del bello, per un uomo  del genere…).

Il figlio John Paul Getty II sfugge alla pesante figura paterna finendo a drogarsi in Marocco, mentre la nuora Gail negozia l’affidamento esclusivo dei figli in cambio dell’abbandono di ogni pretesa sul patrimonio di famiglia. E così il giovane Paul cresce (non tra miserie e ristrettezze parrebbe, comunque) nella Roma della Dolce Vita, aggirandosi tra paparazzi, piccole celebrità e prostitute simpatiche (Scott evidentemente non ha paura dei cliché) finché non viene rapito e trasportato nella Calabria più selvaggia da un manipolo di delinquenti. Tra i soliti attori italiani prestati al cinema americano per due battute dimenticabili, spicca l’unica star internazionale, il francese Romain Duris, nei panni di Cinquanta, il membro del gruppo che stabilisce una sorta di rapporto affettivo con il ragazzo.

Per la maggior parte del tempo, però, il film segue i disperati tentativi di Gail di recuperare il figlio, con la collaborazione inizialmente diffidente e poi sempre più coinvolta di Fletcher Chase, il responsabile della sicurezza di Getty e in fondo il personaggio con il percorso più completo nella storia.

Il film è gestito con il solito notevole mestiere da Scott, anche se alla fine la storia fatica un po’ a coinvolgere. Del giovane Paul, nonostante sia la sua voce a introdurci nella storia, continuiamo a sapere troppo poco, mentre la scrittura fa quello che può per complicare le cose a Gail e Fletcher. Non è sempre facile appassionarsi, però, alle richieste di denaro di questa mamma dolente in Chanel, mentre il pubblico italiano potrebbe trovare fastidioso l’auto-doppiaggio dei nostri attori e l’indulgenza americana allo stereotipo del Bel Paese affascinante e corrotto.

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
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VI PRESENTO CHRISTOPHER ROBIN

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/04/2018 - 10:28
Titolo Originale: Goodbye Christopher Robin
Paese: GRAN BRETAGNA
Anno: 2017
Regia: Simon Curtis
Sceneggiatura: Frank Cottrell Boyce, Simon Vaughan
Produzione: Dj Films, Gasworks Media
Durata: 117
Interpreti: Domhnall Gleeson, Margot Robbie, Kelly MacDonald

A.A. Milne ,brillante scrittore traumatizzato dalla Prima Guerra Mondiale, trova una rinascita nel rapporto con il figlioletto e nelle storie che scrive per lui ispirandosi al suo orsacchiotto. Ma l’improvviso successo planetario della sua opera mette alla prova la tenuta della fragile famiglia ed è per Christopher un’eredità complicata da gestire…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Né il protagonista Milne, con i suoi traumi dolorosi e l’ossessione per la pace nel mondo, che non riescono a giustificare del tutto l’egoismo dell’artista, né la moglie, che esaurisce i propri slanci materni in rari momenti di istrionica presenza, sono realmente vicini al loro figlio Cristopher. L’unica che sembra avere un’idea minimamente chiara dei bisogni del ragazzo è la tata
Pubblico 
Pre-adolescenti
Qualche scena di violenza di guerra
Giudizio Tecnico 
 
Incerto tra il classico racconto alla Shakespeare in Love (epitome di un certo modo di raccontare la genesi dell’opera d’arte attraverso la biografia del suo autore) e il dramma familiare strappalacrime, questo omaggio al creatore dell’orsacchiotto di pezza più famoso del mondo si perde per molte strade senza riuscire a seguirne fino in fondo nessuna
Testo Breve:

Come sono nati i libri su Winnie the Pooh, l’orsacchiotto più famoso del mondo? Il film racconta la vita del suo autore e della sua fragile famiglia, che finisce per restare travolta dal successo raggiunto

Incerto tra il classico racconto alla Shakespeare in Love (epitome di un certo modo di raccontare la genesi dell’opera d’arte attraverso la biografia del suo autore) e il dramma familiare strappalacrime, questo omaggio al creatore dell’orsacchiotto di pezza più famoso del mondo si perde per molte strade senza riuscire a seguirne fino in fondo nessuna.

