Dramma

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AMABILI RESTI

Inviato da Franco Olearo il Lun, 09/13/2010 - 12:05
Titolo Originale: The Lonely Bones
Paese: USA
Anno: 2009
Regia: Peter Jackson
Sceneggiatura: Fran Walsh, Philippa Boyens e Peter Jackson dal romanzo di Alice Seabold
Produzione: Stephen Spielberg e Peter Jackson per Wignut Films/Dreamworks Pictures/Film Four
Durata: 135'
Interpreti: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon, Stanley Tucci

Susie Salmon ha solo 14 anni quando viene rapita e assassinata da un vicino di casa che nasconde un passato oscuro. Mentre la sua famiglia straziata dal dolore combatte per trovare una ragione a quanto è accaduto, Susie, sospesa in una condizione intermedia tra la Terra e l’Aldilà, deve compiere un percorso per riuscire a dire addio ad una vita che le è stata strappata troppo presto.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Bella rappresentazione della famiglia di Susie, piena di calore e unità (finchè lei è viva) ma il film non riesce ad affrontare con serietà la questione dell’esistenza o meno di un Aldilà
Pubblico 
Adolescenti
Alcune scene di forte tensione e violenza.
Giudizio Artistico 
 
L’insieme fa sì che il film mostri una cerca discontinuità, alternando momenti di intensa emozione e coinvolgimento a passaggi ai quali è quasi più facile riconoscere un valore “pittorico” piuttosto che una reale necessità narrativa.

Adattamento di uno struggente romanzo di Alice Seabold, il nuovo film di Peter Jackson (affiancato dall’ormai consolidata squadra di sceneggiatori con cui ha lavorato sulla saga del Signore degli anelli) tenta di riprodurre il doppio binario su cui si muove il testo di partenza: da una parte raccontare il lutto della famiglia di Susie, dall’altra la vita sospesa della ragazzina assassinata, incapace di staccarsi dal suo mondo e dai suoi cari.

Le scene che riguardano la famiglia Salmon prima del delitto (esempio di calore e unità tra i suoi membri a dispetto dei piccoli scontri di ogni giorno) e dopo di esso (quando il dolore sembra troppo forte da affrontare e rischia di creare fratture insanabili) sono capaci di catturare profondamente lo spettatore con alcuni profondi accenti di verità e la pietà da cui sono avvolti i vari personaggi.

Non si può dire la stessa cosa delle scene destinate a visualizzare la condizione spirituale (?) di Susie, sospesa in un limbo, ma affacciata da una parte sul suo vecchio mondo (con i suoi cari e il ragazzo che amava, ma anche il suo ignobile assassino), dall’altra su un paradiso che, purtroppo, ha i connotati di una fantasia un po’ troppo kitsch in cui prevale l’esibizione delle ricostruzioni CGI che hanno fatto la fortuna della Wignut Films di Jackson.

Riflesso probabilmente della difficoltà di affrontare davvero e con serietà la questione dell’esistenza o meno di un Aldilà (non è un caso che di Susie non si celebri mai un funerale e non certo solo per la mancanza di un corpo…), la scelta narrativa di Jackson finisce per penalizzare una pellicola che vive i suoi momenti più coinvolgenti quando resta attaccata alla verità dei legami familiari o quando fa vivere la profondità di essi attraverso la nostalgia vissuta da Susie (raccontata meglio nel romanzo della Seabold, ma comunque ben presente anche qui), mentre diventa deludente e a tratti perfino noiosa nel tripudio delle immagini oniriche che occupano un buon terzo del film.

L’aspetto più interessante della storia, comunque, non è nemmeno quello che riguarda la scoperta dell’identità del colpevole (uno Stanley Tucci purtroppo sopra le righe), che è giustamente presentata come non necessaria né sufficiente a dare alla famiglia Salmon l’occasione di ritrovarsi e ricominciare.

La strada interrotta dalla morte di Susie (che avviene non a caso proprio alla vigilia del suo primo bacio) viene ripresa quando ognuno a modo suo completa un percorso di elaborazione del lutto comprendendo di non poter fare a meno degli altri.

Al contrario non è chiaro come e perché a un certo punto, realizzando tutta la mostruosa portata delle azioni del suo assassino (nell’incontro con le sue precedenti vittime) e mentre il suo corpo viene metaforicamente sepolto per non essere mai ritrovato, Susie possa lasciare il suo limbo per un paradiso dai contorni piuttosto vaghi.

L’insieme fa sì che il film mostri una cerca discontinuità, alternando momenti di intensa emozione e coinvolgimento (così come altri di tensione e angoscia) a passaggi ai quali è quasi più facile riconoscere un valore “pittorico” piuttosto che una reale necessità narrativa.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LOURDES

Inviato da Franco Olearo il Lun, 09/13/2010 - 11:57
Titolo Originale: Lourdes
Paese: Austria, Francia, Germania
Anno: 2009
Regia: Jessica Hausner
Sceneggiatura: Jessica Hausner
Produzione: Coop 99, Parisienne de Production, Essential Filmproduktion, Thermidor Filmproduction, ZDF, Arte France Cinema
Durata: 99'
Interpreti: Sylvie Testud, Léa Seydoux, Bruno Todeschini

Un gruppo di pellegrini, guidati dai volontari dei Cavalieri di Malta, giunge a Lourdes. Fra di loro c'è Christine, paraplegica, bloccata nelle gambe e nelle braccia. Si è unita al gruppo per fare qualcosa di diverso e sentirsi meno sola ("avrei preferito andare a Roma, sarebbe stato un viaggio più culturale"): la sua fede è tiepida. Poi, improvvisamente, dopo la visita alla grotta, i suoi arti riprendono vita e può abbandonare la sedia a rotelle. Gli applausi di taluni si mescolano con le invidie di altri (perché è toccato a lei?). Inoltre una sua successiva caduta può far pensare che la guarigione non sia completa...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
L'autrice promuove con abilità la sua visione pessimistica sulla possibilità di definire cosa sia la verità
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
L'autrice impiega uno stile molto personale per narrare una storia di idee ma non di persone

Il film Lourdes ha sicuramente qualcosa di singolare per aver avuto al contempo il premio SIGNIS (World Catholic Association for Communication) e il premio Brian (in onore dell'irriverente film Brian di Nazareth del 1979) della UAAR (Unione degli atei e degli agnostici razionalisti).
Vittorio Messori, nel suo articolo apparso sul Corriere della Sera del 12 febbraio ci ha messo in guardia dall'attribuire un messaggio positivo al film: chi è stato realmente a Lourdes sa che è il luogo del dolore ma anche della gioia,  della speranza, dell'infinita generosità di tanti volontari, ben lontana  dalla rigida compostezza dei protagonisti del film, dai plumbei dubbi, dai vischiosi  sospetti   che aleggiano nell'opera cerebrale della Hausner.

