“Se sei un ragazzo col tumore, le persone non vedono l’ora di venirti in soccorso, sono tutti ansiosi di esaudire qualsiasi desiderio tu abbia, ma quando sei schizofrenico non vedono l’ora di farti diventare il problema di qualcun altro ed è per questo che poi finiamo per strada urlando al niente, aspettando la morte: nessuno vuole esaudire i nostri desideri”. Questo breve monologo riesce ad esprimere molto bene la differenza che c’è tra questo film e tra le tante pellicole apparentemente omologhe del genere sick-lit (ovvero lungometraggi dove il plot è dettato dal decorso di una malattia): Colpa delle stelle, A un metro da te, I passi dell’amore, …

Diversa malattia e diverso modo di trattarla (cinematograficamente parlando). La sceneggiatura, infatti, riesce ad equilibrare molto bene diverse componenti: alcuni tratti umoristici, altri seri, alcuni momenti romantici e altri drammatici. Il tutto con grande delicatezza.

Numerosi messaggi positivi vengono lanciati al pubblico.

In primo luogo, mostra come il curare qualcuno non sia solamente somministrare dei medicinali. Anche gli affetti sono un elemento essenziale, l’amore può essere terapeutico soprattutto con patologie di questo tipo. Più volte, inoltre, viene ripetuto che le persone non sono le loro malattie. Quanto Adam arriverà a dire di sé stesso (“Adam è Adam, non è la sua schizofrenia”) è una verità valida non solo per lui, ma per chiunque si trovi in una situazione di sofferenza fisica e mentale. Infine, Adam capisce che da solo e con i soli medicinali non può farcela, ha bisogno della sua famiglia e di chi gli vuole bene. L’isolamento, il tenere nascoste le cose, la vergogna di fronte alla sofferenza rendono solo più grande il dolore e più drammatica da affrontare la situazione.

L’interpretazione dei protagonisti è particolarmente convincente: primo fra tutti Charlie Plummer (Adam), capace di servirsi di registri di humor nero, romantico, drammatico… senza mai essere sopra le righe e senza mai cercare la commozione o la pietà del pubblico. Anche la co-protagonista, Taylor Russell racconta bene la sua battaglia: ragazza intelligente ma di famiglia povera, deve inventarsi mille lavoretti (leciti o illeciti) per mantenere la sua iscrizione in una high school privata.

Una menzione significativa, tra i personaggi, la merita Andy Garcia che interpreta padre Patrick, il prete della scuola cattolica dove Adam e Maya sono iscritti.  Adam ama accostarsi al confessionale, non perché sia credente ma perché riesce in questo modo a chiedere consigli su come comportarsi, in modo discreto. Don Patrick è molto bravo in questo: non forza il ragazzo ad ascoltare un indottrinamento religioso che risulterebbe fuori luogo ma cerca di avvicinarsi a lui e ai suoi problemi con comprensione e calda umanità. Meno bene vengono presentate le suore che gestiscono la strutta educativa: nel consueto cliché di anziane rigide e intransigenti.

Per far partecipare anche il pubblico della malattia mentale di Adam, alcune scelte registiche e di effetti speciali colgono il segno: la voce molto grave e la nebbia nera che avvolge ogni cosa, trasmettono l’angoscia vissuta dal protagonista in alcuni momenti. Anche la personificazione dei tre stati d’animo (la rabbia, le pulsioni sessuali, la riflessività), senza mai scadere nella banalità, rende partecipe il pubblico del mondo interiore di Adam e del modo in cui questo influenza o disturba la sua vita. La scelta, infine, degli sguardi diretti in camera da parte del protagonista quando va alle sedute dello psicologo, rafforzano il coinvolgimento di chi guarda, senza però metterlo a disagio.