Da un lato A.A. Milne (Domhnall Gleeson, sempre molto bravo), autore umoristico così traumatizzato dalla guerra di trincea da volersi dedicare a un libro contro la guerra e ritirarsi in campagna lontano dalla vita mondana, dall’altro la sua brillante consorte (Margot Robbie, australiana, ma convincentissima come londinese amante della vita di società), che lo vorrebbe autore di successo e che ritiene pressoché esaurita la sua funzione di madre dopo aver partorito il suo erede.

Nel mezzo un bambino, Christopher Robin, affidato alle amorevoli cure di una tata religiosa e affettuosissima, ma inevitabilmente di troppo nel già complicato rapporto tra i genitori.

Finché un giorno il padre, mollato da solo con il pargolo per urgenze familiari della tata e indisponibilità della consorte, scopre che la migliore medicina per il suo disagio sono proprio le storie fantastiche che crea per suo figlio e che hanno per protagonista un avventuroso orso di pezza.

È in questo momento che il film, per il resto condotto con un’onesta ma non indimenticabile regia, cerca un’apertura fantastica che renda lo sguardo fantasioso, innocente e meravigliato sul mondo che ha reso un piccolo orso di pezza un compagno di giochi per tanti bambini.

Fin qui tutto bene, perché poi a complicare le cose interviene l’imprevedibile successo letterario (con tanto di giri promozionali, concorsi e merchandising ante litteram), destinato a lasciare il segno su un bambino che diventa troppo presto solo un personaggio e che al “maledetto orso” deve cedere l’attenzione paterna così faticosamente conquistata trovandosi segnato per la vita da quella notorietà mai cercata.

Né Milne, con i suoi traumi dolorosi e l’ossessione per la pace nel mondo, che non riescono a giustificare del tutto l’egoismo dell’artista (di fatto la sua intera opera letteraria verrà offuscata dai due libri per bambini), né la moglie, che esaurisce i propri slanci materni in rari momenti di istrionica presenza, sono personaggi che destino molta simpatia, neppure quando spasimano per la sopravvivenza del figlio soldato.

Il piccolo Christopher, comprensibilmente, viene fuori piuttosto disturbato e pur di liberarsi della pesante eredità familiare finisce addirittura volontario in guerra allo scoppio del secondo conflitto mondiale.

L’unica che sembra avere un’idea minimamente chiara dei bisogni di Christopher è la tata, che però a un certo punto, esasperata, molla tutti quanti per farsi una famiglia sua.

Quello che emerge è uno strano ritratto di famiglia disfunzionale con artista, in cui l’operazione letteraria è vista di volta in volta come veicolo di catarsi personale, tramite di legami incerti e dolorosi, operazione commerciale senza scrupoli, o catalizzatore di una grande consolazione collettiva di fronte ai traumi di una generazione.

Perso in queste troppe suggestioni il film finisce talvolta per diventare un po’ noioso nei suoi snodi e a tratti involontariamente ridicolo dove vorrebbe essere sinceramente drammatico. 

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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NATALE DA CHEF

Inviato da Franco Olearo il Lun, 12/18/2017 - 15:36
Titolo Originale: Natale da chef
Paese: ITALIA
Anno: 2017
Regia: Neri Parenti
Sceneggiatura: Alessandro Bencivenni, Gianluca Bomprezzi, Domenico Saverni, Neri Parenti
Produzione: MARI FILM, IDEACINEMA
Durata: 105
Interpreti: Massimo Boldi, Dario Bandiera, Enzo Salvi, Paolo Conticini, Biagio Izzo, Rocio Munoz Morales; Francesca Chillemi

Gualtiero Saporito è convinto di essere un grande cuoco. In realtà tra pentole e fornelli combina un disastro dopo l’altro, al punto da mettere in serio pericolo la sopravvivenza del ristorante gestito con la moglie Beata. La donna quindi, per il bene della famiglia, decide di “licenziare” il marito. Gualtiero però non demorde e, determinato ad avere la sua rivincita, cerca fortuna altrove. Sembra trovarla subito grazie a Furio Galli, un losco individuo che per ripianare i debiti della sua ditta di catering, deve perdere la gara d’appalto per il prossimo G7. Per raggiungere l’obiettivo nessuno è più adatto di Gualtiero, che sembra davvero il peggiore chef in circolazione. Al suo fianco, a completare la squadra di “invincibili”, un aiuto cuoco che ha perso il senso del gusto, un sommelier astemio e una sedicente pasticcera, la cui unica attitudine dolciaria è quella di uscire a sorpresa dalle torte…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Rispetto alle origini del genere, adesso i cinepanettoni sono tendenzialmente più “castigati”, nella rinuncia ad esibire nudità o scene di sessualità esplicita, ma la comicità è immancabilmente pruriginosa e fioccano ad ogni minutaggio e latitudine doppi sensi a sfondo sessuale
Pubblico 
Adolescenti
Turpiloquio, allusioni sessuali.
Giudizio Tecnico 
 