Il film tratta il tema della fede e del significato che possono avere i miracoli  per la fede, in modo così politically correct da aver dato soddisfazione ad entrambi i fronti. E' una tendenza che  già vista in altri film recenti.
Ne Il segreto di Vera Drake -2004", sul tema dell'aborto  la condanna finale della protagonista, rea di praticare aborti clandestini, poteva al contempo venir vista come un giusto castigo per un'azione riprovevole ma anche (la storia è ambientata negli anni '50) come il ricordo di un oscuro  passato, ora  finalmente conclusosi con la legalizzazione dell'aborto.
Alla lista dei film "bilanciati" possiamo aggiungere 4 mesi, tre settimane e due giorni, ancora sull'aborto e in una certa misura anche Million dollar baby sull'eutanasia.

Anche ora per Lourdes, il finale aperto (non sappiamo se per Christine si può parlare di guarigione definitiva o no, di miracolo o no) può apparire un elogio del dubbio sistematico, tipico  degli agnostici ma potrebbe anche essere una riflessione "sulla libertà umana e l'intervento divino "  (dalla motivazione del premio SIGNIS).

E' bene quindi abituarsi a trattare questo tipo di film: molto probabilmente altri ne seguiranno. Film molto abili che conoscono le opinioni dei due fronti contrapposti, evitano le obiezioni più scontate, sono privi di qualsiasi spunto polemico e  puntano, per esprimere le reali intenzioni dell'autore ,  su dei sottili distinguo che vanno letti fra le righe del testo, nella scelta delle immagini, nello stile adottato.

Nel caso di Lourdes la cronaca delle giornate dei pellegrini  appare fedelmente ricostruita ma c'è qualcosa di innaturale nei personaggi: ben allineati nelle file per accedere alla grotta, diligentemente seduti nell'attendere la benedizione del sacerdote, composti e silenziosi nella sala da pranzo; gli accompagnatori scambiamo poche parole, per di più di circostanza, con i malati.
Ancora più sconcertante quello che accade dopo l'inaspettata guarigione di Christine: qualche discreto applauso dei vicini, ma poi molti commenti detti sottovoce.

E' evidente che all'autrice non interessa porre l'accento sul cuore, analizzare quest'umanità sofferente  che è arrivata fino a Lourdes forse per fede, forse perché spinta da un'irrazionale speranza; le interessa molto di più il dibattito sulle idee e per questo semplifica molto i personaggi, pulisce le immagini, lascia che siano le loro riflessioni  a prendere il sopravvento.
Non è estranea allo stile dell'autrice anche una sottile ironia: "alla fine del soggiorno verrà nominato il migliore pellegrino"-dice la coordinatrice del gruppo; "qualcuno vuole bere l'acqua di Lourdes?" dice un' accompagnatrice porgendo una caraffa: una specie di rinforzo per il pomeriggio, dopo che i malati si erano recati in mattina alla piscina.

Vediamole quindi queste riflessioni, molte delle quali avvengono attraverso un dialogo fra i pellegrini ed il sacerdote che li accompagna. Anche in questo caso le domande appaiono legittime per chi cerca un orientamento ("cosa debbo fare per poter guarire? Perché non ho una vita normale? Perché la guarigione è toccata a lei e non a me?) e le risposte sembrano proprio quelle che ci si aspetta da chi porta l'abito talare ("bisogna guarire prima l'anima del corpo"; "i miracoli avvengono tutti i giorni ma noi non sappiamo riconoscerli") ma  più insidiosi sono che avvengono ai margini della guarigione di Christine.

Due compagne della ragazza si confidano sottovoce: "Se la guarigione non dura vuol dire che non si trattava di un vero miracolo. In questo caso Dio non c'entra niente". Manca in queste due donne e quindi nell'autrice la visione provvidenziale di un Dio  che opera continuamente ed è presente nella nostra vita di tutti i giorni;  probabilmente l'autrice ha in mente il Dio orologiaio degli Illuministi, che si è limitato, agli inizi dei tempi, a caricare la molla di questo mondo.

Un accompagnatore chiede al sacerdote:
"Dio è buono o è onnipotente? Se fosse onnipotente e buono dovrebbe poter guarire tutti":  anche in questo caso si tratta di un dubbio insidioso  che  salta completamente il significato dell'incarnazione di Cristo, il suo valore redentivo e il senso cristiano della sofferenza.

Da questi esempi appare chiaro che bisogna evitare di "stare al gioco" dell'autrice ma vedere il film nel suo complesso.
Una cosa è certa: non vediamo Christine, dopo che è stata beneficata di questa guarigione inaspettata,  affrettarsi ad andare in cappella a ringraziare il Signore nè non appare particolarmente turbata per l'evento di cui si è trovata protagonista (felice sì, ma felice in modo fisiologico, per aver ritrovato l'uso delle gambe e delle braccia) viceversa, vediamo che tutte le altre persone della comitiva, a parte qualche tiepido applauso a Chritine, cercano di rispedire il miracolo al mittente con tante domande, disturbati per un evento che ha infranto le regole.

L''autrice cerca di evitare, sequenza per sequenza, dialogo per dialogo,  che quell'evento eccezionale possa venir interpretato come miracolo e ancora una volta usa l'ironia (quando Christine si reca con il sacerdote al Centro Medico, vengono invitati ad aspettare il loro turno, perché ci sono tre persone prima di loro che debbono ugualmente denunciare una guarigione inspiegabile; quando i pellegrini assistono ad un filmato-intervista di una persona che a Lourdes è guarita inaspettatamente, le solite due comari commentano che l'intervistato  è rimasto seduto e non lo si è mai visto in piedi)

L'autrice cerca di evitare che l'esistenza di Dio venga  in qualche modo dimostrata tramite una rigorosa  logica di causa ed effetto; in questo ha perfettamente ragione e tutte le sue cautele sono  inutili; non sono certo i medici a dichiarare miracolosa una guarigione (al più dichiarano una guarigione inspiegabile alla luce delle attuali conoscenze mediche)  ma è la Chiesa. Su molte migliaia di guarigioni inspiegabili avvenute a Lourdes, solo 67 sono state riconosciute come miracoli, in base non solo alla straordinarietà dell'evento  ma anche al significato soprannaturale che gli è stato riconosciuto.
Con molta coerenza nel suo pensiero, la Hausner, intervistata al Festival di Venezia dove il film era stato presentato, ha detto: " “Quello che per me è difficile capire nella religione cattolica è questa proiezione verso il futuro, questa fantasia della salvezza, della caramellina che si vede ma non si sa quando si raggiungerà”.
Alla Hauser manca una visione metafisica:  la capacità della nostra ragione di capire che c'è qualcosa al di sopra di noi, anche se non riusciamo a coglierne completamente, a causa della nostra piccolezza, l'essenza.

