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DON MATTEO 12

Inviato da Franco Olearo il Dom, 01/26/2020 - 09:49
 
Titolo Originale: Don Matteo 12
Paese: ITALIA
Anno: 2020
Regia: Raffaele Androsiglio (Ep. 1-5) and Cosimo Alemà (Ep. 6-10)
Sceneggiatura: Umberto Gnoli, Mario Ruggeri
Produzione: Lux Vide, Rai Cinema
Durata: 10 puntate di 120' su RaiUno e RaiPlay
Interpreti: Terence Hill, Nino Frassica, Maria Chiara Giannetta, Maurizio Lastrico, Nathalie Guetta, Pamela Villoresi, Maria Sole Pollio

A Spoleto ritroviamo i nostri amici: Don Matteo, che ospita in canonica la perpetua Natalina e il sacrestano Pippo ma anche la giovane orfana Sofia. Anche presso gli uffici dei carabinieri non ci sono grosse novità: ritroviamo Il Capitano Anna Olivieri, il maresciallo Nino Cecchini e il Pubblico Ministero Marco Nardi. Nella prima puntata è presente anche lo youtuber Fabio Rovazzi. Il tempo di ogni episodio è stato raddoppiato (due ore) e c’è sempre qualche indagine da compiere dopo che qualcuno è stato gravemente ferito.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
I valori familiari, l’amore per sempre vengono tenuti al primo posto e il perdono, il recupero delle persone più difficili o fragili viene sempre compiuto
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Terence Hill e Nino Frassica tengono sempre banco ma anche gli altri protagonisti sanno star loro alla pari. La sceneggiatura riesce ad essere avvincente e divertente anche se dopo il raddoppio della durata degli episodi, si crea un sovraccarico di sotto-trame
Testo Breve:

I carabinieri  indagano su un crimine compiuto ma non bisogna preoccuparsi perché sarà don Matteo a risolverlo impiegando un metodo di indagine infallibile: guardare dentro i cuori

Prolungare la serie Don Matteo comporta spargere sangue umano. E’ proprio così, perché per innescare nuove storie amorose questa volta è toccato alla moglie del maresciallo Cecchini morire, così come in un paio di stagioni precedenti era già morta Patrizia, la figlia del maresciallo che si era sposata con il capitano Tommasi perché era stato giudicato opportuno che Tommasi iniziasse una nuova relazione.

Scherzi a parte, il 31,6% di share alla prima puntata e la stabilità dell’indice di ascolto anche nelle successive (26,75% nella terza puntata) conferma il successo ininterrotto di questa serie. Qual è il segreto dell’eternità? Sicuramente la simpatia dei due protagonisti, Terence Hill e Nino Frassica, il mescolare risvolti romantici con tono di commedia con l’avanzare delle indagini alla scoperta del vero colpevole del misfatto di turno, il distribuire i personaggi fra le diverse età (i piccoli, i giovani, gli adulti, gli anziani), il trattare a ogni puntata situazioni che rispecchiano temi di attualità ma tutto e tutti si appoggiano all’àncora sicura di don Matteo, che tutto interpreta alla luce del Vangelo, con grande cura proprio verso chi ha sbagliato e deve scontare la sua pena.. Le novità strutturali della dodicesima serie sono soprattutto due: il raddoppio della durata degli episodi che arrivano a circa 120 minuti e il dedicare ogni puntata allo sviluppo di uno dei dieci comandamenti.

La prima novità comporta la moltiplicazione, a volte eccessiva, a giudicare dalle prime puntate, di sotto-trame che si intersecano fra loro: non è più sufficiente lo sviluppo di un’indagine poliziesca ma ne occorrono almeno due. La seconda, molto più interessante, alza il tono, il significato di ciò che viene raccontato, spostando l’attenzione dello spettatore dal puro entertainment al riflettere sugli accadimenti anche prosaici della vita quotidiana, guardandoli alla luce di una visione soprannaturale. Nella primo episodio, intitolato Non avrai altro Dio all’infuori di me, un medico chirurgo si ritiene, con la sue capacità professionali, l’unico responsabile delle sorti di suo figlio, malato di cuore. E si dispera quando sembra non aver avuto successo: “Io debbo fare di più, io debbo salvarlo”.  La risposta di Don Matteo è l’invito alla pace alla serenità del sapere che non siamo Dio ma che c’è un Padre che ci ama e si prenderà sempre cura di noi qualsiasi cosa succeda: “Non è tutto nelle nostre mani.” Lo stesso don Matteo si accorge di aver commesso un errore nel passato e si angustia per questo; sarà Natalina a ricordargli che noi siamo figli, non Padri. .Nel secondo episodio intitolato Non nominare Il nome di Dio invano, il collegamento è più incerto ma di fronte a un ragazzo che se la prende con Dio per la sua sorte infelice, don Matteo lo tranquillizza, dicendo che gli è capitato di incontrare:  “Bestemmiatori che erano innamorati di Dio ma anche tanta gente che prega ma il loro cuore è lontano”. Anche nel terzo episodio “ricordati di santificare le feste”, l’accostamento del riposo di Dio nel settimo giorno della creazione, ai problemi di perdita di memoria del capitano Tommasi ha bisogno di una nostra generosa comprensione.

