Drammatico

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FALLING INN LOVE - RISTRUTTURAZIONE CON AMORE

Inviato da Franco Olearo il Lun, 10/21/2019 - 14:43
 
Titolo Originale: Falling Inn Love
Paese: USA
Anno: 2019
Regia: Roger Kumble
Sceneggiatura: Elizabeth Hackett, Hilary Galanoy
Produzione: MarVista Entertainment
Durata: 98 su Netflix
Interpreti: Christina Milian, Adam Demos, Jeffrey Bowyer-Chapman

Gabriela è un architetto di San Francisco, appassionata alla nuova edilizia ecologica ma proprio quando sta per proporre il suo progetto per un palazzo fortemente innovativo, il suo studio fallisce. Le cose si mettono male: non riesce a trovare un nuovo studio che la assuma e siccome non può più permettersi l’appartamento dove è vissuta finora, chiede al suo ragazzo Dean di andare a vivere con lui. Dean rifiuta perché non vuole rinunciare alle sue comodità da scapolo e a questo punto Gabriela accetta di prendersi cura di una villa in Nuova Zelanda che ha vinto con un concorso. Dopo aver attraversato il Pacifico, scopre con orrore che la villa è in rovina, abbandonata da anni. A questo punto decide di ristrutturarla, venderla e poi tornare a S Francisco. Per fortuna gli abitanti della cittadina vicina sono tutti gentili, incluso Jake, un ragazzo del posto tuttofare…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film sviluppa bene il valore delle relazioni umane fra coniugi, amici, cittadini e l’importanza di contesti tranquilli dove ci sia tempo per esse. Anche chi è "il cattivo" si accorge di aver sbagliato
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Non ci sono molti colpi di scena ma il racconto ha la forma di un cono che converge verso il prevedibile lieto fine. Ci si poteva aspettare un migliore sviluppo della relazione amorosa
Testo Breve:

Lei è una esuberante architetta in carriera di San Francisco, lui un artigiano edile della Nuova Zelanda poco espansivo. Il contrasto sarà molto fecondo.

Questa storia è una storia d’amore (di quelle nelle quali entrambi cercano l’altra metà con cui trascorrere insieme il resto della loro vita) ma una storia moderna. Moderna nel senso che viene affrontato un tema molto attuale: che lui e lei lavorano e provengono da ambienti culturali diversi. Strano a dirsi, questo film non è ricavato da un romanzo di Nicholas Sparks; eppure le caratteristiche ci sarebbero tutte. I protagonisti sono due bravi ragazzi abituati a riflettere, padroni dei se stessi e, stranamente rispetto al panorama della produzione attuale, senza vizi o dipendenze da droga.  C’è anche qui qualcosa che li separa (in Dear John è la guerra in Afganistan, in La memoria del cuore è la perdita della memoria da parte di lei; in La risposta è nelle stelle lui è un agricoltore mentre lei ha vocazioni artistiche) ma anche, incredibile a dirsi, proprio come nell’ultimo film citato, c’è un “effetto  confronto” verso  un amore vissuto da una coppia della generazione precedente, ricostruita attraverso la scoperta di un epistolario amoroso, né manca la frase simbolo per questa tipologia di film: “tutto accade per una ragione” che non è il fatalismo pessimista di Woody Allen ma è quella fiducia provvidenziale così presente nei film ricavati dai romanzi di Nicholas Sparks.

Siamo insomma dalle parti dello stesso tipo di amore ma ci sono anche significative differenze: in questo Falling Inn Love prevale la componente comica, giocata sulle spalle della metropolitana Gabriela che poco si adatta alla vita di una piccola cittadina sperduta nella verde campagna neozelandese. Il racconto sviluppa inoltre due possibili amori soggetti a una lunga gestazione perché difficili da maturare: quello fra lui e lei, (continuerà Gabriela a tener saldo il suo proposito di tornare a San Francisco? e quello fra la cittadina Gabriela e la gente che vive in una piccola realtà rurale. Il film sviluppa molto i risvolti di quest’ultimo tema, sottolineando come il piccolo è bello: come tutti conoscano tutti, sappiano tutto di tutti ma anche come siano pronti a riunire le forze quando c’è qualcuno di loro in difficoltà. Se la tematica delle professioni differenti era già presente in La risposta è nelle stelle e veniva risolta in modo pragmatico, qui la scelta è radicale: lei deve decidere se vivere in un contesto sicuramente meno stimolante professionalmente. Questa seconda scelta finisce per diventare predominante rispetto allo sviluppo dell’amore fra i due, anche perché la progressione del loro rapporto non è ben sviluppata (e questo è indubbiamente un difetto) e il bel Jake (Adam Demos) sembra irrigidito nella parte. Per converso il dilemma fra San Francisco e la Nuova Zelanda finisce per assumere i toni di una vera scelta di vita, fra il vivere alla ricerca della carriera e la propria affermazione oppure considerare più importante il coltivare con calma le relazioni umane.

Alla fine il film, da love story, si trasforma in una elegia bucolica.

Il film è disponibile su Netflix

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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FIRE SQUAD - INCUBO DI FUOCO

Inviato da Franco Olearo il Sab, 07/13/2019 - 20:54
 
Titolo Originale: Only the Brave
Paese: USA
Anno: 2017
Regia: Joseph Kosinski
Sceneggiatura: Ken Nolan, Eric Warren Singer
Produzione: Black Label Media, Conde Nast Entertainment, Di Bonaventura Pictures
Durata: 133 su PRIMEVIDEO
Interpreti: Josh Brolin, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jeff Bridges

La squadra antincendio del municipio di Preston, Arizona, guidata da Eric Marsh, era determinata da anni a farsi certificare come unità “hotshot”, unità speciale dei Servizi Forestali incaricata di spegnere gli incendi delle foreste. Eric ha una vera passione per il suo mestiere ma il suo stare per lungo tempo fuori casa ha finito per creare non pochi atriti con la moglie Amanda. Entrambi si amano profondamente ma lei ha preferito non avere figli, perché sa che la vita del marito è legata a un filo. Sarà anche per questo che Eric finisce per accettare come recluta, contro ogni logica, il giovane Brendan, tossicodipendente, arrestato in passato per furto, che ora è deciso a cambiar vita perché ha avuto una bambina dalla sua ex ragazza e finalmente sente di avere uno scopo nella vita....