Diciamo subito che questo family-film è molto divertente. Al di là dei messaggi di saggezza familiare che cerca di trasmettere, si susseguono alcune gags, situazioni particolarmente spassose che fanno sì che il film valga anche solo per questo: offre un momento di intrattenimento fruibile da tutta la famiglia insieme. Né bisogna pensare che questo Yes Day sia stata la trovata di qualche sceneggiatore: ci risulta che realmente, negli Stati Uniti, si stia diffondendo la consuetudine, da parte dei genitori, di concedere un giorno durante il quale i figli possono chiedere e ottenere tutto quello che vogliono. Resta solo da augurarsi che non chiedano, come accade nel film, di passare sotto un tunnel di lavaggio macchine con i finestrini aperti, partecipare a una gara di Gut Buster (schiantafegato) dove in mezz’ora bisogna ingurgitare una quantità assurda di gelato oppure partecipare in squadra a una specie di rubabandiera, dove gli avversari sono colpiti da palloncini ripieni di acqua colorata.

Qual è, per i genitori il senso da dare alla loro partecipazione a questa estenuante maratona? Indubbiamente è quello di ridurre le distanze rispetto ai figli per mostrare che anche loro sanno ancora divertirsi assieme ai propri figli. Se poi questo accade solo una volta all’anno, ciò è dovuto al fatto che i genitori debbo riprendersi la loro funzione autoritaria per educarli progressivamente a una autonomia responsabile. Ovviamente non tutto avanza in modo così rigorosamente razionale. Se ne accorge soprattutto Allison, che vorrebbe che il mondo si fermasse in quel momento di spensierata allegria, soprattutto nei confronti di Katie, perché non vorrebbe trovarsi di fronte un’adolescente ormai ribelle, ma ancora per un poco la piccolina che riusciva a far contenta con orsacchiotto di peluche.

Ma anche per i figli non tutto funziona secondo i piani: quella libertà assoluta tanto desiderata comporta responsabilità inaspettate e ora anche Katie e Nando comprendono che restare ancora un poco sotto l’ombrello protettivo dei genitori può essere vantaggioso.

Il lieto fine è scontato e l’affiatamento familiare ormai ritrovato è il frutto del più classico dei metodi: mettersi, per un momento, ognuno nei panni dell’altro.

Un’altra storia di adolescenti dove la malattia fa capolino e trasforma la vita, dove la fede aiuta a superare il dolore e il buio della morte. Omologo al recente Nuvole (anche se, in quest’ultimo, è il protagonista maschile che si ammala e muore), questo film fa conoscere un tratto della vita di un cantautore di rock cristiano molto affermato negli Stati Uniti (Jeremy Camp ha pubblicato undici album, ha vinto cinque GMA Dove Awards, tre nomination all’American Music Awards e un Grammy Award come “miglior album Pop/Contemporary Gospel” nel 2010).

Numerosi i valori positivi che la pellicola propone al pubblico: l’innamoramento e il fidanzamento vissuti nel rispetto reciproco e nella capacità di attendere. L’amicizia come valore portante per la nostra vita. La famiglia come sostegno e supporto, soprattutto nei momenti più difficili. La musica come strumento per trasmettere messaggi positivi. La fede come aiuto, anche nel dolore e nello sconforto di fronte alla morte.

Dopo il primissimo e strappalacrime Love Story, sono ormai numerose le opere che appartengono al cosiddetto filone Sick Lit: dai serial Tv (Braccialetti rossi) ai lungometraggi (I passi dell’amore, A un metro da te, Il sole a mezzanotte, il già citato Clouds-Nuvole) solo per elencare i più recenti. Il valore aggiunto in questo Christian film, rispetto agli altri, è proprio la fede: fede non come rifugio o vana consolazione di fronte all’esito ineluttabile degli eventi, ma sguardo capace di dare speranza e forza per affrontare con consapevolezza le dure esperienze della vita. La lettera che Melissa scrive a Jeremy invita a riflettere proprio in questa direzione: la serenità e la pace con cui sono stati affrontati tutti i momenti difficili sono state un dono dall’Alto per non lasciarsi andare alla disperazione, ma per affrontare con forza i momenti più difficili.

Sfortunatamente è proprio la grande, troppa ricchezza di contenuti, a danneggiare il film. La fede e la musica sono poco più che accennati, i rapporti familiari vengono presentati ma non approfonditi, il rapporto tra Jeremy e Melissa conosce uno sviluppo ma solo nel finale si comprende la portata del loro amore. Alcuni personaggi praticamente “spariscono” durante lo svolgersi della narrazione.