Bisogna riconoscere, in questo don Matteo 12, così come nelle stagioni precedenti, qualcosa di più profondo, che colpisce lo spettatore, al di là dell’intrattenimento divertente, degli intrighi polizieschi, della bravura dei personaggi. Sappiamo che don Matteo risolve i casi non certo seguendo degli indizi ma indagando nel cuore delle persone, cogliendo ciò che ognuno ama, ciò che desidera e anche le sue pene segrete. Questa capacità di penetrazione nei cuori, questa “marcia in più” di cui dispone è strettamente legata alla sua fede: lui può guardare in profondità proprio perché vede tutto alla luce di una visione trascendente che coglie l’azione provvidenziale divina anche nei casi più disperati.  Quando arriva, sempre verso la fine dell’episodio, il momento di citare il Vangelo, di fare il predicozzo finale, le sue parole non cadono dall’alto ma sono in armoniosa coerenza con lo suo sguardo penetrante con il quale Don Matteo osserva tutto e tutti senza filtri personali.  La sua visione soprannaturale non lo porta ad estraniarsi dalla realtà: al contrario la coglie nella sua vera essenza.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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FIGLI

Inviato da Franco Olearo il Sab, 01/25/2020 - 20:19
Titolo Originale: Figli
Paese: ITALIA
Anno: 2019
Regia: Giuseppe Bonito
Sceneggiatura: Mattia Torre
Produzione: Wildside / Vision Distribution
Durata: 97
Interpreti: Valerio Mastandrea, Paola Cortellesi, Stefano Fresi, Valerio Aprea, Paolo Calabresi

Nicola e Sara sono una coppia di quarantenni romani (lui gestisce una salumeria, lei è un’ispettrice sanitaria) con una figlia di otto anni. Lei resta incinta una seconda volta: nasce Pietro e la loro vita si trasforma. Di notte Il bimbo piange continuamente, dopo il terzo mese lei vorrebbe tornare a lavorare ma i suoi genitori e quelli di lui si rifiutano di aiutarli e non si trovano baby sitter. Nicola e Sara passano il tempo a litigare su chi deve fare che cosa ma poi, quando riescono a concedersi una serata da soli, non vedono l’ora di tornare a casa dai loro figli….

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Il film non nega la bellezza di avere figli ma mostra due genitori che non hanno colto il valore della loro unione né del loro essere genitori
Pubblico 
Adolescenti
Una scena di nudo femminile
Giudizio Artistico 
 
Il film si regge sull’interpretazione di Valerio Mastrandrea e di Paola Cortellesi, si cerca di far ridere ma il format narrativo mostra troppa acredine per essere una commedia
Testo Breve:

Una coppia va in panico quando arriva il secondo figlio. Poche risate e molti pensieri piccoli per un evento così grande

Sara ha chiesto alla madre la cortesia di prestarsi a fare da baby sitter perché lei possa tornare a lavorare. Alla risposta negativa della madre, Sara si arrabbia: “La vostra generazione si è mangiata tutto.vi siete goduto il boom economico, avete accumulato, avete sprecato negli anni 80 e 90 sperando che quel benessere sarebbe durato per sempre. Non avete pensato alle generazioni successive e continuate a non farlo. Voi vi godete le pensioni di cui sarete gli ultimi a beneficiare, vi godete le prime e le seconde case di proprietà e per di più non morite neanche più” La madre si incupisce ed è pronta a ribattere: ““Voi dovete capire bene una cosa una volta per tutte: noi anziani siamo una forza. Se ci arrabbiamo sono dolori. Perché siamo di più. Ogni 100 giovani ci sono 165 anziani: questo significa maggioranza assoluta… I nostri libretti di risparmio tengono in scacco l’intera economia nazionale, senza i quali noi chiudevamo, come la Grecia. Ci manca solo un poco di consapevolezza e coesione e saremo finalmente pronti a “prendere il potere” (non dice esattamente così, ma il senso è questo). Si tratta di uno dei colloqui più brillanti del film che mentre racconta le vicissitudini private di Nicola e Sara, coglie l’occasione per dire in parole quello che sta mostrando: il contesto storico attuale italiano dove le giovani generazioni sono costrette a vivere in affanno e impreparati in una società in stagnazione economica e appesantita dalle molte tasse.  Il racconto, costruito sulle piccole vicende di ogni giorno della coppia, è caratterizzato dall’instabile oscillazione  fra poli opposti: sentono di non farcela a gestire i due figli (la più grande è gelosa del nuovo nato) ma poi, appena si possono concedere una serata tutta per loro, sentono la nostalgia dei loro piccoli e desiderano solo tornare a casa; litigano spesso e con acredine quando uno dei due sembra trascurare i propri doveri domestici ma poi sono pronti a tornare fra le braccia l’ uno dell’altra.