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Un forte cameratismo pervade i componenti della la squadra, sempre pronti ad aiutarsi l’uno con l’altro, sia al lavoro che nella vita privata. L’amore coniugale e la famiglia sono i veri valori, insieme allo spirito di squadra, che danno un senso alla propria vita
Pubblico 
Adolescenti
Linguaggio scurrile, una situazione (superata) di dipendenza dalla droga.
Giudizio Artistico 
 
Molto vera la coppia costituita da Josh Brolin e Jennifer Connelly; particolarmente efficaci le sequenze del fuoco che divampa nei boschi; un po’ di retorica nell’esaltare il valori del cameratismo e della famiglia
Testo Breve:

Eric è un appassionato capo squadra compiere impegnato a spegnere il fuoco nei boschi. Dirige un’ottima squadra che ha accumulato molti meriti ma i rapporti con la moglie, che lo vede troppo poco, sono molto tesi. Una storia di eroismo e di affetti familiari

Il telefono squilla. C’è un incendio sulle montagne vicine. Tutta la squadra si raduna in poco tempo, indossa la pesante attrezzatura e con le jeep raggiunge il punto di raccolta. Il comandante dell’operazione, di fronte a una mappa, fa un breve breafing della situazione, assegna a ogni squadra un compito preciso e subito dopo tutti si incamminano verso i punti assegnati. Questo modo di procedere rimanda inevitabilmente ai tanti film di guerra americani che avevano invaso le nostre sale negli anni ‘50-’60, come quelli sui piloti delle portaerei impegnate nella guerra del Pacifico: appena il comandante, nella sala strategica, aveva finito di illustrare su di una mappa gli obiettivi della missione, gli eroici piloti scattavano verso i loro aerei e in pochi minuti, con l’aiuto di potenti catapulte, venivano lanciati nel blu del cielo e del mare. Scene in zona di guerra si alternavano a parentesi private: chi andava a trovare la moglie e i figli, chi la fidanzata. Se poi qualcuno tornava sulla portaerei raggiante perché la sua ragazza aveva accettato di sposarlo, allora lo spettatore iniziava a tremare: sicuramente sarebbe morto nella missione successiva.
Non si può negare che un po’ di enfasi ci sia anche in questo film ora disponibile su PRIMEVIDEO ma è ben poca cosa rispetto ai tanti suoi pregi: innanzitutto la storia è assolutamente vera e ogni commozione che suscitano le gesta di questi veri eroi è pienamente giustificata; il contesto in cui vivono, Il modo in cui parlano, risulta molto realistico, frutto della consulenza dei testimoni dei fatti narrati. I dialoghi sono spesso scurrili, da caserma, tipici di chi vive a lungo fianco a fianco e qualche battuta divertente serve ad allentare la tensione di fronte a un pericolo sempre in agguato. Il nonnismo che viene esercitato sulle reclute ancora incerte, ha la funzione di forgiarli per un mestiere dove ogni disattenzione può risultare fatale. Quando poi si trovano di fronte al fuoco affiora il valore del loro cameratismo; nessuno è lasciato, solo nessuno è lasciato indietro.
Il fuoco è il vero, silenzioso, onnipresente, protagonista della storia,: imprevedibile nella direzione che prende, avanza minaccioso (magnifiche le sequenze sulle montagne) a una velocità elevatissima e distrugge tutto quello che trova. L’immagine-simbolo dell’orso diventato una torcia vivente che corre all’impazzata, è impressionante.
La famiglia è l’altro valore esaltato dal film. Lo riconosce lo stesso Eric che ha organizzato una festa in casa sua con tutti i compagni di squadra e le loro famiglie per festeggiare la nomina a Hotspot: “sono grato a tutti voi; la squadra, le famiglie: e’ importante che tutti noi restiamo uniti e che ci si aiuti a vicenda. Senza il vostro aiuto (lo dice rivolto ai familiari) non possiamo farcela”. Le scene che ci mostrano la forte intesa fra Eric e Amanda, nonostante le continue incertezze che debbono affrontare, sono forse fra le migliori sequenze di amore coniugale che sono apparse al cinema degli ultimi anni. Non riveliamo certo il finale ma la commozione che inevitabilmente ci colpirà sarà pienamente giustificata. Ci resta solo  un po’ l’amaro in bocca di fronte a quel senso di impotenza che ci trasmette il film, di fronte all’imperscrutabilità del fato, come quando il vento  cambia improvvisamente la direzione del fuoco.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL RAGAZZO CHE CATTURO' IL VENTO

Inviato da Franco Olearo il Ven, 07/12/2019 - 20:51
 
Titolo Originale: The boy who harnessed the wind
Paese: Regno Unito
Anno: 2019
Regia: Chiwetel Ejiofor
Sceneggiatura: Chiwetel Ejiofor, William Kamkwamba
Produzione: Netrflix
Durata: 113
Interpreti: Chiwetel Ejiofor, Maxwell Simba, Felix Lemburo

Malawi, 2001. In un villaggio di questo paese fra i più poveri dell’Africa vive William, un quindicenne che ha un’ottima propensione agli studi e il padre Trywell gli paga volentieri la retta scolastica, anche se ciò incide pesantemente sulle loro modeste entrate, legate alla cultura del tabacco. In quello stesso anno si abbatte sul paese una pesante carestia: il governo non riesce a fornire sufficienti aiuti e Trywell non è più in grado di pagare la retta scolastica del figlio. William non si dà per vinto e riesce ad ottenere il permesso di frequentare la biblioteca scolastica: la sua ambizione è costruire un mulino a vento che fornisca l’energia elettrica necessaria per estrarre l’acqua dei pozzi, indispensabile per non perdere i raccolti...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film è un ottimo spunto di riflessione per l’educazione dei figli ricordando loro quanto sia importante studiare e avere i mezzi per potenziare le proprie capacità. Un modello di famiglia esemplare dove ognuno, con sensibilità diverse e nell’ambito del proprio ruolo, contribuisce al bene di tutti. Il padre di famiglia, profondamente buono e onesto, non si lamenta per le calamità che colpiscono la famiglia ma ripone la sua fiducia nella provvidenza divina.
Pubblico 
Pre-adolescenti
Una scena dove due donne rischiano di subire un atto di violenza, potrebbe impressionare i più piccoli
Giudizio Artistico 
 
Straordinaria e commovente l’interpretazione di Chiwetel Ejiofor e del giovane Maxwell Simba. Al su primo lungometraggio, il regista e sceneggiatore Ejiofor mostra di essersi attenuto alla solida, classica, scuola di Hollywood: ogni scena ha una sua precisa funzione, momenti intimi si alternano a concitate scene di massa e i personaggi si trasformano progressivamente in seguito alle esperienze che debbono affrontare
Testo Breve:

La storia vera di un ragazzo di quindici anni del Malawi, che riesce a progettare un mulino a vento, indispensabile per superare la carestia che affligge il suo villaggio, diventa un bellissimo racconto di solidarietà, di intraprendenza e del potere di riscatto dell’istruzione

Il film è tratto dal libro The boy who harnessed the wind di William Kamkwamba. È stato proiettato per la prima volta durante il Sundance Film Festival ed è disponibile su Netflix. Dopo 12 anni schiavo (Oscar e Golden Globe per miglior film), Chiwetel Ejiofor (candidato agli Academy Award come miglior attore protagonista per il medesimo film) fa il suo esordio alla regia e alla sceneggiatura con questo film che costituisce una felicissima sorpresa sotto molti aspetti. Innanzitutto fa molto bene a noi occidentali, abituati a sprecare e a scartare, perché con il suo elevato realismo, ci fa ricordare che ancora oggi, non troppo lontani da noi, esistono paesi dove è sufficiente che non piova nella stagione giusta per portare un’intera popolazione alla fame; dove bisogna pagare una pesante retta per mandare i figli alle elementari, dove la bicicletta è un mezzo di locomozione prezioso e rovistare nelle discariche diventa un’attività essenziale per la propria sopravvivenza. Anche le democrazie sono fragili e di pura facciata: è sufficiente fare quanche commento non positivo nei confronti del presidente in carica per venire picchiati a sangue dalle sue guardie del corpo.

Inoltre il film, come se ne vedono ben pochi ormai, soprattutto sul grande schermo, racconta dell’enorme potere dell’istruzione, e del sistema scolastico, ma soprattutto dell’importanza in alcuni contesti dell’educazione alla cultura. Il maschilismo che persiste in troppe realtà e della necessità, non solo come possibilità ma come diritto, che spetta a ogni essere umano,  al desiderio di affermarsi. Un’avventura che insegna e ricorda come le comunità solidali siano importanti ancora oggi per il progresso in una società dove si lavora insieme per le pari opportunità e per guardare al futuro.

La famiglia è al centro di questa storia, come unica ancora di salvezza nei momenti difficili; il nido dove rifugiarsi e sentirsi protetti ma nello stesso tempo il punto di partenza da cui spiccare il volo. Molto bella è la sequenza in cui, Trywell, un uomo molto onesto che, ha ben vivo il senso del dovere e dell’autorità paterna, si fa convincere dalla dolcezza di sua moglie, che conosce il suo cuore, a tentare l’impensabile: edificare quel mulino a vento che suo figlio ha concepito solo leggendo dei libri in biblioteca.

A una prima lettura, il racconto potrebbe apparire come uno scontro fra scienza e fede. Un buon numero di critici ha interpretato in questo modo il senso del film. La vittoria di William, che riesce a risolvere il problema del suo villaggio grazie a un’appassionata messa in opera di nozioni tecniche, sembra contrastare con le credenze tribali che ancora persistono nel villaggio e con la fede cristiana praticata dalla famiglia del ragazzo.

E’ una conclusione che non appare giustificata: al contrario è molto bella la preghiera che Trywell recita prima che la famiglia inizi il suo pranzo, che esprime bene la loro fiducia nella Provvidenza: sanno che Dio non li abbandonerà anche nei frangenti difficili. Se in un’altra sequenza marito e moglie riconoscono che da tempo hanno smesso di pregare perché la pioggia arrivi, la frase sembra piuttosto riferirsi alle danze propiziatorie ancora in uso nel villaggio. Tutti i personaggi sembrano mossi da virtù umane che risaltano il valore dell’uomo e il primato della solidarietà, in linea con la visione cristiana. La storia di William serve a mostrare il grande potenziale di crescita che è racchiuso in ogni persona; il padre ha l’umiltà di ascoltare  opinioni diverse dalle sue e pone, alla fine, piena fiducia nel figlio; la madre sa leggere nei cuori di tutti e costruire la conciliazione e la pace in famiglia. Alla fine è determinante la frase detta dal vero  William che si legge nei titoli di coda: “Dio è come il vento che tocca ogni cosa”

Autore: Sabrina Guarino, Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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THE PERFECT DATE

Inviato da Franco Olearo il Mer, 05/08/2019 - 22:15
 
Titolo Originale: the perfect date
Paese: USA
Anno: 2019
Regia: Chris Nelson
Sceneggiatura: Steve Bloom, Randall Green
Produzione: Ace Entertainment
Durata: 90 su Netflix
Interpreti: Noah Centineo, Laura Marano, Matt Walsh, • Odiseas Gerorgiadis

Brooks Rattigan è all’ultimo anno dell’high school, ha buoni voti e desidera il meglio per se: essere accettato all’università di Yale pur non disponendo dei soldi necessari (suo padre, un tempo uno scrittore famoso, è in attesa di un rilancio) e avere come ragazza Shelby, la più carina e ricca della classe. Per raggiungere i suoi obiettivi si inventa un nuovo lavoro: essere l’accompagnatore a pagamento di ragazze che non vogliono presentarsi sole alle feste. In una delle prime uscite incontra Celia, una ragazza ribelle e anticonformista e la serata si prospetta molto difficile...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Bisogna sempre essere onesti e sinceri con se stessi e con gli altri. Si scopre il vero amore solo quando si e capaci di parlarsi e comprendersi in profondità
Pubblico 
Adolescenti
Giudizio Artistico 
 
La sceneggiatura, troppo impegnata a costruire una storia positiva, finisce per risultare didascalica ma c’è un’ ottima intesa fra i due protagonisti
Testo Breve:

Brooks vuole essere ammesso all’università di Yale e conquistare la ragazza più interessante e ricca della classe. Per raggiungere i suoi obiettivi  finge di essere ciò che non è. Ma poi incontra la selvaggia Celia e qualcosa succede...

Già dalle prime scene si comprende che lo spettatore si può rilassare: in questo teen-movie non ci sono scene di bullismo, uso di droga o alcool, prostituzione giovanile, festini dove ci si apparta ai piani superiori, convivenze  (Tredici, Elite, Baby, After, ...) ma si parla “banalmente” di ragazzi e ragazze dell’ultimo anno  di liceo che debbono scegliere a quale università iscriversi  ma sopratutto affrontano il problema centrale dell’adolescenza : cercar di capire chi siano e cosa vogliano realmente.