Le autorità religiose di Lourdes hanno concesso alla troupe del film di girare negli stessi luoghi della devozione , senza neanche chiedere una visione preventiva della sceneggiatura, secondo quanto dichiarato dalla stessa autrice.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL FIGLIO PIU' PICCOLO

Inviato da Franco Olearo il Lun, 09/13/2010 - 11:14
 
Titolo Originale: IL FIGLIO PIU' PICCOLO
Paese: Italia
Anno: 2010
Regia: Pupi Avati
Sceneggiatura: Pupi Avati
Produzione: Duea Film, Medusa Film
Durata: 100'
Interpreti: Cristian De sica, Laura Morante, Luca Zingaretti, Nicola Nocella

Baietti, un affarista spregiudicato, sembra aver messo la testa a posto: ha deciso  di sposare Fiamma, con cui convive e dalla quale ha già avuto due figli. In realtà la manovra è tutto un pretesto per  ipotecare due case della donna che sono utili per alcuni suoi intrallazzi poco puliti. Sono passati 15 anni e Baietti rischia di veder fallita la sua azienda: ancora una volta, il suo astuto socio, Sergio, un ex-monaco, gli propone di cedere l'azienda, debiti ccompresi, a suo figlio Baldo, ormai maggiorenne...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Avati porta sullo schermo una parabola sulla cattiveria umana contrapposta alla infinita bontà. Il film non è pessimista ma esalta la grandezza dei piccoli, degli ingenui, dei puri di cuore.
Pubblico 
Pre-adolescenti
La rappresentazione di genitori cattivi o indifferenti verso i propri figli potrebbe dispiacere ai più piccoli
Giudizio Artistico 
 
Eccellente scrittura, semplicità della narrazione, assenza di volgarità e scemenze, uso sapiente degli attori
Autore: Claudio Siniscalchi
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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INVICTUS - l'invincibile

Inviato da Franco Olearo il Ven, 09/10/2010 - 12:05
Titolo Originale: Invictus
Paese: USA
Anno: 2009
Regia: Clint Eastwood
Sceneggiatura: Anthony Peckham dal volume di John Carlin
Produzione: da Clint Eastwood, Robert Lorenz, Lori McCreary, Mace Neufeld e Kel Symons per Malpaso Productions/Revelations Entertainment/Spyglass Entertainment/Mace Neufeld Productions
Durata: 133'
Interpreti: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge

Quando Mandela viene eletto Presidente del Sud Africa post-apartheid il Paese è ancora diviso dall’odio razziale e paga le conseguenze economiche di anni di embargo con gravi problemi di disoccupazione e tassi di criminalità crescenti. Convinto del grande potere della riconciliazione attraverso il perdono, Mandela scommette sulla possibilità di riunione il paese nel sostegno alla squadra di rugby “bianca” che affronterà i mondiali di lì a un anno con tutti i pronostici contro. Gli Springboks, guidati da François Pienaar, il capitano convinto dell’importanza del progetto del presidente, sapranno superare ogni attesa lanciando un messaggio di speranza e cambiamento.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il neo presidente Nelson Mandela con equilibrio e spirito di leadership spezza le logiche tribali che pervadono ancora i suoi compagni di lotta e vince le diffidenze degli precedenti dominatori e stimola in tutti l'orgoglio per la nuova nazione
Pubblico 
Pre-adolescenti
Per alcune scene di violenza
Giudizio Artistico 
 
Clint Eastwood ancora una volta è capace di regalarci eroi straordinari e al contempo personaggi profondamente umani e veri

“È un calcolo politico, questo rugby?” chiede l’assistente di Mandela “è umano, il calcolo” le risponde il nuovo Presidente che ha deciso di scommettere il suo capitale di carisma e seguito su un gioco tradizionalmente associato alla minoranza afrikaner che fino a pochi anni prima aveva oppresso la maggioranza nera e ora guardava con disagio a un paese in faticosa ricerca di rilancio.

La nazione arcobaleno, con una nuova bandiera e un nuovo inno, arranca nelle difficoltà economiche e nei rancori che non si possono cancellare con un colpo di spugna ed è questo momento, drammatico e decisivo, che Eastwood decide di raccontare, con piglio classico, ma non troppa retorica, lasciando parlare i fatti e le persone anche quando l’effetto è quello di rinunciare agli stilemi del racconto sportivo o della biografia cinematografica.

È così che il suo ingombrante protagonista (un Mandela incarnato con grande maturità da Morgan Freeman) domina totalmente la scena, anche quando non è in campo (filmicamente e sportivamente parlando), capace di trasmettere l’approdo di un percorso umano non privo di ombre (l’accusa di terrorismo che i bianchi gli lanciavano aveva le sue basi in alcune azioni del suo partito), ma ormai pervenuto ad una convinzione matura, quanto esigente. “Il perdono libera l'anima, cancella la paura. Per questo è un'arma tanto potente” spiega Mandela. Perché spezza le logiche tribali che pervadono ancora i compagni di cammino del Presidente (che non a caso lo chiamano Madiba, con il nome del suo clan) e può penetrare il cuore di chi (come Fraçois Pienaar e la sua famiglia) probabilmente, pur non sottoscrivendo le pratiche dell’apartheid, non ha fatto mai niente per cambiare le cose e ora teme solo di essere messa ai margini. Non è un caso che Pienaar venisse da una famiglia della classe operaia, che dalla presidenza Mandela aspettava di vedersi sottratto il lavoro a favore dei neri.