Il film è l’espansione, in immagini, del monologo: “I figli invecchiano” recitato dallo stesso Valerio Mastrandrea, scritto da Mattia Torre, morto prematuramente a 47 anni e che avrebbe dovuto dirigere questo stesso film, poi sostituito da Giuseppe Bonito.

Ma può un monologo trasformarsi in un film? Le vicende narrate, la vita quotidiana di una coppia sconvolta dall’arrivo del secondo figlio, si sarebbero adattate molto bene al format di una commedia brillante, con scenette divertenti e commenti arguti su certe situazioni dell’Italia contemporanea. Si è scelto invece il tono semiserio, caratterizzato dall’acredine verso diverse categorie (i genitori anziani, lo Stato sanguisuga, i sacerdoti) con frequenti inserti di una voce fuori campo che filosofeggia su come uomini e donne di oggi si trovano a gestire malamente i loro impegni familiari. Pur ammirando l’acutezza di certe osservazioni, alla fine non si ride, anzi ci si annoia. Qualcosa di simile era accaduto con Ogni maledetto Natale dello stesso Mattia Torre assieme a Giacomo Ciarrapico e a Luca Vendruscolo. La bella tradizione di riunire tutta la famiglia per Natale veniva vista come pura ipocrisia, senza alcun significato né umano né religioso.

Alla fine, l’autore morde su certi comportamenti scorretti ma non nega affatto la bellezza di avere dei figli né l’importanza degli affetti coniugali ma ci mostra una coppia a cui manca il senso generale del loro vivere. Sembra che si trovino felici solo a partecipare a delle feste con i loro amici, a prendersi un drink in allegria ma non colgono il fatto che proprio passando notti insonni intorno alla culla del figlio, che altri non è se non il loro amore che è diventato carne, si consolida la loro unione, condividono dei momenti che sono solo loro, momenti nei quali si stanno trasformando, allenandosi a essere generosi senza riserve.

Alla fine il film lascia un po’ tristi, di fronte a quest’ uomo e questa donna piccoli piccoli, che vanno nel panico appena nasce il secondo figlio.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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1917

Inviato da Franco Olearo il Ven, 01/24/2020 - 11:43
Titolo Originale: 1917
Paese: Gran Bretagn, Usa
Anno: 2019
Regia: Sam Mendes
Sceneggiatura: Sam Mendes e Krysty Wilson Cairns
Produzione: Amblin Partners, DreamWorks Pictures, Neal Street Productions, New Republic Pictures
Durata: 119
Interpreti: George MacKey, Dean Charles Chapman, Marc Strong, Andrew Scott, Colin Firth, Benedict Cumberbatch, Richard Madden

Aprile 1917. Ai caporali Blake e Schofield viene affidato il compito di attraversare le line nemiche e raggiungere un battaglione isolato dalle comunicazioni per fermare un attacco che porterebbe a morte certa 1600 uomini, tra cui anche il fratello maggiore di Blake. Una corsa contro il tempo nel mezzo degli orrori delle trincee della Prima Guerra Mondiale.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Nella brutalità della guerra si manifesta, per un breve momento, la tenerezza verso i piccoli e gli indifesi
Pubblico 
Adolescenti
Numerose scene di violenza
Giudizio Artistico 
 
Sembra che Mendes si sia concentrato più sull’aspetto tecnico che sulla storia in sé, dando vita a una pellicola sicuramente grandiosa, ma non sempre coinvolgente
Testo Breve:

Nel 1917 due portamessaggi inglesi debbono attraversare le linee nemiche per portare un messaggio di estrema importanza. Un film sofisticato  ma poco coinvolgente

Ispirandosi ai racconti del nonno, portamessaggi come i protagonisti del film, Mendes costruisce una macchina sofisticata e grandiosa anche se non sempre efficace dal punto di vista del reale e profondo coinvolgimento emotivo. Le riprese sono state realizzate in modo da dare la sensazione di seguire un unico lunghissimo pianosequenza che “pedina” i giovani soldati mentre percorrono le trincee, superano il filo spinato e avanzano nella terra di nessuno, cercando di evitare le trappole di un nemico insidioso anche se in ritirata.