Il lungometraggio ha un’apertura che sembra preludere ad un biopic: la storia di un giovane e promettente cantautore che parte per il College per studiare e per sviluppare la sua passione per la musica. Arrivato a destinazione, si apre una storia d’amore: inizia come un triangolo amoroso (per l’interesse che Melissa mostra per l’amico Jean-Luc), ma poi approda felicemente al fidanzamento. All’interno di questa storia d’amore fa capolino la malattia, che occupa la parte centrale del film. Il ricovero, l’intervento, le terapie, il matrimonio in un momento di apparente quiete del cancro, la ricomparsa del tumore fino alla morte di Melissa.

Perché questa trilogia (sono già usciti Tutte le volte che ho scritto ti amo e P.S. Ti amo ancora) assieme a The Kissing Booth , sono in testa alla classifica, sulla piattaforma Netflix, nella categoria dei film per giovani?

Si tratta di una interessante risposta del pubblico young: quando bisogna alzare il volume del romanticismo le soluzioni narrative adottate fanno leva su difficoltà insormontabili: lei che può uscire dalla stanza solo di notte; loro due che non si possono toccare; lei o entrambi malati terminali oppure lei di famiglia modesta e lui molto ricco. Il tutto in un contesto dove i genitori non ci sono o risultano indifferenti. In questo film ci troviamo di fronte al più prevedibile e scontato dei problemi: amori nati sui banchi di scuola che devono affrontare un “passaggio di stato”: la scelta della facoltà universitaria rischia di separare gli innamorati proprio all’inizio di una stagione di profonda trasformazione e di definitiva presa di coscienza di sè.

Se questa trilogia ha avuto successo è proprio perché affronta con realismo, senza il carico di snodi drammatici non necessari, la banalità del prevedibile e il tutto avviene fra persone con la testa sulle spalle che hanno il conforto di vivere con (almeno) un  genitore  che vuole il loro bene (per lei il padre e le sorelle, per lui la madre).

In una delle scene iniziali del film, Lara non osa dire a Peter che non è stata ammessa, anzi gli racconta il falso. Poi, quando si trovano a tu per tu in un bar, lei trova il coraggio di dirglielo. Peter, in un primo momento, è incredulo ma poi, quando comprende la sofferenza vissuta da Lara per il dispiacere di non poter stare insieme all’università, si preoccupa prima di tutto di lei e le chiede: “tu stai bene?” e prova a fare qualche battuta spiritosa per allentare la tensione.

Il film ha un suo valore esclusivo proprio perché mostra la grande “qualità umana” dei due protagonisti. Avevamo già visto, nei due film precedenti, come i due ragazzi fossero in cerca, fin da subito, di un amore profondo e destinassero l’intimità sessuale al momento in cui si fossero accorti che il loro scegliersi potesse essere considerato definitivo (sostenuta, lei, da un padre che controlla): in effetti i due giovani arrivano illibati al terzo film (si potrebbe fare dell’ironia dicendo che ormai la  virtù della castità è presentata come un valore solo in opere scritte da coreane -in questo caso Jenny Han - o indiane come Rohena Gera in Sir – Cenerentola a Mumbai). Anche quando la sfida sarà più alta (lei preferirà andare ancora più lontano, alla New York University per seguire la sua vocazione di scrittrice), il modo per superare il problema sarà ancora una volta pensare non a ciò che spiace a se stessi ma al bene dell’altro: se si ama veramente, non si vuole che l’altro mortifichi i suoi sogni ma anzi che li sviluppi e cresca nella sua vocazione. Ovviamente il matrimonio, la costruzione di una famiglia è un’altra cosa, c’è l’impegno verso i figli ma non è ancora questo il problema di Lara e Peter (a meno che vengano fatti altri sequel). Per ora basta la loro frase: “se vogliamo stare insieme per sempre, quattro anni di college non sono così tanti”.