E’ il problema centrale che assilla Brooks e cerca di risolverlo in modo pragmatico: prova a essere varie persone (ciò che gli riesce molto bene, nel mestiere che si è inventato, di accompagnatore a pagamento) sperando, con lo stesso metodo di raggiungere quelli che appaiono essere i suoi due principali obiettivi: venir accettato a Yale (finge di avere l’hobby dell’apicultura, la stessa del preside che lo sta intervistando) e conquistare la bella Shelby (fingendosi un ragazzo di origini altolocate).
Il tema, in sè  interessante, è trattato in modo un po’ didascalico: “In questo modo la tua felicità dipende solo da fattori esterni e che gli altri ti accettino, piuttosto che accettarti da solo”: lo rimprovera Celia.  Una volta accettata l’evidenza che il film si muove programmaticamente verso un lieto fine, bisogna riconoscere che si rivela gradevole sopratutto grazie ai due protagonisti: Noah Centineo e Laura Marano. Entrambi riescono a rivelarci quello che non ci avevano mostrato i tanti tee-movie o teen-serial più recenti: come si fa a scoprire il vero amore. Non si tratta di un grande mistero ma è semplicemente l’accorgersi che solo con l’altro/a si riesce a parlare di tutto e spontaneamente, riuscendo ad essere realmente se stessi.   Il film evidenzia bene questa verità, mostrandoci i dibattiti vivaci e sinceri fra Brooks e Celia, che contrastano con quelli, più distaccati, che intrattengono con quella lei e quel lui verso i quali  avevano percepito una prima, iniziale,  attrazione.
Ma anche questa volta la sceneggiatura scivola nel didascalico: “Sai come capisci quando hai trovato l’anima gemella? - domanda una saggia signora a Brooks -  basta solo sedersi a chiacchierare e quando ti  sembrerà di ascoltare una sinfonia di Beethoven...”.
Alla fine il film risulta troppo programmaticamente edificante ma si salva proprio per la chimica che si stabilisce  fra i due protagonisti.
Il film non riesce ad evitare l’obbligo del politically correct e mentre assistiamo allo sviluppo dell’intesa fra Brooks e Celia, il suo miglior amico afroamericano ha inclinazioni omosessuali, una sottotrama parallela che non incide sul plot principale se non per ribadire il valore dell'amicizia

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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DAFNE

Inviato da Franco Olearo il Lun, 03/25/2019 - 18:26
 
Titolo Originale: Dafne
Paese: ITALIA
Anno: 2019
Regia: Federico Bondi
Sceneggiatura: Federico Bondi
Durata: 94
Interpreti: Carolina Raspanti, Antonio Piovanelli, Stefania Casini

Dafne è una ragazza Down di trentacinque anni, gioviale e spensierata, che vive in Toscana con gli anziani genitori. Un giorno, al termine di una vacanza in campeggio, la madre ha un malore e muore. L’unico genere di evento, forse, in grado di togliere il sorriso alla vulcanica Dafne. Ma è solo un momento, perché la ragazza torna presto quella di sempre. Chi invece non sembra avere le risorse e forse nemmeno la voglia per rialzarsi è Luigi, il padre, con il quale Dafne ha un rapporto a dir poco complicato. Un viaggio a piedi per raggiungere la tomba della madre, in un cimitero sperduto in mezzo alla campagna toscana, è l’occasione giusta per riscoprire l’affetto che li lega…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il tema della diversità (la sindrome di Down) è visto come una sfida, senza timori ma soprattutto senza perdersi in retorica ne inutili pietismi.
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Dafne è un film asciutto che si riduce all’essenziale. I dialoghi sono dilatatissimi e la regia - per niente morbosa nella ricerca del primo piano,esalta la ricchezza emotiva della protagonista che si staglia per contrasto sul minimalismo espressivo degli
Testo Breve:

Dafne è una ragazza Down di trentacinque anni, gioviale e spensierata, che vive con il padre anziano. Un viaggio a piedi per raggiungere la tomba della madre è l’occasione giusta per riscoprire l’affetto che li lega…

In questo suo secondo lungometraggio, come nel pluripremiato Mar Nero, Federico Bondi sceglie di raccontare una storia partendo da un dramma famigliare, privato, nascosto, per poi condurre fuori i protagonisti e spingerli ad intraprendere un viaggio, fisico ed esistenziale, che porta ad esplorare e a saggiare sentimenti e relazioni, mettendo generazioni diverse a confronto.

Anche questa volta il regista riesce sapientemente ad entrare nell’intimità affettiva di una famiglia speciale - come speciale è quella figlia con la sindrome di Down - e ha il coraggio di raccontare il tema della diversità e dell’handicap come una sfida, senza timori ma soprattutto senza perdersi in retorica ne inutili pietismi.

Dafne è infatti un film asciutto che si riduce all’essenziale, in ogni suo aspetto. I dialoghi sono dilatatissimi e la regia - per niente morbosa nella ricerca del primo piano e costruita sulla verità della macchina a mano piuttosto che su inutili virtuosismi – esalta la ricchezza emotiva della protagonista (tra capricci e straripanti manifestazioni d’affetto) che si staglia per contrasto sul minimalismo espressivo degli altri personaggi, soprattutto quello del padre, che in certi momenti sembra implodere interiormente. Il ritmo di racconto, così compassato, lascia il tempo per assaporare le emozioni, per stare con i personaggi e sforzarsi di comprenderli. Il dramma esistenziale, come già detto, è soprattutto quello di un anziano genitore, stanco e spaventato, che non sembra avere le energie necessarie per gestire da solo la difficile personalità della figlia, la quale, forse proprio in virtù del suo handicap, nella vita sembra averle avute tutte vinte.

Proprio Luigi dichiara, nel climax, uno dei temi del film. La sua ferita infatti per paradosso, sembra essere lenita solo quando davanti ad un bicchiere di vino rosso e ad una cameriera sconosciuta, viene gridata sottovoce, e riguarda la difficile accettazione di una diversità così “ingombrante” come quella della figlia. Una battaglia durata trentacinque anni con se stessi ma anche con quella ragazza che fa di tutto per essere normale, che sente di esserlo, ma che a cominciare dai genitori non è mai stata trattata come tale.