Questa scelta di linguaggio, che in teoria dovrebbe portare lo spettatore a condividere il punto di vista di due giovani con caratteri diversi ma uniti da una missione oltre che dalla loro amicizia, rischia fin troppo spesso in realtà di attirare l’attenzione su sé stessa, raffreddando una materia narrativa potenzialmente potentissima.

In questo senso anche la parata di star anglosassoni, ognuna presente sullo schermo per lo spazio di una scena o poco più, finisce per tradursi in un altro elemento di distrazione che aggiunge “stellette” al film, ma dà solo in parte sostanza alla storia.

Detto ciò i due giovani interpreti (e soprattutto George MacKey, già visto in Captain Fantastic) risultano convincenti nel dare corpo a due ragazzi immersi in un conflitto che ha già lasciato i suoi segni (Schofield ammette con l’amico di non amare le licenze per il ripetersi di addii sempre più dolorosi) e la loro missione trasporta lo spettatore in un viaggio “all’inferno” che la fotografia di Roger Deakins aiuta a costruire con scelte visive potenti, anche se in alcuni punti la ricostruzione assume un’eleganza che la rende meno “carnale”.

Fa eccezione un momento particolarmente bello in cui uno dei due giovani soldati, nel mezzo della violenza si trova di fronte al miracolo della vita e della tenerezza (tanto più sorprendente in mezzo a tanto orrore) e in quella parentesi di pace ritrova uno sguardo commosso che lascia spazio alla speranza.

Non manca il dramma, quindi, nel film di Mendes, ma la sensazione, bizzarra considerando l’investimento personale del regista (che al nonno dedica il film), è che Mendes si sia concentrato più sull’aspetto tecnico che sulla storia in sé, dando vita a una pellicola sicuramente grandiosa, ma non sempre coinvolgente.

Autore: Luisa Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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JOJO RABBIT

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/20/2020 - 10:46
Titolo Originale: Jojo Rabbit
Paese: Nuova Zelanda, Stati Uniti d'America, Repubblica Ceca
Anno: 2019
Regia: Taika Waititi
Sceneggiatura: Taika Waititi
Produzione: TSG Entertainment, Piki Films, Defender Films, Czech Anglo Productions
Durata: 108
Interpreti: Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Scarlett Johansson, Sam Rockwell

Johannes Betzler, soprannominato Jojo, è un bambino di dieci anni che vive nella Germania nazista del 1945. Le sue giornate passano in compagnia di due amici: uno reale, Yorki, e uno immaginario, Adolf Hitler. Come ogni bambino della sua età, partecipa ai gruppi della Gioventù Hitleriana, ma non ha abbastanza coraggio per portare a termine importanti incarichi; odia gli ebrei e li considera mostri, però non ne ha mai visto uno di persona. Vive con la madre Rosie, perché il padre è sul fronte italiano per la guerra e la sorellina è morta da poco tempo. Nonostante la guerra, le giornate passano tranquille, finché Jojo non scopre che la madre nasconde in soffitta una ragazza ebrea: Elsa. Perché è lì? Perché la madre la nasconde? Che cosa fare?

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Una madre e una ragazza sanno portare un bambino indottrinato dall’ideologia nazista alla consapevolezza di ciò che ha valore per sentirsi degli esseri umani
Pubblico 
Adolescenti
Alcune scene possono impressionare i più piccoli
Giudizio Artistico 
 
Bravi tutti i protagonisti ma il film non riesce a trovare uno stile narrativo uniforme, oscillando fra satira, favola, tragedia
Testo Breve:

Jojo Rabbit è un ragazzo di dieci anni, nato e cresciuto durante il regime nazista. L’affetto della madre e l’amicizia con una ragazza ebrea riusciranno a liberare la sua mente dall’indottrinamento fanatico di cui era stato vittima