La scrittura è efficace solo in rari sprazzi di comicità, il plot è scarno e i personaggi sono bidimensionali. La regia è ovviamente essenziale, statica e datata, ma d’altra parte ha il merito di valorizzare la libertà espressiva degli attori, vere e proprie maschere, che portano in scena gli eterni conflitti che contraddistinguono il nostro paese: nord contro sud, ricchi contro poveri, onesti contro disonesti.
Testo Breve:

Un film onesto che, come tutti i cinepanettoni, rispetta le aspettative (basse) del pubblico, e perché no, strappa anche qualche sorriso

Come si evince dal titolo, l’ambientazione culinaria di Natale da Chef è la ragion d’essere del film che per il resto presenta i più tradizionali, e per questo rassicuranti ingredienti che da decenni caratterizzano la ricetta dei cinepanettoni, per usare una quanto mai calzante metafora gastronomica.

Non è necessario essere cultori del genere per capire che anche questa non sia una scelta particolarmente originale (anche in A Natale mi sposo, sempre prodotto dalla Mari Film di Boldi, l’attore milanese interpretava un cuoco) ma d’altra parte si rivela un’esca efficace in un paese che negli ultimi anni, tra talent, reality e trasmissioni televisive, si è scoperto popolato da milioni di aspiranti cuochi.

Il risultato è un film onesto che, come tutti i cinepanettoni, rispetta le aspettative (basse) del pubblico, e perché no, strappa anche qualche sorriso. Ovviamente con un occhio sempre più rivolto al botteghino piuttosto che alla qualità, a cominciare dal solito cast allargato che, senza nulla togliere alla bravura degli attori, sembra studiato a tavolino per attirare il pubblico di ogni età, genere e provenienza geografica. E allora oltre ai soliti e consolidati Boldi, Salvi e Izzo, ormai una sorta di certificato di appartenenza al genere, troviamo l’immancabile quota rosa, con le televisive Rocio e Chillemi, e la sempre efficace Milena Vukotic, che fa da gancio alla tradizione della commedia italiana, interpretando una vedova sommessa e castigata che tanto ricorda l’indimenticabile Pina Fantozzi.

Per il resto, come dicevamo, la qualità è quella che è. La scrittura è efficace solo in rari sprazzi di comicità, il plot è scarno e i personaggi sono bidimensionali. La regia è ovviamente essenziale, statica e datata, ma d’altra parte ha il merito di valorizzare la libertà espressiva degli attori, vere e proprie maschere, che portano in scena gli eterni conflitti che contraddistinguono il nostro paese: nord contro sud, ricchi contro poveri, onesti contro disonesti.

Alla fine forse il punto di forza dei cinepanettoni sta proprio in questo, e cioè che sono sempre profondamente attuali nel loro raccontare mode, tendenze e personaggi protagonisti del proprio tempo (“indimenticabile” la scena in cui i potenti del G7 rigettano le pietanze cucinate da Gustavo), sempre con leggerezza (leggi superficialità) e un po’ di pepe. C’è da dire che rispetto alle origini del genere, adesso sono tendenzialmente più “castigati”, nella rinuncia ad esibire nudità o scene di sessualità esplicita, ma la comicità è immancabilmente pruriginosa e fioccano ad ogni minutaggio e latitudine doppi sensi a sfondo sessuale. Per questo, nonostante qualcuno abbia provato a sdoganarli, rimangono film poco adatti alle famiglie.