Ma Dafne è un film che parla anche del tempo – una parola che torna spesso soprattutto all’inizio, nei dialoghi tra madre e figlia – e dei diversi modi di pensarlo e di viverlo, un inno alla vita - come la canzone cantata a squarciagola da Dafne prima di partire insieme al padre – evidenziato dalla trovata poetica nella scena finale…

Autore: Gabriele Cheli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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THE FRONT RUNNER - IL VIZIO DEL POTERE

Inviato da Franco Olearo il Ven, 03/08/2019 - 10:49
Titolo Originale: The front Runner
Paese: USA
Anno: 2018
Regia: Jason Reitman
Sceneggiatura: Matt Bai, Jay Carson, Jason Reitman
Produzione: RIGHT OF WAY FILMS, AARON L. GILBERT PER BRON STUDIO
Durata: 113
Interpreti: Hugh Jackman, Vera Farmiga, J.K. Simmons, Alfred Molina

Nel 1988, Gary Hart, senatore democratico del Colorado, è in piena corsa presidenziale. Favorito dai sondaggi e da un entourage efficientissimo, conduce una vita al riparo dai media che non vedono l'ora di affondare la penna nella sua vita privata. Ma Hart, abile oratore, rimanda al mittente e rilancia esponendo il suo programma politico. Marito e padre, niente sembra contare per lui più del suo lavoro e della sua famiglia. Poi il "Miami Herald" pubblica un articolo e la sua ascesa si interrompe bruscamente. Accusato di avere una relazione extraconiugale con Donna Rice, dovrà rispondere alla consorte e agli elettori dell'attacco e delle foto che lo inchiodano.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Un uomo commette un errore ma sa anche recuperare la dignità propria e di quella della sua famiglia
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Il film è impostato nella prospettiva di chi ci sta ricostruendo con rigore fatti realmente accaduti ma questa ricerca dell’obiettività si trasforma in una certa freddezza con cui vengono ritratti i vari protagonisti
Testo Breve:

Il famoso scandalo del 1988, che costrinse il candidato democratico Gary Hart  a rinunciare alla corsa per la presidenza, viene analizzato nella prospettiva storica dei rapporti di forza fra politica e stampa, che cambiò radialmente dopo quell’episodio

Sappiamo dalla cronaca e dai tanti film che hanno affrontato questo tema (fra i più recenti: Il caso Spot Light, The Post) che negli Stati Uniti l’unico potere in grado di porsi testa a testa e di contrastare, quando necessario, il potere politico è la stampa, così come in Italia lo è la magistratura.

Al contempo il cinema non ha mancato di sottolineare certi abusi di potere della carta stampata e della televisione attraverso colpevoli deformazioni della realtà, a iniziare dal terribile Asso nella manica (1951), per poi continuare con Piombo rovente (1957), Quinto potere (1976), Diritto di cronaca (1981).

Il caso del senatore Hart, costretto a dimettersi per una relazione extraconigale, potrebbe far sorridere oggi, dove buona parte dei politici, se guardiamo l’Italia, convivono e quindi il tema non si pone neanche- Si dà inoltre per scontato che chi vuole calcare le scene del teatro politico non può che essere un esperto mediatico, capace di rispondere sempre a tono e in grado di rivoltare, con le parole, l’evidenza di qualsiasi verità. Il film, proprio per questo, è interessante, non solo per il caso umano in se', ma perchè quei fatti segnarono una svolta nei rapporti fra giornalismo e politica.

Prima di quella data, la stampa sorvolava sulla vita privata dei presidenti (lo stesso film ricorda i comportamenti “disinvolti” di Kennedy e di Johnson), perché a quei tempi si riteneva che la dignità della carica, per il bene della nazione, non andasse offuscata da pettegolezzi.

Con il caso Hart il rapporto si trasforma e i candidati-presidenti e i presidenti stessi (ricordiamo il caso Clinton) iniziano a venir trattati non in base alla dignità della loro carica ma come dei divi del cinema, nei confronti dei quali ogni pettegolezzo diventa lecito.

Il regista Jason  Reitman, che  si è sempre mostrato sensibile a temi sociali descrivendo protagonisti che si trovano di fronte a un caso di coscienza (Juno, Tra le nuvole, Thank you for smoking, Young adult), si è ispirato a libro di Matt Bai che ha ricostruito meticolosamente quelle tre settimane decisive, in modo da attenersi il più possibile a ciò che è realmente accaduto.  Non ha quindi posto in primo piano la storia d’amore fra il senatore e la modella aspirante lobbista, anzi è reticente nel darci l’evidenza della loro relazione. Si pone piuttosto nella prospettiva di chi animava lo staff del candidato-presidente e la redazione del Miami Herald, che aveva innescato lo scandalo. Il regista ha voluto restare imparziale  in questo scontro mediatico e lo si nota anche dal fatto che gli stessi reporter non vi fanno una bella figura. Se il film Tutti gli uomini del presidente (1976) , ci aveva abituati a vedere redazioni che non pubblicano una notizia se non hanno la conferma dei fatti almeno da due fonti diverse, qui è sufficiente qualche informazione incompleta per far sì che la bestia assetata di sangue dell’opinione pubblica venga scatenata e non si sarebbe acquieti se non di fronte a una piena e dettagliata confessione del colpevole. Gary Hart si mostra totalmente impreparato e ancora troppo onesto per gestire questo tipo di onda mediatica. Prima reagisce in modo schivo, pensando che i suoi programmi elettorali siano più interessanti dei pettegolezzi sulla sua vita privata e le risposte date ai giornalisi appaiono goffe e indecise; poi, una volta accortosi che ormai non era più visto come candidato ma come protagonista di uno scandalo, si rifiuta di ribattere alla malizia con furbizia e non  trova altra soluzione che  dimettersi dalla candidatura. Il film lascia intendere che il ritiro dalla corsa presidenziale sia stata anche motivata dalla volontà di  non esporre ulteriormente la famiglia (la moglie e la figlia) all’umiliazione di quello scandalo. Se ciò è vero, non resta che rendere omaggio all’uomo, che ha saputo sollevarsi con dignità dai suoi errori. In effetti Hart e la moglie vivono ancora insieme.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL PRIMO RE

Inviato da Franco Olearo il Gio, 02/07/2019 - 10:55
Titolo Originale: Il primo re
Paese: Italia, Belgio
Anno: 2019
Regia: Matteo Rovere
Sceneggiatura: Filippo Gravino, Francesca Manieri, Matteo Rovere
Produzione: Rai Cinema, Groenlandia, Gapbusters
Durata: 127
Interpreti: Alessandro Borghi, Alessio Lapice, Fabrizio Rongione, Massimiliano Rossi

La storia di Romolo e Remo come mai raccontata prima. Travolti, in senso non solo metaforico, da una valanga che cambierà per sempre il loro destino e quello del mondo intero.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Unico valore va attribuito al protagonista che fa davvero di tutto per mantenere la promessa fatta alla madre e proteggere costi quel che costi suo fratello
Pubblico 
Maggiorenni
Sebbene i giovani d’oggi siano abituati a film di guerra, gran parte delle scene sono molto violente e sanguinarie.
Giudizio Artistico 
 
Il film costituisce un vero spettacolo grazie alla magistrale fotografia di Daniele Crispì e all’ottima realizzazione delle sequenze in computer grafica. Il film inoltre conferma la bravura di Alessandro Borghi, recentemente molto apprezzato dalla critica anche per il suo ruolo come protagonista in Sulla mia pelle
Testo Breve:

La leggenda del primo re di Roma riproposta in un contesto  epico, violento e brutale. Un film d’autore originale e ambizioso, molto ben realizzato

753 A.C., regioni laziali. Due fratelli, orfani già da tenera età di entrambi i genitori, vengono travolti dopo l’inondazione del Tevere e fatti schiavi dalle genti di Alba.