Sono ormai molti i film che affrontano il tema del rapporto fra il nazismo (o il fascismo) e i giovani di quel tempo. Alcuni sono dei drammi: Il bambino con il pigiama a righe, Storia di una ladra di libri, Rosa Bianca  Sophie Scholl, ma c’è anche un capolavoro di equilibrio fra tragedia e poesia che è La vita è bella di Benigni. Per una rappresentazione satirica del fanatismo hitleriano dobbiamo invece rifarci a Charlie Chaplin (Il Grande Dittatore), a Ernest Lubitsch (Vogliamo Vivere) e a Mel Brooks (The producers, Una gaia commedia neonazista). Questo Jojo Rabbit sviluppa un’altra satira del nazismo ma lo fa ad altezza di bambino (Jojo ha dieci anni) ed ecco che il suo amico immaginario e confidente nei momenti in cui si sente più insicuro è nientemeno che Adolf Hitler e quando chiede a Elsa di spiegarli come sono fatti questi strani esseri che si chiamano ebrei, lui “beve” tutte le storie fantastiche che lei gli racconta.  Ma sarà proprio la scoperta che l’ebrea Elsa è semplicemente una ragazza come lui, che farà innescare i primi dissidi con l’amico Hitler fino al suo dissolvimento totale. Qualcosa di analogo era accaduto in Il bambino con il pigiama a righe, dove il protagonista faceva amicizia proprio con un ragazzo ebreo dall’altra parte del filo spinato ma se l’obiettivo di questo secondo era raccontare la “banalità del male” (il padre, il comandante del campo di concentramento, sembra un equilibrato gestore di questa insolita azienda) mentre più incerto è definire l’obiettivo di Jojo Rabbit.  Indubbiamente vuole sottolineare il livello di indottrinamento a cui può giungere un bambino nato e cresciuto nell’era nazista e lo fa portandosi a livello delle sue fantasie, delle sue riflessioni ma allora perché già a un terzo del film ci troviamo di fronte a una immagine orribile di uomini e donne impiccate nella piazza principale? In tutti i paesi il film è stato vietato ai minori di 10-12 anni: unica eccezione, come al solito, l’Italia che lo ha classificato Per Tutti.

Incerto anche lo stile narrativo scelto dall’autore. Vuole forse stabilire due sviluppi che si muovono in parallelo, uno frutto di pura fantasia infantile e l’altro che manifesta tutta la cruda realtà di qui tempi, come ha fatto Benigni in La vita è bella? Dobbiamo dire ancora di no, perché se le fantasie infantili sono raccontate in dettaglio, la realtà risulta invece un mescolamento di stili, a volte crudelmente vera come nella battaglia finale o nelle impiccagioni in piazza, altre volte particolarmente assurda come quando il capitano Klenzendorf (il comandante della Gioventù Hitlerina locale), in previsione del combattimento finale contro degli americani, si preoccupa soprattutto di disegnare nuove, sgargianti divise. La madre di Jojo è una dissidente del regime, lascia biglietti inneggianti alla libertà in vari punti della città (un chiaro richiamo al magnifico Lettere da Berlino) ma le motivazioni che spingono sia Rosie che Elsa a odiare il regine (“non vinceranno mai, l’amore è la cosa più forte al mondo. Il ballo appartiene alle persone libere”) appaiono generiche e astratte, un po’ poco per una popolazione che nell’ ultimo anno di guerra viveva sotto un regine che condannava a morte ogni dissidente e i bombardamenti degli Alleati che “livellavano” le loro città. Sono quindi tanti gli aspetti che disorientano lo spettatore, incerto fra ridere o meditare, considerarlo un racconto favolistico o una crudo documento storico.

Ciò in cui il film eccelle è nel raccontare i rapporti umani fra i protagonisti. Elsa non si arrabbia quando si trova di fronte a un ragazzino fanatico nazista e accondiscende alle sue richieste (vuole sapere tutto su come sono fatti gli ebrei) per poi condurlo per mano verso una nuova consapevolezza: “Non sei un nazista: sei un bambino di dieci anni, a cui piace indossare una buffa uniforme e che vuole fare parte di un gruppo”. La mamma Rosie è molto dolce nel non contrastare il fanatismo del figlio, che soffre per la mancanza della figura paterna in un mondo così violento. “Tu a dieci anni non dovresti celebrare la guerra e parlare di politica ma arrampicarti sugli alberi e poi saltare giù”.  La vita è un dono, dobbiamo celebrarla. Dobbiamo danzare per mostrare a Dio che siamo grati di essere vivi”.