Quindi un nuovo western, dopo tanto tempo. Si apprezzano da subito, grazie a una magnifica fotografia,  quegli scenari che ci eravamo dimenticati: immense praterie solcate da un approssimativo tracciato per carri,  villaggi che appaiono come dal nulla perennemente immersi nel fango, dove la presenza della legge e dello stato è alquanto labile. Sappiamo che i western alla John Wayne e alla James Steward avevano subito una profonda rivisitazione a partire da Soldato Blu del 1970. Non c’era più l’eroe d’acciaio che portava giustizia e onestà contro le prepotenze e I soprusi dei cattivi di turno ma venivano alla luce le violenze indiscriminate compiute contro i nativi americani. Il filone prosegui con altri titoli (Picccolo grande uomo, Un uomo chiamato cavallo,..fino a Balla coi lupi del 1990). Non possiamo però dire che questo Notizie dal mondo si ponga sulla stessa scia revisionista. Nei primi due filoni citati c’erano eroi molto buoni contro cattivi molto cattivi. Qui c’è una dolente consapevolezza che dividere il male dal bene non sia così semplice. Lo comprende Kyle che ha militato nelle file dei Sudisti e  ora pensa, da sconfitto,  che anche i confederati abbiano commesso degli errori.  Qualcosa di simile può dire Johanna, doppiamente orfana perchè rapita dai nativi americani quando era piccola, dopo che i genitori erano stati uccisi, ha ora perso anche i genitori adottivi, uccisi a loro volta. E’ la violenza ora il nemico da battere e ne è cosciente Kyle che non ama usare le armi: le impiega solo quando lui e la bambina stanno rischiando la vita.

Il film descrive bene anche gli umori della gente del Sud dopo la sconfitta: non amano le imposizioni che vengono da Washington in termini di abolizione della schiavitù, sopportano malamente nei loro territori truppe dell’esercito unionista rimaste per il mantenimento dell’ordine ma anche  (sappiamo dalla storia ma reso un po’ superficialmente nel film) che è impegnata ad affrontare una profonda crisi post-bellica a causa delle pesanti condizioni di pace. Un sottofondo difficile e opaco che non è di nessun aiuto per queste due anime in sofferenza. La risposta potrebbe venire trascendendo il proprio esistere e cercando consolazione in una sorta di visione sapienziale. Per Johanna, cresciuta nella tribu degli Iowa, il cerchio dà il senso al tutto: terra cielo, alberi, animali, tutto è unito da un unico spirito. Per Kyle, più pragmatico, il giusto simbolo è la linea retta: andare sempre avanti, come i coloni del tempo, fino a trovare una terra da coltivare. Alla fine sarà un’altra soluzione quella giusta, che naturalmente non riveliano, ma che scaturisce dalla loro necessità vitale  di vivere di affetti e di speranza.

Paul Greengrass gestisce bene questa materiale insolito per lui, abituato film stile action (e lo si vede anche qui in una sequenza centrale, ad alta adrenalina). Resta fuori posto un episodio presente a metà film, dove la sceneggiatura ha volute inserire una istanza di proto-sindacale che si chiude rapidamente con una pistolettata alla western, ridondante per l’economia del film. Tom Hanks e Helena Zengel sono convincenti espressioni di una malinconia dolente, di affetti strappati.

Poteva esser prevedibile, per far conoscere il beato Carlo Acutis , sviluppare un racconto cronologico della sua breve esistenza. Il documentario inizia invece in  modo inaspettato: nelle prime sequenze ci troviamo a Lanciano, dove è avvenuto il primo miracolo eucaristico nel lontano VIII secolo.  La sostanza del pane si è trasformata nel corpo di Cristo e la sostanza del vino nel Suo sangue.  Mentre un patologo conferma che dalle analisi le reliquie risultano essere vera carne e vero sangue umani,  teologi e sacerdoti sottolineano l’eccezionalità della transustanziazione. Perché questo incipit  quasi catechistico? Riteniamo che non poteva essere fatta scelta migliore perché se non  si comprende il significato e il valore dell’eucarestia, non si può comprendere Carlo Acutis.