Romolo e Remo, affiatati e inseparabili, escogitano un piano improvvisato per salvarsi, scatenando una rivolta, coinvolgendo gli altri prigionieri e riuscendo a fuggire.

Facendo loro schiava la vestale portatrice del fuoco sacro Remo si assicura, secondo lui, il volere degli dei; un sostegno indispensabile, proprio ora che per fuggire durante la sommossa è stato ferito gravemente.

Sebbene risulti agli occhi di tutti solo un peso viste le condizioni disperate del fratello, Remo lo difende costi quel che costi, sacrificandosi e portandolo in braccio, caccia per lui e dimostra chi è al suo seguito il suo coraggio, la sua intelligenza e il diritto di essere riconosciuto da tutti come capo.

Un lungo viaggio alla scoperta dei propri limiti, una sfida con sé stesso e contro i suoi nemici fino a quando il destino non gli mostra che dovrà scegliere tra il potere e l’amore per suo fratello.

Aspetti tecnici notevoli con un budget da 9 milioni di euro. Da valutare certamente un capolavoro considerando l’attuale scenario del cinema italiano. Girato completamente in esterni utilizzando prettamente luci naturali. Un vero spettacolo grazie alla magistrale fotografia di Daniele Crispì.

Alla base può sembrare semplicemente qualcosa di già visto e sentito. La storia mitologica più conosciuta da tutti gli italiani ma raccontata diversamente dai libri di scuola, per farci conoscere il lato più umano della vicenda.

Un’avventura terrena, in cui il divino si insinua tra il volere di due fratelli portandoli alla loro separazione. Non una semplice lotta del bene contro il male, del sacro e del profano ma semplicemente cosa l’amore spinge a fare, come sentimento più puro e nobile già dalla preistoria.

Niente a che fare con le sequenze eleganti di The Revenant, a cui si richiama per la cruda brutalità dei conflitti o del Gladiatore che celebrava l’antica gloria di Roma.

Il primo re è da considerare il film che segna l’inizio di qualcosa di nuovo in Italia. L’impossibile che diventa possibile. La più antica storia del mondo narrata con i mezzi moderni diventa una vicenda tutta nuova; senz’altro resa interessante grazie alla straordinaria interpretazione di Alessandro Borghi, recentemente molto apprezzato dalla critica per il suo ruolo come protagonista in Sulla mia pelle che ha  magistralmente raccontato la vicenda di Stefano Cucchi.

Nonostante ciò il film risulta essere, dopo i primi 20 minuti di conflitto e azioni rapidissime che si susseguono come quello stesso fiume che travolge i protagonisti, monotono e lento.

Probabilmente perché il contesto barbaro e la realistica brutalità delle scene si ripete per un’ora senza sosta, senza favorire nessuna identificazione particolare o lasciare un messaggio positivo allo spettatore.

Autore: Sabrina Guarino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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VICE – L’UOMO NELL’OMBRA

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/14/2019 - 16:18
Titolo Originale: Vice
Paese: Usa
Anno: 2018
Regia: Adam McKay
Sceneggiatura: Adam McKay
Durata: 132
Interpreti: Christian Bale, Amy Adams, Sam Rockwell, Steve Carell, Jesse Plemons, Tyler Perry, Alison Pill;

L’ascesa politica di Dick Cheney, vicepresidente di George W. Bush, dal nativo Wyoming ai corridoi del potere di Washington, animato da un’insaziabile sete di potere e sostenuto dalla leale moglie Lyanne…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il ritratto di un genio del male, dove il male è descritto come male. Spetta all’autore la responsabilità di averci, in coscienza, fatto un ritratto onesto del personaggio
Pubblico 
Adolescenti
Turpiloquio e immagini di torture e violenze
Giudizio Artistico 
 
Ottima interpretazione Christian Bale ma il film non riesce a focalizzare le più intime motivazioni del protagonista, i meccanismi di pensiero più profondi e personali, a parte la devozione al potere in sé,
Testo Breve:

L’autore di The Big short ci racconta l’ascesa politica di Dick Cheney, vicepresidente di George W. Bush, un racconto, forse di parte, dell’insaziabile sete di potere di questo personaggio che ha molto pesato sulla scena politica americana.

Con lo stesso stile brillante e ironico, a metà tra la fiction e il documentario, utilizzato nel suo precedente film The big short, per raccontare un argomento complesso come la crisi dei mutui subprime, Adam McKay questa volta prova a trovare un chiave di accesso ad uno dei personaggi più decisivi e insieme misteriosi della storia politica americana recente, Dick Cheney.

Un film dichiaratamente “di parte”, tanto che McKay si para dalle accuse di una visione troppo liberal affrontando la questione in uno degli inserti para-documentaristici in cui mette in scena degli ipotetici focus group come quelli usati dai veri politici per interpretare e dirigere l’opinione pubblica su argomenti spinosi come la guerra in Iraq. Infatti, la pellicola negli Usa ha diviso il pubblico e non ha replicato il successo del precedente, anche se si è guadagnato sei nomination ai Golden Globe (Christian Bale con la sua eccellente e camaleontica performance nei panni del protagonista si è portato a casa il premio) e sicuramente attirerà l’attenzione anche agli Oscar.

Accanto a Bale, in un cast all star (che dovrebbe in parte aiutare il pubblico a orizzontarsi nella miriade di personaggi dell’arena politica americana che intersecano il percorso di Cheney, a volte solo per una scena o due) spicca Amy Adams, nei panni della consorte Lyanne, fondamentale per la discreta ma costante ascesa del consorte, leale, spietata e dominata da un’ambizione che può realizzare solo per interposta persona. Una sorta di Lady Macbeth all’americana, insomma, come non troppo sottilmente suggerisce anche il regista mettendo in scena un immaginario dialogo “alla Shakespeare” nel momento di una delle decisioni cruciali nella vita della coppia.