Sul personaggio di Pienaar Eastwood rinuncia a un altrimenti prevedibile trattamento hollywoodiano: il capitano (a cui Matt Damon, pur dal “basso” del suo metro e settanta, dà convinzione e tenacia) aderisce fin da subito alla proposta di Mandela, affascinato dalla sua personalità e dalla responsabilità che gli viene affidata e se pure deve affrontare la diffidenza dei compagni nei confronti della campagna montata da Mandela attraverso visite ai campi da gioco polverosi delle baraccopoli (ma anche quella alla famigerata prigione di Robben Island).

Di lì quanto segue sembra davvero un cammino segnato dal destino, che porta, proprio secondo i dettami di Mandela, ad andare oltre le proprie aspettative, trascinando con sé, non senza qualche impaccio, ma tutto sommato con naturalezza, un intero paese.

La sfida di Eastwood, invece, è quella di non fare il classico “film ispirato ad eventi realmente accaduti”, che poi romanza amplificando o inventando dinamiche psicologiche che intrighino il pubblico, ma di attenersi quanto più possibile esattamente all’accaduto (come indicato in coda alla pellicola), a volte lasciando spazio a scambi esplicativi, con il preciso intento di dare conto di un momento storico fondamentale nella storia recente.

Proprio per questo Invictus, pur nell’evidente intento di celebrare la figura di Mandela e anche tradito qua e là da qualche lungaggine, riesce ad non essere semplicemente un film-monumento, ma prima di tutto un riconoscimento (che ha anche un riflesso religioso, come ci ricorda la preghiera dei giocatori non a caso posta alla fine e non all’inizio – dove sarebbe stata l’equivalente del canonico “discorso alle truppe”- dell’ultima partita) delle infinite possibilità racchiuse nel cuore dell’uomo, della sfida che la sua libertà può e deve cogliere nel rapporto con gli altri.

Una sfida che è da sempre, anche se declinata in modi diversi, una costante del cinema di Eastwood, capace di regalarci eroi straordinari e al contempo personaggi profondamente umani e veri.

Autore: Luisa Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione
Canale: cinema sony
Data Trasmissione: Mercoledì, 18. Luglio 2018 - 23:45


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NORD

Inviato da Franco Olearo il Ven, 09/10/2010 - 11:28
Titolo Originale: NORD
Paese: Norvegia
Anno: 2009
Regia: Rune Denstad Langlo
Sceneggiatura: Erlend Loe
Produzione: Brede Hovland, Sigve Endresen, Rune Denstad Lango per Motlys
Durata: 78'
Interpreti: Anders Baasmo Christiansen, Kyrre Hellum, Marte Aunemo

Jomar, un tempo sciatore provetto, è ridotto a fare da custode a un impianto di risalita sulle montagne della Norvegia. Una grave depressione gli ha fatto perdere la moglie Linnea (che gli ha preferito il suo migliore amico Lasse) e il figlio. Jomar si trascina tra il lavoro, che fa malvolentieri, e la clinica psichiatrica dove ritornerebbe volentieri a seppellirsi. Ma un giorno Lasse viene a parlargli di suo figlio, e Jomar, vincendo la sua inerzia, si mette in strada verso nord con la sua motoslitta per cercare di recuperare almeno quel rapporto. Sulla sua strada incontrerà personaggi ancora più strani di lui…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Un cambiamento in positivo, piccolo, ma reale del protagonista afflitto dalla depressione e dalla solitudine
Pubblico 
Adolescenti
Linguaggio scurrile e riferimenti sessuali.
Giudizio Artistico 
 
I dialoghi ridotti al minimo, le situazioni a tratti grottesche e il passo non proprio incalzante del racconto rendono questo film non adatto a tutti i palati.
Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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DONNE SENZA UOMINI

Inviato da Franco Olearo il Ven, 09/10/2010 - 10:42
Titolo Originale: Zaran bedoone mardan
Paese: Germaia, Austria, Francia
Anno: 2009
Regia: Shirin Neshat, Shoja Azari
Sceneggiatura: Shirin Neshat, Shoja Azari
Produzione: COOP99, Filmproduktion, Essential Filmproduktion Gmbh, Societè Parisienne de Production
Durata: 95'
Interpreti: Pegah Ferydoni, Arita Shahzad, Shabnam Toulei

Teheran, estate 1953. Il primo ministro Mossadeh, che sta portando a compimento la nazionalizzazione del petrolio iraniano, viene destituito con un colpo di stato organizzato dallo Sha Reza Pahlavi con l'appoggio degli Stati Uniti, Quattro donne vivono quei momenti  in modo drammatico: la perdita della libertà del popolo si riflette sulle loro vite oppresse dalla violenza e dall'insensibilità degli uomini

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film denuncia il colpo di stato che portò il popolo iraniano a vivere sotto una sequenza ininterrotta di regimi autoritari . Le giustissime denunce sull'oppressione che subisce la donna in questo paese sembrano però escludere qualsiasi forma di riconciliazione fra i due sessi
Pubblico 
Adolescenti
Per l'angoscia che scaturisce dalla storia. Alcune immagini di nudo femminile
Giudizio Artistico 
 
Traspare dal film la sincera ansia di libertà dell'autrice, ma la realizzazione appare costruita a freddo con eccesso di simbolismo. Leone d'argento per la miglior regia al festival di Venezia 2009

Munis si sta appassionando alle vicende politiche del suo paese ma il  fermento e le manifestazioni che si susseguono nelle piazze sono vissute da lei solo attraverso i notiziari della radio: il fratello si impone su di lei in base all'autorità che ritiene di avere e la costringe a restare a casa, in attesa dell'arrivo del pretendente che lui stesso ha scelto.  Munis sale sul tetto della casa e medita il suicidio.
Faezeh è innamorata del fratello di Munis ma una sera, mentre rientra in casa, viene brutalmente violentata.
Zarin fa la prostituta  in una delle case chiuse della città:  la sua figura anoressica è il segno della vita che in lei si sta spegnendo; riesce a reagire fuggendo dal bordello  e raggiunto un bagno pubblico per donne, cerca di portar via con una spatola dal suo corpo la sporcizia che sente addosso, fino a sanguinare. 
Fakhiri è una donna sui cinquant'anni, sposata con un tracotante generale dell'esercito; decide coraggiosamente di lasciare il marito  e si ritira nella sua villa di campagna. Nella stessa casa troveranno rifugio anche le altre donne della storia.