L’eucarestia è stata per lui il modo di rendersi  intimo con il Signore, il motore della sua  esistenza. Lui non comprendeva - racconta sua madre - perché tanta gente si accalchi per vedere un cantante, una partita di calcio mentre le chiese, dove è presente lo stesso Cristo, siano quasi sempre vuote. “Noi siamo più fortunati di coloro che  duemila  anni fa furono coetanei del Signore: a quei tempi bisognava cercare di trovarsi nel suo stesso luogo e nello stesso tempo: oggi basta entrare nella chiesa più vicina” : ricorda sempre la madre.

Ovviamente il documentario menziona i tanti episodi nei quali Carlo ha reso concreto il suo amore verso il prossimo (comperare un sacco a pelo per darlo a un barbone, dar loro da mangiare) ma è stato anche significativo il gesto di ritornare indietro dal gelataio che per sbaglio gli aveva dato, come resto venti centesimi in più, perché:  “anche lui ha una famiglia e lavora per dar loro da mangiare”.  Sono attenzioni sociali che colpiscono la fantasia di molti, anche di persone non credenti e finiscono per cristallizzare un’immagine forse troppo semplice, di questo beato. Il  documentario invece  ritorna sempre, giustamente,  al tema dell’eucarestia come fonte di tutto. In una vita spesa nella dimensione  eucarsitica, si entra  nella coeternità,  siamo già nel “tempo di Dio”, il tempo  non come kronos  ( tempo cronologico) ma come kairos (tempo che ha acquistato un senso).

Per conoscere la vita del beato sono stati  intervistati, come già accaduto in altri documentari o programmi televisivi, la madre e il domestico bramino (che si è poi convertito) ma in questo lavoro sono originali l’intervista al suo professore dell’Istituto Leone XIII di Milano, alla sua insegnante di ripetizione quando si trovava ad Assisi e ad alcuni suoi amici d’infanzia.

La  mostra sui miracoli eucaristici da lui concepita, è nata proprio dal desiderio di condividere con altri la sua magnifica scoperta (“al sole ci si abbronza;  di fronte all’eucarestia si diventa santi). Si preparò a fondo per questo progetto e convinse i suoi genitori  a compiere alcuni viaggi, espressamente per fare delle foto che potevano servire. E’ stata anche l’occasione per farci meravigliare della disinvoltura con cui lui,  alla sua età, utilizzasse tutti i moderni metodi telematici e visivi per un fine di bene.

Probabilmente verrà riconosciuto patrono di Internet e ciò costituirà per noi un grande vantaggio: quando staremo chattando, preparando filmati da mandare in rete (per fini buoni!), sapremo a chi rivolgerci...

Il documentario è l’ultimo lavoro realizzato da Cristiana Video , disponibile da domenica 21 febbraio in VOD presso il sito  (https://vimeo.com/ondemand/carloacutis

Renato Pozzetto e Stefania Sandrelli sono strepitosi nel mostrarci le attenzioni, le premure, le apprensioni di una coppia che ha saputo vivere unita per 64 anni uno accanto all’altra, e ora che Caterina se n’è andata, per Nino assume un significato tutto particolare quello che lei aveva scritto in quel foglietto che gli aveva consegnato un momento prima di entrare in chiesa per il matrimonio: se si fossero dati reciproco e infinito amore sarebbero diventati immortali. E’ quello che percepisce Nino, che continua a confidarsi con lei e a chiederle consigli.