Autore: Gabriele Cheli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA RUOTA DELLE MERAVIGLIE

Inviato da Franco Olearo il Dom, 12/17/2017 - 22:39
Titolo Originale: Wonder Wheel
Paese: USA
Anno: 2017
Regia: Woody Allen
Sceneggiatura: Woody Allen
Produzione: PERDIDO, AMAZON STUDIOS, IN ASSOCIAZIONE CON GRAVIER PRODUCTIONS
Durata: 101
Interpreti: Kate Winslet, Jim Belushi, Justin Timberlake, Juno Temple

Negli anni Cinquanta, Ginny (Kate Winslet), barista quarantenne con un passato mitico di attrice, vive col secondo marito Humpty (Jim Belushi) e il figlio di prime nozze, nel Luna Park di Coney Island, ormai prossimo alla decadenza. La donna conduce una quotidianità insostenibile, afflitta dalla piromania del figlio e dalla tendenza all’alcolismo del marito. Si rifugia così in una relazione avventurosa con un giovane bagnino che vuole diventare drammaturgo, Mickey. Ma quando la figlia di Humpty, in fuga dal marito gangster, viene a rifugiarsi a Coney Island, i conflitti sopiti della vita di Ginny esplodono.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Una donna è incapace di contrastare le passioni indotte dalla sua fragilità. Un uomo riesce a esprimere, anche nei momenti più difficili, un amore goffo ma autentico. Sedurre una donna sposata non costituisce un problema
Pubblico 
Maggiorenni
Alcune scene a contenuto sessuale, turpiloquio, violenza verbale in famiglia. Situazioni familiari disordinate
Giudizio Tecnico 
 
Woody Allen conferma la sua eccellenza nella narrazione tragica, impreziosita dalla fotografia di Storaro e sostenuta dalle eccellenti interpretazioni del cast
Testo Breve:

Un vedovo e una donna divorziata hanno unito le loro debolezze per sostenersi a vicenda ma l’amore è un’altra cosa e la tragedia è dietro l’angolo. Woody Allen conferma di essere un grande narratore di tragedie, sostenuto dall’ottima interpretazione di Kate Winslet 

Molti anni dopo il capolavoro Match Point, Woody Allen abbandona finalmente gli stanchi divertissement e ritorna a una dimensione in cui sa eccellere, la tragedia.

La ruota delle meraviglie si rivela un film complesso e pieno, compendio di più anime del regista, accese da una grazia che la fotografia di Storaro (alla sua seconda collaborazione con Allen dopo Café Society) e le eccellenti interpretazioni del cast sanno garantire.

Se all’inizio la voce narrante scanzonata del bagnino Mickey (Justin Timberlake) e il ricorso alla metanarrazione assicurano il distacco ironico alleniano, la vena tragica cresce e finisce per travolgere tutto.

Kate Winslet, in una delle sue interpretazioni migliori, incarna una figura femminile potentissima, donatrice di vita e di morte, condensando l’immagine alleniana della donna nevrotica e qualcosa di più antico e profondo, che ricorda Medea ma soprattutto Blanche di Un tram chiamato desiderio. Allen racconta la tragicità dei rapporti umani, cui in Interiors applicava il filtro rarefatto del maestro Bergman, con un nuovo linguaggio, ispirato stavolta ai grandi classici del teatro americano, da Williams a O’Neill, tessendo una trama preziosa di rimandi colti, mai gratuiti o stantii. Ma il regista non si limita a un codice univoco, molte sono le incursioni da diverse fasi della sua carriera, come la figura tragicomica del bambino piromane che, retaggio di spassose ricostruzioni autobiografiche (da Amore e Guerra a Io e Annie), accende un fuoco simbolico della rivolta tenace contro la vita matrigna e crudele.

Il fuoco, del resto, abilmente rincorso da una fotografia miracolosa, ammanta dei suoi colori l’intera immagine della Winslet, diventando codice simbolico dell’illusione, del pathos teatrale continuamente smorzato dalla prosaicità della vita. Un blu livido inghiotte i volti degli attori quando l’esistenza si rivela in tutta la sua sgraziata crudezza.

Il nichilismo disperato di Allen pervade ogni fotogramma di un’amarezza dolorosa, eppure preferibile al giocoso cinismo del Basta che funzioni. Quando il regista ammette onestamente che nulla basta, la sua arte si fa più potente e vera. Tanto che il suo nichilismo non si chiude su se stesso ma lascia spiragli.