Se l'Iran e la sua storia recente ci è oggi meno estranea, lo dobbiamo ad alcune ultime produzioni cinematografiche che hanno delle donne come autrici.

Persepolis - 2007 , premio alla regia al Festival di Cannes 2007 dell'autrice di graphic novel Marjane Satrapi, raccontava con la tecnica dell'animazione la sua storia personale che scorreva parallela alle vicende del suo paese, dalla caduta dello Sha all'instaurazione della  repubblica islamica, alla guerra contro l'Irak.
Se Marjane impiegava un piglio realistico che grazie alla maggior sintesi ottenibile con l' animazione, riusciva in 90 minuti a raccontarci la complessa storia del suo paese parallelamente alla sua storia personale, Shirin Neshat, fotografa e videoartista che da tanti anni vive negli USA, prende con il suoDonne senza uomini,  una strada completamente diversa.

Essa si muove per simboli, per metafore, le quattro donne  rappresentano altrettante tipologie femminili unificate dall'oppressione di una civiltà maschilista che continua, lascia intendere l'autrice, ancora oggi.

Le più fragili di loro muoiono perché perfino la morte costituisce una forma di libertà; come Munis, che può in questo modo "partecipare " liberamente alle manifestazioni di piazza.

Unico conforto per queste donne è il grande giardino della casa di campagna di Fakhiri, lussureggiante e silenzioso,  favolisticamente fotografato, percorso da un tranquillo ruscello. Sono tutti simboli del Paradiso islamico, per loro un luogo di pace senza gli uomini.

Il grido tragico della libertà violata che vuole esprimere l'autrice è filtrato attraverso un formalismo  sapientemente confezionato,  frutto della sua esperienza di fotografa.
Le immagini sono fortemente evocative:  nel bagno turco femminile si diffonde  una luce che filtra dall'alto e che ricorda tanti lavori dei pittori orientalisti francesi; il corpo dell'infelice  Zarin giace sull'acqua del torrente come l’Ofelia di un famoso quadro pre-raffaellita.

I cortei per le strade,   gli infuocati discorsi nelle piazze a favore di Mossadech, le tipografie clandestine per la stampa dei volantini, le perquisizioni della polizia, la convivenza di ambienti  sociali fra loro così diversi (abiti occidentali per l'alta borghesia, chador e rigoroso tradizionalismo  per il popolo) costituiscono un   veloce ma vivace affresco del'Iran  dell'epoca, che mal si amalgama con le storie  delle quattro donne-simbolo. 

Complessivamente il film, pur nella sincera tensione civile dell'autrice, manifesta qualcosa di troppo costruito, troppo celebrale.

La stessa denuncia della condizione della donna in Iran, sembra approdare a una contrapposizione uomo-donna senza via di uscita, tanto gli uomini sono ottusi e violenti quanto le donne sono disperate ed oppresse.

A onore dell'autrice va comunque notato che se Marjane Satrapi, nel suo racconto Persepolis, affronta i problemi del suo paese, concludendo che  l'unica soluzione è l'emigrazione e mostra nel suo film una sensibilità ormai occidentale con una istanza laica a-confessionale molto forte, per Shirin Nesha l'attaccamento al suo paese, la sofferenza per le sorti del suo popolo è più sentito. I suoi riferimenti culturali restano ancora quelli di un Iran islamico.

Sarà forse proprio per questo che uno spettatore occidentale ha maggiori difficoltà ad immedesimarsi nel suo stile e nelle sue storie.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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SUL MARE

Inviato da Franco Olearo il Gio, 09/09/2010 - 12:47
Titolo Originale: df
Paese: Italia
Anno: 2010
Regia: Alessandro D'Alatri
Sceneggiatura: Anna Pavignano, Alessandro D'Alatri
Produzione: Buddy Gang, Warner Bros Entertainment Italia
Durata: 100'
Interpreti: Dario Castiglio, Martina Codecasa, Nunzia Schiano, Vincenzo Merolla

Salvatore ha vent'anni, è nato e cresciuto a Ventotene. D'estate porta con la sua barca in giro i turisti: è un bel ragazzo e non fa fatica a trovare clienti. Per l'inverno sbarca il lunario facendo il muratore,  pagato in nero. Un giorno d'estate conosce Martina, studentessa genovese e dopo una giornata al mare (lei è una esperta subaquea) si innamorano perdutamente. L'estate finisce e Salvatore non pensa che a lei. Ma al telefono Martina non risponde e il ragazzo sta ormai perdendo la speranza di rivederla. Poi, l'estate successiva, Martina arriva di nuovo a Ventotene; Salvatore ritrova tutto lo slancio del suo amore mai sopito anche se Martina resta troppo silenziosa e misteriosa...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film di D'Alatri ha il merito di parlarci dell'Amore con l'A maiuscola, quello che è in grado di coinvolgere la totalità del nostro essere e di farci desiderare che duri tutta la vita.
Pubblico 
Maggiorenni
Qualche scena sensuale e di nudità parziale. La madre, pur di vedere felice suo figlio, acconsente che i due convivano in casa sua per un'estate
Giudizio Artistico 
 
I due personaggi sono tratteggiati con molta cura. La storia ha qualcosa di incompleto, di frettolosamente concluso

Il film parte piano (Salvatore incontrerà Martina a mezz'ora dal film): D'alatri ci vuole prima presentare il ragazzo, la sua famiglia ma ancor più Ventotene,  per abituare anche noi ai tempi lenti di un'esistenza che non si evolve,  scandita dall'alternanza delle stagioni che qui sono solo due (come i lati del materasso - osserva Salvatore): quello sfavillante dell'estate a cui segue il ventoso letargo invernale.

Salvatore è un bravo ragazzo che vive in una realtà fatta di poche cose ma fondamentali: il mare, la  barca tirata a lucido, i  genitori, la nonna che sta in collina e che cucina tanto bene, gli amici, la casa con le finestre che si affacciano sulla distesa blu. Ma è proprio questo esercizio di semplicità che forma e prepara l'animo di Salvatore ad accogliere l'amore, quando arriverà,  nella sua essenziale verità.

La sua vita è serena ma finora ha potuto solo intuire cosa sia l'amore osservando gli amici che lo hanno già trovato; è abituato a riflettere e cerca di capire da loro cosa realmente sia.