Il film compie un’operazione nostalgia incasellando una serie di singoli, piccoli momenti della coppia passati insieme (partecipano a un cineforum di parrocchia, a un ballo in una rotonda sul Po, compiono una passeggiata in bicicletta,..) e  non si impegna a mostrarci in qual modo questo amore coniugale si sia consolidato  e sia degno dell’epiteto di immortale. O meglio, sono proprio quei piccoli, elementari momenti di vita, la vera spiegazione.  Lo chiarisce bene Giuseppe Sgarbi, l’autore del romanzo da cui è tratto il film, in un’intervista a Repubblica del 2016: “Mi bastava questo mondo: le persone che vi abitavano, le lente stagioni, il fiume e i suoi argini, dove andavo a pescare". Quindi la cultura del vivere con calma, di gustarsi un giorno dopo l’altro, che si oppone a quella del progettare, realizzare se stessi. Un approccio che ha un che di religioso, anche se non si parla mai di fede nel film, perché consente di apprezzare ciò che si ha ricevuto invece che costruito. Ancora Giuseppe Sgarbi: "Alla fine una qualche identità la devi pur avere. Si chiamano radici. Ferrara con i suoi dintorni è il loro mondo. È quello che Dio o la natura ti ha dato. Il resto sono conquiste o disfatte provvisorie".

Pupi Avati non poteva che essere il regista più adatto, maestro di nostalgie per gli anni che furono, e struggente amante della propria terra natia. Se coltivare le proprie radici è importante, lo è anche l’amore per la propria famiglia. Il Nino del film, che sta diventando amico di quel ghost writer dalla vita un po’ incasinata, gli ricorda che la fedeltà coniugale ha un “valore sacrale”: val la pena provarci e riuscirci. Lo aveva già sottolineato Giuseppe Sgarbi nella stessa intervista: “Ogni tanto mi è capitato di rimpiangere la famiglia come luogo della tradizione, dove tutto è pace e ordine”.

Nonostante la bravura degli attori, il tema della nostalgia così ben sviluppato, c’è qualcosa di incompiuto in questo film, come di una aspettativa non rispettata.  Verso la fine sembra che ci sia fretta di chiudere, quasi ci trovassimo di fronte a un montaggio incompleto: il percorso di trasformazione di Amicangelo appena accennato, frettolosa chiusura della scrittura del libro, piccoli accenni al lavoro in farmacia, alla passione della coppia per l’arte, quasi riferimenti doverosi ma non sentiti.

E’ sera, i quattro fratelli sono tornati a casa. In camera da letto, iniziano una battaglia con i cuscini e il padre si scandalizza: “Non siete cresciuti per queste sciocchezze?” Ma poi si infila anche lui nella zuffa, fra il divertimento di tutti. Tempo dopo, la famiglia si ritrova ancora riunita, sia pur per poco. I ragazzi fanno una colletta e regalano un violino alla mamma. La mamma si commuove, è da tanto tempo che non suona, ma poi accetta di farlo, sollecitata dal marito e dai figli. Come tanto tempo prima, i ragazzi restano incantati a quelle melodie che non vorrebbero mai smettere di ascoltare. 
Il film è carico di momenti di tensione per la continua ricerca dei ragazzi di un luogo sicuro dove sfuggire ai controlli della Gestapo ma la vera bellezza del film scaturisce proprio da questi momenti di forte unione familiare che non sono un semplice intervallo nel flusso del racconto ma esprimono quell’energia morale che dà ai ragazzi la forza di andare avanti, a dispetto di ogni avversità.  Il premio alla recitazione va proprio a Dorian Le Clech che interpreta il piccolo Joseph: da quel bambino che è contento di aver vinto un sacchetto di biglie dai suoi compagni di scuola e che ancora si alimenta delle coccole di papà e mamma, a ragazzo sperduto migrante con i piedi sanguinanti, con il solo sostegno del fratello; poi abituato a mantenersi con dei lavoretti, ormai addestrato sul valore dei soldi e infine anche disincantato esperto in umanità, abituato a riconoscere chi è un ipocrita e chi è sincero.
Si parla di guerra e di antisemitismo ma il film è ricco in umanità sia da parte di chi si trova sul fronte giusto che su quello sbagliato. Notevole è anche insolito è l’elogio che il film presta a quei sacerdoti cattolici che non hanno esitato ad aiutare quei due ragazzi ebrei, come firmare documenti di battesimo falsi. Né mancano gli “italiani brava gente” che a Nizza giocano tranquillamente a carte con coloro che sanno di essere ebrei. Anche l’ufficiale tedesco incaricato di stanare gli ebrei non ha lo sguardo torvo né digrigna i denti ma svolge con fredda competenza il suo lavoro. E’ un giusto a modo suo: se ha le prove che una persona sia ebrea, la deporta; se non ci sono prove inconfutabili in quel senso, libera i sospetti. Altro personaggio rappresentativo di quei tempi è il libraio dell’Alta Savoia incontrato dai ragazzi. Non è umanamente cattivo (ha dato a Joseph, che si è spacciato per trovatello, il lavoro di vendere i giornali per le strade) ma sostiene il governo di Petain, convinto che solo con l’alleanza con i tedeschi si realizzerà una nuova Europa. 
Alla fine, questo film costruito principalmente ad uso dei ragazzi finisce per risultare più realistico di tanti film per adulti, evitando lo schema semplicistico secondo cui chi sta dalla parte sbagliata è anche tanto cattivo ma mostrando come nella confusione delle tante ideologie del tempo, molti non hanno saputo dare le giuste priorità a quei valori umani che restano universali. Il film, come tutti quelli che ricostruiscono fatti realmente accaduti, ha la forza espressiva del reale: Joseph Joffo,  autore del libro omonimo a cui il libro si è ispirato, è proprio quel Joseph che negli anni quaranta era un piccolo bambino.