Il film si presenta nelle sale con ben sei candidature agli Oscar (Miglior Film, Miglior Attrice non protagonista, Miglior Sceneggiatura non originale, Miglior Montaggio, Migliori Costumi, Migliore Scenografia) ma forse si tratta di un eccesso di atteggiamento benevolo nei confronti di un film che ci ricorda la disumanità del Nazismo.

Autore: Franco Olearo - Francesco Marini
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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PICCOLE DONNE

Inviato da Franco Olearo il Ven, 01/17/2020 - 15:50
 
Titolo Originale: Little Women
Paese: USA
Anno: 2019
Regia: Greta Gerwig
Sceneggiatura: Greta Gerwig
Produzione: Pascal Pictures
Durata: 135
Interpreti: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep

Mentre il padre è al fronte durante la guerra di secessione americana, quattro giovani sorelle — Meg, Jo, Amy e Beth March —, vivono le loro gioie e i loro dolori, affrontando la crescita, i cambiamenti e persino la malattia, con coraggio e resilienza, fino a diventare delle “piccole” (grandi) donne.

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Nel film ci sono esempi positivi di matrimoni riusciti, fondati sull’amore e sul sostegno reciproco ma è anche narrata la legittima aspirazione a realizzare un proprio sogno professionale
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Caratterizzato da un montaggio moderno, un’eccellente fotografia e ottime interpretazioni attoriali, il film della Gerwig ha il merito di distinguersi dalle precedenti versioni, per la scelta di esplorare più a fondo alcune delle parti del romanzo da sempre più sacrificate
Testo Breve:

Questo ulteriore adattamento di uno dei classici per l’infanzia più amati di sempre, ha il merito di distinguersi per la scelta di esplorare più a fondo alcune delle parti del romanzo da sempre più sacrificate. Un montaggio moderno, un’eccellente fotografia e ottime interpretazioni attoriali

Si è molto parlato di questo film, ulteriore adattamento di uno dei classici per l’infanzia più amati di sempre: Piccole donne, di Louisa May Alcott. Caratterizzato da un montaggio moderno, un’eccellente fotografia e ottime interpretazioni attoriali, il film della Gerwig ha il merito di distinguersi dalle precedenti versioni, per la scelta di esplorare più a fondo alcune delle parti del romanzo da sempre più sacrificate. In particolare, gli adattamenti avevano finora dato largo spazio all’infanzia delle sorelle, per poi affrettare la parte in cui diventano adulte. In questo film invece, si parte quasi dalla fine, per ripercorrere, in un’alternanza di presente (toni più freddi) e flashback (toni più caldi) come “le piccole donne crescono”. Questo dà modo alla regista/sceneggiatrice di sviluppare più a fondo alcune dinamiche, per esempio l’innamoramento tra il giovane Laurie e Amy, la solitudine di Jo e i problemi economici di Meg e del marito. Di fronte a un classico così amato e conosciuto, la sfida era proprio quella di raccontare non solo qualcosa che parlasse ancor di più alla contemporaneità, ma soprattutto che fosse “nuovo”, inesplorato. Certo, i puristi del libro forse avranno storto il naso di fronte ad alcune licenze artistiche, come per esempio la narrazione frammentaria o la scelta di un giovane attore per il ruolo del professor Bauer, uomo maturo e di esperienza, non certo coetaneo di Jo. Il loro rapporto è quello più sacrificato dal film. Nella versione originale, è proprio il professore, con la sua onestà e schiettezza, a spingere Jo a scrivere qualcosa di più autentico e personale, ciò che diverrà poi il suo primo, vero, autentico romanzo, la storia della sua famiglia appunto, in memoria di Beth. Qui, invece, il ruolo dell’uomo è marginale e l’attrazione tra i due più epidermica.

Al di là di questo, il film ha il grande merito di andare in profondità su molti altri aspetti e di ritrarre i personaggi nelle loro diverse sfumature. Oltre al tema familiare, con la nostalgia per l’infanzia che passa, i rapporti che cambiano, i ruoli che evolvono, sono molto forti il tema della scrittura, come espressione di sé ed elaborazione dell’esperienza di vita, e il tema della donna nella società dell’epoca. Il pensiero comune è quello dell’arcigna zia March, interpretata in modo spassoso da Meryl Streep: una donna deve fare un buon matrimonio, a meno che non sia già ricca. Il suo destino, tanto nella realtà quanto nella finzione letteraria, risiede nel matrimonio, oppure nella morte. Jo (un’espressiva e talentuosa Saoirse Ronan), non si limita invece a pensare se stessa e le eroine delle sue storie all’interno di un matrimonio. Sogna l’indipendenza economica, la realizzazione di un proprio sogno professionale, una definizione di sé non subordinata a un uomo e ai suoi possedimenti. È una scelta coraggiosa e sofferta, che le porta anche molta solitudine. Sta per capitolare perché “vuole essere amata”, ma la mamma le ricorda che “non è la stessa cosa che amare”.