Un matrimonio senza poesia, il logorio delle mansioni casalinghe e delle discussioni quotidiane, hanno il volto empatico e irresistibile di Jim Belushi, un Karenin umanissimo, logorato dalla vita eppure ancora capace di un amore goffo, che, anche se non sembra, rimane amore.  E quando Storaro fa calare il sipario di una luce livida e disillusa sul matrimonio di Ginny e Humpty potremmo miracolosamente trovarci a chiedere se, in quella frustrata quotidianità priva di pathos in cui le persone rimangono insieme quasi per disperazione, in fondo in fondo qualcosa di piccolo ma vero non sia del tutto da buttare.

Autore: Eleonora Recalcati
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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MAGGIE & BIANCA FASHION FRIENDS

Inviato da Franco Olearo il Dom, 12/17/2017 - 22:12
Titolo Originale: Maggie & Bianca Fashion Friends
Paese: ITALIA
Anno: 2016
Regia: Yuri Rossi, Paolo Massari
Sceneggiatura: ideatore: Iginio Straffi; sceneggiatura: Marco Rossi
Produzione: Rainbow
Durata: tre serie dal 2016 al 2017, 78 puntate di 24 mnuti su Rai Gulp
Interpreti: Emanuela Rei, Giorgia Boni, Sergio Ruggeri, Luca Murphy:

Maggie è un’adolescente che dagli U.S.A. è arrivata a Milano per frequentare una prestigiosa scuola di moda, con la possibilità di realizzare un sogno coltivato da tempo. Bianca Bissi si è iscritta alla stessa scuola per motivi diversi: è figlia di un imprenditore italiano che opera nel settore della moda e il suo obiettivo è quello di imparare i “ferri del mestiere” per poi affiancare, un giorno, suo padre.  Le due ragazze sono molto diverse: Maggie è simpatica e allegra, mentre Bianca appare viziata e distaccata. Sono però accomunate da un’infelice situazione familiare: Maggie non ha mai conosciuto suo padre mentre Bianca ha un padre che la trascura continuamente per i suoi affari. I loro primi incontri sono solo degli scontri ma il destino riserverà per loro un’insolita sorpresa. Altri ragazzi frequentano la scuola: Quinn, che aspira a diventare un grande fotografo, Jacques, un altro figlio di papà che si atteggia a scettico blu (a cui Maggie non è insensibile), Nausica che, forse per invidia, fa continui dispetti alle due ragazze. La scuola è impegnativa e, divisi in squadre, i ragazzi sono invitati competere continuamente, per tirar fuori il meglio di loro stessi.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un serial di intrattenimento dove si sviluppa un buon senso di solidarietà fra dei giovani ma è carente nella descrizione di effetti familiari
Pubblico 
Pre-adolescenti
Giudizio Tecnico 
 
Il prodotto è ben confezionato, le protagoniste sono convincenti e le parentesi musicali sono di buona qualità
Testo Breve:

Maggie e Bianca si conoscono a Milano in una scuola di moda. Ballano e cantano per la delizia delle spettatrici più piccole che vengono precocemente addestrate al consumismo della moda. In fondo anche Chiara Ferragni è stata bambina  

La bambola Barbie è stata immessa nel mercato nell’ormai lontano 1959. Si è trattato di una vera e propria rivoluzione (si calcola che siano state vendute finora più di un miliardo di Barbie in150 nazioni): le bambine non venivano più invitate a stimolare il loro istinto materno trastullandosi con dei bambolotti ma a proiettarsi nel futuro come donne indipendenti, eleganti e sexy (la distribuzione della Barbie è stata vietata in Arabia Saudita). Si può dire che da quel momento la produzione di gadget e di programmi televisivi dedicati alle ragazze nella fascia 6-13 anni è stata inarrestabile. In particolare le fiction TV a loro dedicate hanno avuto alcune irrinunciabili caratteristiche: una protagonista femminile impegnata a scatenarsi in canti e balli sullo sfondo di un ambiente scolastico.

Occorre comunque distinguere fra serie come High School Musical e Alex & Co che hanno avuto un target più alto (storie di adolescenti destinate ad adolescenti, quindi con un maggiore realismo nella rappresentazione del contesto e dei personaggi) e altre destinate alle più piccole, come le telenovele sudamericane di Violetta e Soy Luna (attraverso Disney Channel).