Considerato il primo film di animazione europeo per raccontare ai bambini la Shoah, La stella di Andra e Tati porta sullo schermo in modo semplice ma con grande profondità, una delle pagine più drammatiche dello scorso secolo.

La sceneggiatura si basa sul racconto omonimo per bambini, scritto da Alessandra Viola e Rosalba Vitellaro e pubblicato da De Agostini.

La narrazione mantiene il punto di vista delle protagoniste e questo lo rende un prodotto molto efficace per i bambini a cui è indirizzato.

La storia è intersecata a quella di una classe di liceali che, in gita scolastica, va a visitare Auschwitz. Il montaggio alternato fa passare lo spettatore da un’epoca all’altra e cerca di costruire un parallelo. Forse un po’ troppo azzardato l’accostamento tra i bulli della classe e i kapo nazisti: se la matrice della violenza è sempre l’odio tra persone, sono decisamente diverse le modalità e la gravità dei due diversi atti.

Nonostante ciò, risulta interessante la trasformazione del “capo” di questi bulli: la visita ai block, la vista dei cumuli di effetti personali sequestrati agli ebrei appena arrivati al campo di concentramento, provocano in lui un cambiamento di mentalità e di comportamento.

L’aggiunta di alcuni filmati d’archivio delle sorelle Bucci durante i titoli di coda, sicuramente è di aiuto nel comprendere come il film, seppur d’animazione, sia la ripresentazione della storia vera di due bambine e della loro famiglia.

I disegni sono della medesima illustratrice del volume pubblicato (Annalisa Corsi): il tratto essenziale,  la colorazione vivace aiutano  la comprensione anche per i più giovani dei fatti narrati che restano irrimediabilmente drammatici.

Gli  sviluppi della storia  sono accompagnati da una voce fuori campo: quella di una delle bambine che, divenuta grande, ricorda quegli avvenimenti e li propone agli spettatori.

Ne risulta un prodotto pregevole. Indicato  a partire dai preadolescenti perché riesce a mostrare il grande dramma dello sterminio pianificato e perpetrato dai nazisti nei campi di concentramento e lo fa con delicatezza, non perché venga edulcorata la dimensione di violenza, ma perché questa viene lasciata sullo sfondo rispetto alla storia (dolorosa ma carica di affetti) della famiglia Bucci.

Il valore della solidarietà tra le vittime, dell’amicizia, dell’affetto familiare trovano ampio spazio nel film. Valori, questi, che hanno permesso di alimentare nei protagonisti quella speranza che va oltre ogni speranza e che ha consentito loro, non solo di superare prove estreme, ma anche di mostrare come agire per il bene abbia ridonato un po’ di calore umano in quei contesti dove l’umanità sembrava ormai perduta

Il vescovo, ormai prigioniero nel seminario, contempla da una finestra il saccheggio della cattedrale e il falò che i miliziani hanno realizzato bruciando tutti gli oggetti sacri. “Sempre lo stesso errore – commenta -  vogliono un mondo migliore costruendolo con il sangue e con il fuoco. Mi chiedo cosa abbiamo fatto di male”. Lo stesso vescovo sarà il primo a esser prelevato, torturato e poi ucciso con tre colpi di pistola alla tempia ma farà ancora in tempo a dir loro che li perdona.