Il film non vuole certo sminuire l’istituzione matrimoniale, anzi. Alla fine, tutte le sorelle (eccetto Beth, appunto, che muore) troveranno il vero amore e i matrimoni rappresentati, primo tra tutti quello dei genitori March, sono esempi positivi, di amore e di sostegno reciproco. Il film vuole invece far riflettere su quanto fosse duro per una donna (e possa ancora esserlo), affermarsi professionalmente e in modo indipendente, alla pari di un uomo. Ciò non sostituisce il desiderio di crearsi una famiglia e di essere mogli e madri. Come dice Meg (una dolce Emma Watson) a Jo, “se i miei desideri sono diversi dai tuoi non significa che siano meno importanti”. Insomma, c’è spazio per molti “destini” e diverse ambizioni: ciò che conta è che non siano imposti o attesi dalla società, ma che siano scelti liberamente e con il cuore.

Autore: Eleonora Fornasari
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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RICHARD JEWELL

Inviato da Franco Olearo il Ven, 01/17/2020 - 15:11
Titolo Originale: Richard Jewell
Paese: USA
Anno: 2019
Regia: Clint Eastwood
Sceneggiatura: Billy Rey
Produzione: Malpaso Productions, Appian Way Productions, Misher Films, 75 Year Plan Productions
Durata: 131
Interpreti: Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Kathy Bates, John Hamm, Olivia Wilde

All’epoca dei Giochi Olimpici di Atlanta (1996) Richard Jewell, che da sempre sogna di servire la legge nelle forze dell’ordine, lavora come addetto alla sicurezza di un parco dove si svolgono concerti. É lì che individua uno zaino sospetto e convince colleghi e poliziotti a far spostare la gente, in tempo per scongiurare un massacro. Nell’attentato muoiono comunque 2 persone e oltre 100 restano ferite. Richard, dapprima considerate un eroe, entra però nel mirino dell’FBI, che sospetta che quella bomba l’abbia messa lui per poi fare l’eroe… Messo sotto accusa dagli uomini che più ammira, Richard potrà contare sul sostegno di sua madre e di un avvocato determinato per provare la sua innocenza

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Uomo comune, con un sincero desiderio di fare la sua parte, vede premiato il suo coraggio da un’ottusa persecuzione da parte delle autorità e dei media
Pubblico 
Adolescenti
Alcune scene di tensione
Giudizio Artistico 
 
Il film, con la sua narrazione lineare ed efficace, la regia semplice, ma attaccata ai personaggi, il cast di prim’ordine è un buon esempio di cinema solido ed emotivo che dà soddisfazione al cuore e alla mente
Testo Breve:

Clint Eastwood racconta un’altra bella storia di un uomo comune che desidera solo fare la sua parte di buon cittadino ma deve fronteggiare istituzioni più grandi di lui

Come nell’ultimo The Mule Clint Eastwood parte da un fatto di cronaca per raccontare il personaggio di un “perdente” alle prese con istituzioni più grandi di lui. La storia di Richard Jewell è quella di un uomo comune, con un sincero desiderio di fare la sua parte (anche se questo si traduce in qualche eccesso, che il regista non nasconde, ma racconta con simpatia e indulgenza), che vede premiato il suo coraggio da un’ottusa persecuzione da parte delle autorità, ma anche dei media, che Eastwood mette sotto accusa tanto quanto l’FBI.

Il calvario del povero Richard, che non ha cercato la fama e subisce la gogna tra coraggio e incredulità, è raccontato con efficacia da Eastwood, che lascia spazio anche al bel ritratto di una madre solida (una bravissima Kathy Bates) e di un avvocato dallo spirito combattivo, ma anche dotato di una grande umanità (il sempre efficace Sam Rockwell). Il suo spirito vagamente anarchico (nel suo studio campeggia un poster con la scritta “Il Governo è il tuo peggior nemico”…) rispecchia quello del regista, che nella sua carriera ha puntato spesso su antieroi capaci di pensare al bene comune fuori dagli schemi.