È uno dei pochi momenti di quasi trasparenza per un personaggio che resta nonostante gli sforzi straordinariamente opaco, i cui meccanismi di pensiero più profondi e personali, a parte la devozione al potere in sé, il film non riesce (e forse colpevolmente non prova nemmeno) a focalizzare.

Da ex studente universitario ubriacone e senza ambizioni, che solo l’ultimatum della fidanzata porta a un cambio di rotta, a “stagista” del congresso, pronto a seguire le orme di uno spregiudicato Ronald Rumsfeld (Steve Carell), senza apparenti reali convinzioni a parte il perseguimento di un ruolo all’interno dell’establishment (il film lascia intendere che anche l’opzione repubblicana sia più che altro una scelta di comodo all’interno dell’amministrazione Nixon), di Cheney fino ad un certo punto non si intuiscono doti o abilità eccezionali, se non l’abilità di “spararle grosse” sembrando sempre ragionevole.

Sinceramente pare troppo poco per giustificare una carriera politica che attraversa quattro decenni e trova il suo coronamento in una vicepresidenza totalmente sui generis: di fatto Cheney ottiene da un ingenuo George  W. Bush junior (Sam Rockwell, mimetico, ma per ragioni di scrittura assai meno convincente di quanto lo fu Josh Brolin nel biopic di Oliver Stone dedicato al presidente repubblicano) un potere inaudito per una carica fino ad allora considerata un niente e la gestisce con spregiudicatezza per ricambiare favori a vecchi amici e per potare a termine un progetto a lungo covato, quello con quello della guerra in Iraq.

A parte l’evidente devozione alla famiglia (se il sostegno della moglie è fondamentale per la sua scalata, Cheney si dimostra incrollabilmente leale oltre che a lei anche alla figlia Mary, dichiaratamente omosessuale, per cui si rifiuta di sostenere le posizioni di Bush rispetto ai matrimoni gay), Cheney resta però un mistero, mentre la quantità di argomenti portati in campo e la velocità con cui gli altri personaggi entrano ed escono dalla storia non aiuta il pubblico a trarre qualche conclusione più specifica che non sia che l’uomo sia stato un discreto genio del male.

Un’opinione con cui per altro molti degli spettatori si saranno già avvicinati al film, che rischia quindi di “predicare ai convertiti” perdendo l’occasione di un affondo umanamente più intrigante anche se rischioso.

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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OLD MAN AND THE GUN

Inviato da Franco Olearo il Lun, 12/24/2018 - 23:06
Titolo Originale: Old Man & The Gun
Paese: USA
Anno: 2018
Regia: David Lowery
Sceneggiatura: David Lowery
Produzione: CONDÉ NAST, ENDGAME ENTERTAINMENT, IDENTITY FILMS, WILDWOOD ENTERPRISES, SAILOR BEAR
Durata: 93
Interpreti: Robert Redford, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Isiah Whitlock, John David Washington, Tom Waits, Sissy Space

L’ultra settantenne Forrest Tucker (Robert Redford) colleziona una rapina in banca dopo l’altra, conquistando le sue vittime con un sorriso indimenticabile.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
A un uomo piace troppo svaligiare banche e anche se lo fa con modi gentili e senza violenza, è pur sempre un ladro
Pubblico 
Pre-adolescenti
Revisione USA: PG 13
Giudizio Artistico 
 
Robert Redford è impegnato in una grande e indimenticabile interpretazione, perfetto per questa pellicola profonda, a tratti forse un po’ lenta ma con momenti di pura ironia, che lancia numerosi spunti di riflessione
Testo Breve:

I film è ispirato alla vita di Forrest, un rapinatore di banche degli anni ‘80 che ha collezionato centinaia di rapine e un’evasione dopo l’altra. Un’indimenticabile Robert Redford alla sua ultima interpretazione

Quello che si racconta in questo film è quasi del tutto vero, come dice ironicamente la frase inziale. Forrest, interpretato da un sorprendente Robert Redford al suo addio al cinema, è un rapinatore di banche degli anni ‘80 che ha cominciato la sua attività a soli 13 anni, collezionando centinaia di rapine e un’evasione dopo l’altra: l’ultima a oltre 70 anni dal carcere di Saint Quentin, fuggendo su una barchetta di fortuna.

Il leader della banda dei vecchietti d’assalto, come vengono simpaticamente soprannominati dai media Forrest e i suoi complici, ha una caratteristica che stupisce, quasi seduce, le sue vittime: un immancabile sorriso. La sua serenità e il suo buonumore sono contagiosi, tanto che chi viene rapinato più che il trauma ricevuto, non finisce di tesserne le lodi.

Ed è proprio questo che contraddistingue il protagonista del film, un’incredibile voglia di vivere: ha una pistola sempre con sé, ma non ha mai sparato, non gli interessa la violenza. Certo è vero che nell’essere un criminale seriale c’è come una dipendenza dall’adrenalina prodotta con il solo fatto di aver conseguito un colpo di successo, ed è anche per questa sua passione che Forrest non riesce a fermarsi. Ma la mania della rapina si impasta con una riflessione ben più profonda sul desiderio di non perdere la vita, di non arrendersi al tempo che passa, che lo vorrebbe costringere prima o poi ad appendere la pistola al chiodo. Il problema di Forrest non è “guadagnarsi da vivere” ma “vivere”, e gli anni che trascorrono veloci sono un’occasione per provare nuove esperienze, e per gustarsi a pieno quello che c’è intorno. Così l’incontro fortuito con Jewel, una donna profonda e affascinante, è l’occasione per riflettere una volta per tutte sul senso del tempo e su ciò che si è realmente conquistato nell’esistenza. Un’occasione per fermarsi, almeno un’istante, ad assaporare il piacere della stabilità. “Sono esattamente dove dovrei essere” afferma il protagonista, perché il suo bambino interiore è fiero di ciò che è diventato. Ma la storia sottolinea come all’interno di un’esistenza rocambolesca e invidiabile, ci siano evidentemente dei punti di ombra. Il sorriso di Forrest è segnato anche dal dramma del passato che forse non ha mai voluto guardare in faccia, così preso dalla sua febbre di vita che rischia anche sulla porta della vecchiaia di portarlo lontano da ogni affetto.