Ora ci ha provato l’italianissima casa di produzione Rainbow, che dopo il successo della serie animata delle fatine Winx (sexy appunto come delle Barbie), ha concepito (grazie a quel genio del marketing che è il suo ideatore Igino Staffi)  questa nuova  fiction dove accanto al tema delle canzoni se ne è affiancato un altro altamente stimolante per questa fascia di età: la moda.

I personaggi sono identificati per certe tipizzazioni molto evidenti, (Maggie dice Goody! quando è contenta e inizia subito a contare quando è arrabbiata) che restano invariati nello sviluppo delle puntate proprio per costituire un riferimento sicuro a un pubblico poco abituato a complesse psicologie; il tono è farsesco, macchiettistico, si litiga spesso ma le litigate non sono mai una cosa seria, proprio come succede fra i più piccoli.  L’utilizzo del cellulare per accedere al proprio blog è continuo e  il problema più importante è quello di non veder ridotto il numero di “like”.

Il contesto di riferimento è quello di un’Italia industriale avanzata, non solo perché la serie è ambientato a Milano, ma perché i ragazzi sono sollecitati a sostenere continue prove, per abituarsi a un ambiente altamente competitivo. Alla fine i ragazzi dimostreranno di fare squadra e nasceranno i primi amori ma spesso fragili perché, basta la scoperta di un risvolto sconosciuto del carattere, per lasciarsi (ma magari per riavvicinarsi dopo poco).

Risulta sgradevole, proprio per il target a cui è destinato, la mancanza di un rapporto fra genitori e figli non solo perché la storia vede all’inizio due ragazze ignare di chi sia uno dei due  genitori ma anche perché quando finalmente sono stati trovati, sono  genitori la cui unica funzione è quella di  “regalare” qualche cosa, qualche altro pezzo del loro sogno.

Sono state finora sviluppate tre stagioni su Rai Gulp , da agosto 2016 a dicembre 2017 e intanto la macchina del marketing viaggia da tempo a tutto vapore: le canzoni  sono tutte in inglese già raccolte in album; su youtube ragazzine di 12-13 anni aprono le scatole dei nuovi gadget (bambole, cuffie, chitarra, cosmetici, magazine ..) mentre sta avendo un notevole successo il tour nei teatri Italiani del live event  Maggie & Bianca Fashion Friends.

Le puntate scorrono veloci e con allegria. Non ci si preoccupa di tratteggiare con realismo il mondo degli adolescenti (nella realtà molto più insidiato da insicurezze e indecisioni) dato il pubblico a cui si è rivolto ma proprio per questo carente di contesti familiari. Sembra un prodotto che serve poco a educare ma piuttosto ad affettare l’inserimento delle ragazzin, al modo del consumismo della moda. In fondo anche Chiara Ferragni è stata bambina.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LOVELESS

Inviato da Franco Olearo il Mar, 12/12/2017 - 09:44
Titolo Originale: Nelyubov
Paese: Russia, Francia, Belgio, Germania
Anno: 2016
Regia: Andrey Zvyagintsev
Sceneggiatura: Oleg Negin, Andrey Zvyagintsev
Produzione: NON-STOP PRODUCTIONS, WHY NOT PRODUCTIONS, ARTE FRANCE CINÉMA, WESTDEUTSCHER RUNDFUNK, LES FILMS DU FLEUVE, FETISOFF ILLUSION, SENATOR FILM PRODUKTION
Durata: 128
Interpreti: Mariana Spivak, Alexey Rozin, Matvey Novikov, Marina Vasilyeva, Andris Keishs

Boris e Zhenya sono al capolinea della loro storia matrimoniale; entrambi si stanno rifacendo una vita con un altro partner (Boris aspetta perfino un figlio dalla nuova compagna), la casa è in vendita, le strade pronte a dividersi senza troppi rimpianti. C’è solo un particolare stonato in questa sinfonia della disunione, ed è la scomoda presenza del figlio dodicenne, Alyosha. Nessuno dei due sembra disposto a prendersene cura, ora che finalmente sono pronti a ricominciare da un’altra parte, per cui l’unica soluzione pare essere l’orfanotrofio. Alyosha, ascoltando malauguratamente stralci di un dialogo tra i due, comprende il proprio destino e decide di uscire silenziosamente di scena, socchiudendo la porta senza fare rumore e facendo perdere le sue tracce