Quando incontra Martina, di colpo tutto si attualizza, nel modo più semplice e chiaro.  "L'amore è fatto di desideri, di fiducia e sincerità. Tutte queste cose le sento. Per questo sono sicuro che ti amo": le dice Salvatore; il suo cuore è generoso, disponibile  e si lascia afferrare da questo amore interamente, ne coglie spontaneamente l'essenza: per vivere ha bisogno di fedeltà reciproca e di una promessa che duri tutta una vita.  E' un cambiamento totale della propria esistenza e per entrambi si trasforma quasi da subito in un doloroso cammino di crescita.
Se Martina, dopo la sua partenza non gli telefona più, Salvatore semplicemente ne muore, perché per lui ormai quell'amore è diventato il motivo della sua esistenza e le piccole cose di ogni giorno restano ora appiattite di fronte alla sua grandezza: "prima, con il mare mi sembrava di avere tutto, ora non ho più niente".

Martina è diversa. Si innamora di Salvatore ma il suo cuore non procede in linea retta, è un magma di sentimenti contrastanti; sappiamo poco di lei ma comprendiamo che la sua vita è stata ed è complicata, forse troppi amori che non erano amori,  forse si è tenuta il suo cuore per sè senza coinvolgerlo mai completamente:  "finora ho sempre dato la colpa agli altri. Nessuno mi avrebbe mai obbligata a far niente se non glielo avessi permesso.  Sono io che ho scelto che certe cose non succedessero". Martina percepisce che quell'amore potrebbe modificare la sua esistenza e  in un momento di sincerità chiede a Salvatore di "essere salvata"; sa di non riuscire a trovare in sè la generosità sufficiente per farsi curare da questo amore.

In un momento dove l'abbondante e invasiva produzione di Moccia ci presenta personaggi che sembrano di plastica, Alessandro D'Alatri ha il grande merito di farci ricordare cosa sia realmente l'amore: un coinvolgimento totale e incondizionato della nostra persona.  Al contempo ci ricorda che non è più facile oggi percepirlo nella sua forma originaria e la scettica  e infelice Martina fa da contrappunto a un Salvatore che per provare ciò che prova, lo dobbiamo immaginare nato e cresciuto su di un isola.

Nei film di D'Alatri è sempre stata presente una forte tensione civile: in Casomai evidenziava la carenza di scuole materne pubbliche edi un fisco vessatorio per le famiglie; in La febbre puntava il dito sulla lentezza della burocrazia e la corruzione di certa classe politica; ora in questo film ci parla del  lavoro in nero nei cantieri, della mancanza di sicurezza e delle morti bianche.
Si tratta però di un filone del racconto  che scorre in parallelo (Salvatore, d'inverno, lavora in cantiere senza contratto) senza integrarsi molto con il tema principale e  se  prenderà il sopravvento nella parte finale del film  fino a determinare la conclusione della storia,  appare quasi un espediente che lascia con l'amaro in bocca perchè ci congeda dai due protagonisti troppo frettolosamente.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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MISURE STRAORDINARIE

Inviato da Franco Olearo il Gio, 09/09/2010 - 11:38
 
Titolo Originale: Extraordinary Measures
Paese: USA
Anno: 2010
Regia: Tom Vaugham
Sceneggiatura: Robert Nelson Jacobs tratto dal libro "The cure.." di Geeta Anand
Produzione: CBS Films Double Features Films10'
Durata: 110'
Interpreti: Brendan Fraser, Harrison Ford, Keri Russell

Johm Crowley è un manager pubblicitario sposato con tre figli due dei quali, Megan e Patrik, hanno una rarissima malattia: la glicogenosi di tipo II (malattia di Pompe) che si manifesta fin dalla nascita e che dà una speranza di vita di 8-9 anni. John non vuole arrendersi all'ineluttabile e decide di raggiungere il ricercatore  Robert Stonehill che sta lavorando a un enzima sintetico che potrebbe risolvere il caso. John decide di mettersi in società con Robert e si impegna  a trovare il denaro sufficiente per consentirgli di portare a conclusione la ricerca...

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film mostra una grande fiducia nelle capacità dell'uomo, nella sua dedizione incrollabile alla famiglia e nella capacità di affrontare per essa qualsiasi sfida
Pubblico 
Pre-adolescenti
Potrebbe impressionare i più piccoli la visione dei due bambini malati
Giudizio Artistico 
 
I film ha una solida struttura secondo i canoni dei film americani a lieto fine che ricorda i classici degli anni cinquanta. Buona prestazione di Harrison Ford e di Brendan Fraser

Iniziamo subito con il dire che il film è ispirato, senza troppe libertà, a una storia vera. E' tratto dal libro "The cure" della giornalista Geeta Anand, vincitrice del premio Pulitzer, a sua volta ricavato da una serie di suoi articoli apparsi sul Wall Street Journal nel 2004.
Johm Crowley e la sua famiglia dispongono di una certa agiatezza grazie alla sua posizione di manager nell'azienda in cui lavora. In perfetta sintonia con la moglie  Keri,  circonda di serenità e allegria i  due figli di 8 e 6 anni, cercando di far dimenticare loro che sono costretti a muoversi su una carrozzina elettrica, sostenuti da una ventilazione forzata. Il peggioramento repentino della figlia Megan a cui segue un insperato, anche se temporaneo miglioramento, porta John alla decisione di abbandonare il suo ben retribuito lavoro (necessario per pagare le pesanti spese mediche) e di rischiare di aprire una società di ricerca assieme al professore Robert Stonehill che sembra aver trovato la soluzione per affrontare la malattia di Pompe.
Purtroppo il film non mette in evidenza la fede del protagonista (solo un paio di volte viene utilizzata l'espressione "non resta che pregare") che nella realtà è stata determinante per la sua decisione: è stato proprio il "segno" dell'inaspettato miglioramento della figlia a determinare in lui la certezza che  i figli non erano stati affatto abbandonati e che aveva un senso  affrontare il tutto per tutto per far in modo che quella speranza riconfermata diventasse realtà.
Quando il dottore di turno, dopo il peggioramento di Megan, cerca di consolare i due genitori prospettando loro un rassegnato fatalismo (la morte ormai imminente avrebbe almeno significato la fine delle  sofferenze della bambina), John e Keri rigettano risoluti questo atteggiamento, fiduciosi, anche se in modo alquanto implicito nel film, che tutto ciò che accade ha un significato,  preferendo alla rassegnazione  una Speranza che non delude.