Il film, autoprodotto dalla congregazione claretiana, si vuole attenere con rigore a quanto è realmente accaduto, pur evitando sequenze impressionanti, perché basato su di una sceneggiatura preparata a partire da alcuni scritti rinvenuti alla fine della guerra civile tra i diari dei martiri, riuscendo così a portare alla conoscenza degli spettatori anche alcuni aspetti dell’interiorità di fede e della psicologia dei personaggi.

Il risultato è di grande equilibrio: tanto ai rivoluzionari quanto ai religiosi viene dedicato uno spazio consono per permettere una migliore comprensione della situazione, dei personaggi e delle dinamiche relazionali senza semplificare troppo e senza trattare in modo superficiale un argomento tanto delicato.

Il film ha come tre protagonisti che avanzano in modo progressivo verso la tragedia finale: i miliziani, i sacerdoti con i seminaristi e la gente di Barbastro. All’inizio non ci sono le avvisaglie di quello che sarebbe accaduto dopo: il colonnello José Villalba Rubio si impegna a garantire l’ordine in città; fra gli aderenti al Fronte Popolare c’è ancora chi, come Eugenio Sopena, pur desiderando portare a termine un totale rinnovamento della società in chiave marxista, è cosciente che l’ordine deve essere garantito e che la vendetta per vendetta porta solo altro odio. Sarà proprio la loro partenza verso Barcellona, per combattere sul fronte, a lasciare la gestione della città in mano ai più fanatici.  

Un capitolo a parte è quello dei giovani seminaristi. La testimonianza che riescono a dare è grande. La vita di preghiera mai abbandonata (anche in situazione precaria), la comunione con ostie consacrate fortunatamente trafugate, la fraternità vissuta con affiatamento e solidarietà, diventano gli strumenti per superare la paura del dolore e della morte, forza per resistere anche alle torture e alle umiliazioni. Quella di abbracciare il martirio non è una decisione semplice e presa a cuor leggero né dai superiori né dai seminaristi: più volte viene data loro la possibilità di salvare la vita, abbandonando l’abito talare, ma nonostante la giovane età, i giovani decidono di conservare la fede a scapito dell’esistenza terrena.

Infine c’è il terzo protagonista, il più oscuro: la folla. Una folla che saccheggia le chiese, che esulta quando i seminaristi salgono su un camioncino per andare a morire. “Che cosa abbiamo fatto di male?” è la domanda che si pone il vescovo senza poter ricevere risposta. Anche un seminarista, figlio di contadini, si domanda come mai tanti altri di origine contadina come  lui nutrano tanto odio verso la Chiesa. Se il film costituisce una bellissima testimonianza di martirio in nome della fede, lascia un vuoto narrativo su questo aspetto. Si tratta di una domanda che non ha solo un valore storico ma attuale: come mai la congregazione claretiana ha dovuto lei stessa produrre il film? Questo scorcio di storia, anche se dolorosa, non poteva avere un significato per l’intera nazione e per il resto del mondo?

Le interpretazioni sono molto convincenti anche se non tutti sono dei professionisti; tecnicamente, il film è curato, ma mostra talvolta il basso budget che ha avuto a disposizione. Resta evidente che lo scopo non è quello di concorrere per premi internazionali ma di lasciare alla memoria dei posteri una testimonianza cristiana di alto profilo.

Un film che si unisce ad altri che hanno portato alla luce i fatti legati alle persecuzioni operate durante la guerra civile spagnola: basti pensare a There be dragons di Roland Joffé del 2011 o richiama altri casi di eroico martirio come quello dei monaci benedettini in Algeria nel 1996 ricordato in Uomini di Dio