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il valore di questo film è positivo perché il male viene rappresentato esattamente come male. Viene mostrata una umanità violata dove nessuno ama davvero nessuno, dove ognuno è solo, in balia del proprio istinto quanto del proprio cellulare e i due protagonisti cedono alla spirale dell’odio, non offrendo mai la spalla l’uno ll’altra, anche quando ne avrebbero un disperato bisogno
Pubblico 
Maggiorenni
Scene di sesso esplicite, scene di forte tensione
Giudizio Tecnico 
 
Il regista Zvyagintsev ci restituisce una società disintegrata nello spirito e negli affetti, e lo fa con una perizia quasi chirurgica, per cui non c’è inquadratura o dialogo di troppo
Testo Breve:

Una coppia si è separata e nessuno dei due è disposto a prendersi cura del figlio dodicenne.  Il regista Zvyagintsev ci restituisce una società disintegrata nello spirito e negli affetti, e lo fa con una perizia quasi chirurgica

Il film si apre con alcune scene che ritraggono un parco alle porte di Mosca, carico di neve e silenzio. Bianco, vuoto e un silenzio assordante caratterizzano le primissime inquadrature, dettagli che non riusciamo a dimenticare nel corso della storia. L’esistenza del piccolo Alyosha rispecchia queste caratteristiche; scialba e insignificante agli occhi dei genitori, vuota di affetti, talmente flebile da non poter essere percepita. Un inconsistente nastro di plastica sventolante, aggrappato senza energia, quasi fortuitamente, ai rami di un albero. A fare da contrasto, nelle scene successive, ci sono gli insulti e le minacce che i due genitori si vomitano addosso reciprocamente, dense di livore ed egoismo. A partire dall’inquietante scomparsa del figlio i due non faranno altro che litigare, scagliarsi addosso le reciproche mancanze e responsabilità. Quasi a voler confermare che il dolore non per forza riunisce, ma laddove i rapporti sono stati spezzati tra accuse e rivendicazioni non c’è possibilità di recupero, e il dolore può solo distruggere ciò che l’egoismo aveva prima incrinato. Nessuna redenzione quindi, nessuna catarsi. I due protagonisti cedono alla spirale dell’odio, non offrendo mai la spalla l’uno all’altra, anche quando ne avrebbero un disperato bisogno. Nella scena più drammatica di tutta la storia, infatti, quando entrambi si trovano all’obitorio, e devono verificare se il corpo celato sotto il telo appartenga o no al figlio, non uno sguardo, un abbraccio, una richiesta di aiuto viene indirizzata dall’uno nei confronti dell’altro. Questa coppia un tempo feconda, capace di mettere al mondo un bambino, si ritrova nel tempo, schiacciata dal peso delle proprie incomprensioni, sterile. Non più in grado di infondere affetto e tenerezza verso l’altro. Tantomeno di offrire il perdono.

Il regista Zvyagintsev ci restituisce una società disintegrata nello spirito e negli affetti, e lo fa con una perizia quasi chirurgica, per cui non c’è inquadratura o dialogo di troppo. Contro questa umanità violata dove nessuno ama davvero nessuno, dove ognuno è solo, in balia del proprio istinto quanto del proprio cellulare (degna di nota l’insistenza con cui ritrae i protagonisti con il telefono in mano) e dove l’esistenza dell’altro non ha valore, dignità, peso specifico, si staglia, implacabile, il giudizio di Zvyagintsev. L’unica eccezione, insieme ad Alyosha, piccolo martire dell’egoismo contemporaneo, è rappresentata dalla squadra di volontari, che si prodigano per il ritrovamento del bambino in modo del tutto disinteressato. Dietro l’anonimato di questi individui si celano gli unici barlumi di sentimenti autentici, che rendono tale l’essere umano, quasi a lasciar intendere che l’uomo di oggi ha pagato l’acquisto della propria individualità con la perdita della propria umanità. 

Autore: Miriam Farabegoli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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