Il film prosegue raccontandoci le alterne vicende del sodalizio fra John e Robert che con molte  difficoltà riescono prima a trovare dei finanziamenti per la loro azienda di ricerca ma poi, quando i soldi non bastano più, accettano la fusione con  una grande azienda farmaceutica, l'unico modo possibile per affrontare gli elevati costi di avvio della produzione in larga scala.

Il film  poggia su una salda architettura che ricorda molto i film propositivi e a lieto fine degli anni cinquanta: alle sequenze sulle vicende professionali, ricche di dettagli tecnici, dei due protagonisti si alternano dei quadri familiari dove le ore trascorse assieme ai figli sono offuscate dal senso del tempo che passa e che  rende prossima  una scadenza che si vorrebbe non arrivasse mai.

Tutta la storia è permeata da un solido ottimismo americano che si basa sulla certezza  che la tecnica abbinata a una rigorosa efficienza organizzativa può risolvere il problema che angustia John e  sua moglie; anche quando nascono fra i protagonisti forti divergenze di opinione, il film trasmette la fiducia che  tutti, alla fine,  hanno  il buon senso di comprendere ciò  che è giusto e corretto fare.

A più riprese la sceneggiatura crea un contrasto fra le ragioni del cuore e dell'amicizia e quelle dell'efficienza e del risultato a tutti i costi ma in nessun caso le une prevalgono sulle altre perché sono necessarie entrambe.

Se John, nella fase finale della ricerca è costretto a far metter da parte l'amico Robert perché con il suo carattere litigioso rischia di intralciare il buon esito del progetto, lui stesso deve tornare sui suoi passi quando cerca di utilizzare metodi illegali per fare in modo che suoi figli abbiano per primi il nuovo farmaco.

In una  sequenza in cui  si stanno svolgendo le trattative per l'incorporazione nella grande azienda farmaceutica si parla apertamente dei profitti di questo settore industriale: il giudizio sulla validità del nuovo farmaco viene misurato in base alla dimensione dei potenziali clienti e alle possibili reazioni dell'opinione pubblica di fronte a un insuccesso stimato del 25%. 

Si tratta di un passaggio che potrà scandalizzare i più ma si tratta di un passaggio realistico (se fosse mancato sarebbe stato molto forte il sospetto di un film sponsorizzato dalla stessa industria farmaceutica) ed in linea con la filosofia del film che non smette di ricordare che la materia è importante tanto quanto lo spirito.

Autore: Franco OLearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione
Canale: RAIMOVIE
Data Trasmissione: Giovedì, 21. Giugno 2018 - 14:10


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THE LAST SONG

Inviato da Franco Olearo il Gio, 09/09/2010 - 10:13
 
Titolo Originale: The last song
Paese: USA
Anno: 2010
Regia: Julie Anne Robinson
Sceneggiatura: Nicholas Sparks e Jeff Van Wie
Produzione: Adam Shankman e Jennifer Gibgot per Tuchstone Pictures
Durata: 107'
Interpreti: Miley Cyrus, Liam Hemswoth, Greg Kinnear, Kelly Preston

L’adolescente ribelle Ronnie e il fratellino Jonah vengono spediti in una cittadina di mare della Georgia per trascorrere l’estate con il padre Steve, da tempo separato dalla famiglia. Mentre il piccolo accoglie con gioia l’occasione di riallacciare i rapporti con il genitore, Ronnie, ancora piena di dolore e rabbia, sopporta a fatica la situazione. Complice l’incontro con un ragazzo del luogo, Will, che riaprirà il suo cuore, Ronnie recupererà poco alla volta un legame che sembrava perduto. Ma Steve nasconde un drammatico segreto e non tutto andrà come previsto…

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film parla in modo realistico e non banale di legami familiari, di perdono e di riconciliazione.
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Se se si supera il fastidio per il tono zuccheroso e un po’ da cliché di alcune situazioni, si scoprirà che il fil racconta una storia realmente coinvolgente

Per l’attrice-cantante Miley Cyrus è il primo film drammatico nonché prima uscita al cinema in un ruolo diverso dal personaggio di Hannah Montana che l’ha resa famosa; è però pure la prima sceneggiatura scritta dal romanziere Nicholas Sparks, anche se dai suoi libri sono già stati tratti diversi film di successo (Le parole che non ti ho detto,tanto per citarne uno)

Nelle vicende sentimentali e molto drammatiche dell’adolescente problematica Ronnie ritroviamo tutti i marchi di fabbrica di questo autore iper-sentimentale: amori ostacolati da differenze sociali e da traumi del passato, segreti di famiglia, lutti improvvisi, sensi di colpa da superare. Un apparato melodrammatico che per il gusto di qualcuno potrebbe risultare un po’ eccessivo, ma che, se si supera il fastidio per il tono zuccheroso e un po’ da cliché di alcune situazioni (giovani innamorati che giocosamente lottano nel fango, vegliano un nido di tartarughine marine e disegnano i loro contorni con le conchiglie sulla spiaggia) si scoprirà questa volta messo al servizio di una storia realmente coinvolgente, che parla in modo realistico e non banale di legami familiari, di perdono e di riconciliazione.

Tanto per fare un esempio è interessante il modo in cui l’autore racconta il dolore e il senso di responsabilità di un adulto di fronte ad una separazione che inevitabilmente si ripercuote sui figli, anche quando i genitori sembrano averla superata; così come è raccontata senza sconti la sofferenza di non aver saputo custodire e conservare l’amore e la necessità di essere perdonati per potersi riconciliare con il mondo.

Steve, il padre concertista di Ronnie (interpretato con sensibilità e calore dal bravo Greg Kinnear), non nasconde nulla dei propri errori e, anche sollecitato dal tempo che stringe (ma noi e figli scopriremo solo più avanti il perché) non trascura alcun tentativo per riallacciare i rapporti con la figlia che con lui condivide la passione per la musica e che proprio a causa del suo abbandono ha girato le spalle alla sua più autentica passione. È attraverso la musica, ma anche una serie di dialoghi dapprima contrastati e balbettanti, poi man mano più pieni di confidenza, che Steve e Ronnie si riavvicinano, mentre il piccolo Jonah è accanto al padre nella costruzione di un vetro piombato per la chiesa locale, del cui incendio Steve si ritiene responsabile.