A fare da contraltare a questo maestro della rapina, un poliziotto ben più giovane che cerca di fare il salto di carriera e con cui Forrest continua a giocare a guardia e ladri. Tra i due si crea progressivamente un rapporto molto profondo, di stima e quasi affetto. I due vivono situazioni molto diverse, ma condividono la passione per il proprio mestiere e il desiderio di non sprecare la vita.

Forrest è un vero eroe, fatto di luce ed oscurità, come in fondo ogni essere umano nel corso della propria esistenza. Perfetto per questa pellicola profonda, a tratti forse un po’ lenta ma con momenti di pura ironia, che lancia numerosi spunti di riflessione e, soprattutto, consacra con una serie di citazioni, l’intramontabile figura di Robert Redford in una grande e indimenticabile interpretazione.

Autore: Ilaria Giudici
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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Loro 1 e 2

Inviato da Franco Olearo il Lun, 05/14/2018 - 22:43
Titolo Originale: Loro
Paese: ITALIA
Anno: 2018
Regia: Paolo Sorrentino
Sceneggiatura: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello
Produzione: INDIGO FILM PER L'ITALIA. COPRODOTTO DA JÉRÔME SEYDOUX, ARDAVAN SAFAEE, MURIEL SAUZAY PER PATHÉ E FRANCE 2 CINÉMA PER LA FRANCIA
Durata: 204
Interpreti: Toni Servillo, Elena Sofia Ricci, Riccardo Scamarcio, Kasia Smutniak

Sergio Morra, faccendiere tarantino, affitta una villa in Sardegna vicino alla residenza estiva di Berlusconi per raggiungerlo attraverso le escort che gestisce. Il politico intanto sta attraversando un periodo di crisi dopo la perdita delle elezioni e la pubblicazione di compromettenti intercettazioni. Nella residenza in Sardegna Berlusconi cerca di recuperare il potere e, con meno impegno, il suo matrimonio con Veronica

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Viene rappresentata una civiltà dell'apparenza, con ritratti di donne impegnate a ottenere favori con il proprio corpo e uomini che accettano quei corpi come moneta corrente
Pubblico 
Maggiorenni
Diverse scene di nudo e di atti sessuali anche orgiastici, continui riferimenti al sesso, ripetuta assunzione di droghe
Giudizio Artistico 
 
Del tutto incomprensibile, almeno in un’ottica drammaturgica, la scelta di dividere il film in due parti asimmetriche e squilibrate. Le involate surreali di Sorrentino, al solito innescate da evanescenti comparse di animali, suonano autoreferenziali e ai limiti del parodistico, incapaci di sollevarsi da un’immanenza fatta di sgargiante volgarità.
Testo Breve:

L’uomo Berlusconi e i personaggi che girano intorno a lui sono parte di una farsa surreale e il presidente non sembra essere un uomo, ma un’eterna messinscena, come gli rinfaccia la moglie Veronica

Dopo Il Caimano di Moretti, un altro vate del cinema italiano si cimenta con il ritratto di Silvio Berlusconi, impresa sempre insidiosa per la vicinanza temporale alle vicende trattate che spesso ne impedisce una visione d’insieme che si emancipi dall’immanenza. Sorrentino sceglie però un taglio squisitamente personale e, senza ambire a sviscerare le conseguenze dell’era berlusconiana sul tessuto sociale del Paese, risucchia il suo personaggio nell’immaginario sorrentiniano rendendolo una maschera che ben incarna la sua cifra estetica.

Del tutto incomprensibile, almeno in un’ottica drammaturgica, risulta invece la scelta di dividere il film in due parti asimmetriche e squilibrate, la prima della quali dedicata a un personaggio secondario di scarso interesse, Morra (Riccardo Scamarcio), assorbito dal mediocre sogno di arrivare al deus ex machina Berlusconi e sedere insieme a Loro (coloro che contano) su un Olimpo di squallida opulenza.

Nei primi 50 minuti di Loro 1 ciò che passa sullo schermo è la rappresentazione di una civiltà dell’apparenza già largamente fotografata dieci anni fa dal Videocracy di Gandini. L’unica novità di questa lunga intro (per altro volutamente appiattita da regia e fotografia su un registro trash e patinato) risiede nell'abile presentazione in absentia di Berlusconi, adombrato da scenografici indizi e inafferrabile come una divinità pagana.

In questa prima parte persino le involate surreali di Sorrentino, al solito innescate da evanescenti comparse di animali, suonano autoreferenziali e ai limiti del parodistico, incapaci di sollevarsi da un’immanenza fatta di sgargiante volgarità. Quando finalmente il protagonista entra in scena, il film comincia davvero, e conferma il quadro seminato: Berlusconi è sin da subito un’entità che trascende l’umano, una forza della natura.

Impermeabile a qualsiasi psicologia e incapace di essere ferito dal prossimo, non possiede nessun contatto con la sua interiorità, senza per questo presentare una personalità scissa è disturbata: semplicemente egli non sembra essere un uomo, ma un’eterna messinscena, come gli rinfaccia la moglie Veronica (Elena Sofia Ricci, perfettamente algida come prescrive la parte della radical-chic) in una vibrante scena coniugale.

L’interpretazione di Servillo lavora in questa direzione, napoletanizzando Berlusconi in una commedia dell’arte e privandolo della sua biografia umana, del legame con l’humus milanese e brianzolo. 

In questo senso il Berlusconi di Sorrentino non è un personaggio ma una maschera di pura vita, monolitico e coincidente con se stesso. Una scelta drammaturgica netta in direzione della farsa che, a tratti affascinante, penalizza però l’elemento drammatico, pur presente in Loro 2 nello spaesamento del protagonista che rischia, come tutti, di essere superato dai tempi che corrono, destinando il suo corpo e il mondo che conosce allo sfaldamento. Al contrario, la cifra farsesca fa dirompere la vis comica e dà vita a situazioni finemente costruite, grottesche e nere come uno sketch dei Monthy Python.

Come ne La grande bellezza e in Youth, Sorrentino non osa consegnarsi del tutto alla disperata derisione e, in chiusura, riprende i toni del dramma, lasciando la maschera di Berlusconi per aprire al collettivo dell’umanità vera. Il regista sceglie così una citazione dei primi istanti de La Dolce Vita felliniana per chiudere il film: il Cristo Redentore sollevato su Roma diventa però un Cristo della Pietà adagiato sulle macerie del terremoto. E non si può negare che una sfumatura di pietas, pur se inquinata dalla celebrazione affascinata di un patetico vitalismo, si annidi nelle pieghe del film e del suo punto di vista su un uomo che non si è permesso di vivere come tale.

Autore: Eleonora Recalcati
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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