È per una volta davvero confortante avere a che fare con una storia che riesce a essere drammatica pur presentando personaggi tutti sostanzialmente degni di amore, di simpatia e di rispetto e va a merito del film riuscire a mescolare con sensibilità ed equilibrio il racconto familiare con la love story delicata e piacevole tra Ronnie e Will, rampollo di una ricca famiglia del luogo, anche lui con i suoi lutti e segreti a carico (che oltre ad essere un campione di beach volley  si occupa delle tartarughe marine e cita Tolstoj con competenza e sensibilità).

Ci troviamo di fronte a un racconto di formazione, che traghetterà la protagonista, attraverso il dolore e la perdita, la gioia del primo amore e la consolazione di quello ritrovato di un genitore, verso la consapevolezza dell’età adulta, fatta anche dell’accettazione degli errori propri e di coloro che si amano.

L’innegabile apertura alla trascendenza che si respira nella storia (la vetrata realizzata da Steve rappresenta l’annuncio della risurrezione di Cristo alla pie donne di fronte al sepolcro) va senza dubbio a credito di Nicholas Sparks, cattolico praticante che sa trasmettere qui la sua fede in modo commovente e reale, dando alla sofferenza di Steve (che si assume anche una colpa non sua) una dimensione sacrificale autenticamente religiosa.

Autore: Laura Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione
Canale: ITALIA 1
Data Trasmissione: Sabato, 20. Luglio 2013 - 16:00


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VOGLIO ESSERE PROFUMO

Inviato da Franco Olearo il Mer, 09/08/2010 - 12:25
 
Titolo Originale: VOGLIO ESSERE PROFUMO
Paese: Italia
Anno: 2009
Regia: Filippo Grilli
Sceneggiatura: Filippo Grilli
Produzione: GPG
Durata: 120'
Interpreti: Fabio Sironi, Lorenzo Pozzi, Marta Filippi, Simone Farina, Giulia Trabucco, Alberto Crippa

Francesco, un seminarista alle soglie del sacerdozio, ha una solida fede che trasmette agli altri con il suo buonumore, le sue poesie ispirate e la sua capacità di porsi in ascolto di chi gli sta vicino. Cinque personaggi hanno potuto beneficiare della sua serenità e della sua parola di conforto prima della sua morte,  causata da una malattia incurabile: Lorenzo, un professionista sicuro di se che si trova inaspettatamente lasciato dalla fidanzata; Susanna, una adolescente che deve decidere come rispondere alle pretese del fidanzato; Barbara, giovane novizia che prima di prendere i voti cerca di verificare la sua vocazione tornando in famiglia; Davide, impegnato a fare progetti di matrimonio; Andrea, seminarista amico di Francesco.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Un seminarista, animato da una solida fede, sa trasferire il suo entusiasmo di cristiano ai giovani che lo hanno conosciuto e affrontare serenamente una malattia incurabile
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Il film ha tutte le caratteristiche di un film professionale: solo qualche incertezza di recitazione in qualche personaggio, ma molto ben riuscita è la figura del protagonista Francesco.

Alcuni film vengono strutturati fin dal loro concepimento per soddisfare le aspettative di un settore di pubblico ben individuato; altri, definiti autoriali, hanno a priori un loro pubblico affezionato che apprezza lo stile personale del regista/sceneggiatore; Voglio essere profumo è nato perché Filippo Grilli e tutto il suo staff avevano qualcosa da dire, avevano qualcosa da comunicarci.

Il baricentro della storia è sicuramente il seminarista Francesco, ma come tutti i veri sacerdoti o aspiranti ad esserlo non vive di se ma vive per gli altri: evita in particolare di parlare della sua malattia (che cerca sempre di minimizzare) ma è pronto ad ascoltare chi accetta di confidarsi con lui.
Il film quindi non è solo la storia di un spirante sacerdote: ampio spazio viene lasciato alle vicende dei giovani che in modo più o meno occasionale lo hanno incontrato.

Da questo punto di vista il film rompe alcuni  rigidi schemi ai quali le produzioni cinematografiche o televisive ci hanno abituato: se si vuol parlare di fede sono ben accette le storie di santi, di papi, di importanti uomini religiosi; se si descrive una storia di amore fra giovani, sulla famiglia  o qualche altro tema "laico", è severamente vietato abbinarvi il tema della fede.
Se guardiamo alla produzione recente, per trovare esclusivamente dei laici che parlano di fede dobbiamo far riferimento ad un unico film: Fireproof  scritto da uno sceneggiatore di fede evangelica. Voglio essere profumo si pone in mezzo: parla dell'interazione fra un seminarista e alcuni laici che rinforzano la loro fede grazie al suo esempio di amore per Gesù Cristo. Ci mostra inoltre una realtà per fortuna ancora  diffusa nel nostro paese ma che è praticamente assente nella nostra produzione cinematografica: la vita di una comunità parrocchiale con  giovani impegnati nell'animazione o nella catechesi.
Il regista/sceneggiatore ha scelto correttamente un piglio realistico, mostrando la vita dei protagonisti all'interno della loro comunità, evitando di prolungarsi in passaggi riflessivi o frasi troppo dichiarative di fede. Le  due ore di proiezione passano senza un'ombra di stanchezza: solo in poche occasioni si indulge al simbolismo (come la scena finale dove a turno vengono posti dei doni-simbolo ai piedi dell'albero che era stato caro a Francesco).

Il film non avrebbe comunque avuto successo, al di là della buona volontà e bravura di tutti, se la figura di Francesco non fosse emersa in tutta la sua potenza, come infatti è avvenuto. Grazie all'ottima interpretazione di Fabio Sironi e alla sceneggiatura, emerge un personaggio dove pensiero, parola ed azione sono coerenti. Alla fine del film si vorrebbe stare ancora con lui, sentirlo ancora parlare.
Francesco mostra la gioia come espressione visibile dell'amicizia con Gesù e questa felicità la trasmette realmente agli altri. Utilizza un linguaggio semplice, non "pretesco" per intrattenersi  con i suoi amici laici ma il suo non è uno "sconto" sulla verità per risultare più simpatico e meglio accettato:  resta esigente con la sua fede e con quella degli altri ed anche dal suo letto di malato, negli ultimi giorni della sua vita  saprà essere profumo, saprà emanare il "bonus odor Christi", come aveva sempre desiderato.

I produttori della GPG confermano lo scopo benefico del film: tutti i profitti verranno elargiti a favore di una missione in Zambia e  di un dispensario in Costa D'avorio.

Sul sito della casa di produzione (www.grilliperegogrilli.it) è possibile conoscere il calendario delle proiezioni cinematografiche.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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