Il repubblicano atipico Eastwood segue coerentemente la sua poetica, che è sempre un racconto di singoli, alle prese con scelte individuali (anche quando raccontava il dramma collettivo della battaglia di Iwo Jima) e qui costruisce il commovente ritratto di un eroe improbabile, ma vero. Paul Walter Hauser (già visto nell’ironico I, Tonya nei panni di un delinquente megalomane e pasticcione) è bravissimo a dare corpo a quest’uomo ingenuo, eccessivo ma profondamente buono, capace di piangere, ma anche di dimostrare spina dorsale di fronte ai soprusi.

Richard è un uomo buffo, e fa sorridere la sua determinazione a servire nelle forze dell’ordine (che solo la malafede può trasformare in un sintomo di psicosi…), ma quello che a Eastwood interessa raccontare è che in definitiva ciò che definisce un uomo sono le sue azioni. E quelle del buffo Richard sono oggettivamente quelle che hanno salvato la vita di decine di persone.

Il film, con la sua narrazione lineare ed efficace, la regia semplice, ma attaccata ai personaggi, il cast di prim’ordine (anche Jon Hamm nei panni dell’odioso persecutore di Richard) è un buon esempio di cinema solido ed emotivo che dà soddisfazione al cuore e alla mente.

Autore: Luisa Cotta Ramosino
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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HAMMAMET (F. Olearo)

Inviato da Franco Olearo il Dom, 01/12/2020 - 10:13
Titolo Originale: Hammamet
Paese: ITALIA
Anno: 2020
Regia: Gianni Amelio
Sceneggiatura: Gianni Amelio, Alberto Taraglio
Produzione: Pepito Produzioni, Rai Cinema, Minerva Pictures
Durata: 126
Interpreti: Pierfrancesco Favino, Livia Rossi, Alberto Paradossi, Luca Filippi, Claudia Gerini

Hammamet, 1999. Il "Presidente" ha lasciato l'Italia, condannato per corruzione e finanziamento illecito con sentenza passata in giudicato. Accanto a lui ci sono moglie e figlia, mentre il secondogenito è in Italia a "combattere" per riabilitarne l'immagine e gestirne l'eredità politica. Nel suo "esilio volontario" lo raggiungono in pochi: Fausto, il figlio dell'ex compagno di partito Vincenzo, suicida dopo essere stato inquisito dal Giudice, e un Ospite suo "avversario, mai nemico". Craxi deve combattere un altro, insidioso avversario, la malattia: il diabete sta minando gravemente la sua salute

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Un onesto tentativo di ricostruire i sentimenti e l’animo di Craxi dopo la caduta politica e la lenta attesa della fine
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Prodigiosa interpretazione di Pierfrancesco Favino ma anche di Livia Rossi, nella parte della figlia premurosa. Lo sviluppo appare lento ma si riscatta con alcune scene di grande impatto
Testo Breve:

L’ultimo anno di Bettino Craxi ad Hammamet, fra amarezze, onesti rimpianti rabbiose rivendicazioni. Un racconto tragico che si sviluppa con malinconica lentezza

Il film inizia nel modo che meglio esprime i sentimenti di tenerezza che il regista Gianni Amelio aveva già mostrato di provare verso i bambini (Le chiavi di casa, il ladro di bambini, Il primo uomo): vediamo tre ragazzi che corrono verso i soldati incaricati della sorveglianza della villa di Hammamet dove risiede il “Presidente”, perchè sanno che lì potranno mangiare qualcosa. E’ ancora un altro bambino, (il nipote di Craxi, ospite anche lui della villa e che gioca spesso con il nonno) che diventa il tramite per farci ricordare la sua passione  per il Risorgimento e i suoi eroi temerari e per l’iniziativa più celebrata dello statista: la risoluzione pacifica della crisi di Sigonella, quando attraverso un’abile mediazione internazionale riuscì a salvare tutti i passeggeri (tranne uno) di una nave da crociera sequestrata dai terroristi palestinesi.

Al nome di Bettino Craxi viene sempre accostato l’epiteto di “personaggio controverso”: il film di Gianni Amelio non prende posizione su questo dilemma non risolto da ormai venti anni ma sviluppa un altro interesse: esplorare il Craxi-uomo nel suo ultimo anno di vita ad Hammamet, i suoi stati d’animo, i suoi momenti di sconforto, le sue impennate di orgoglio e di rabbia mentre la sua malattia lo sta portando verso la fine.

Non viene ricostruito nessuno degli eventi storici che hanno caratterizzato l’intensa vita dello statista (tranne la sua conferma plebiscitaria a segretario del Partito Socialista nel 1989, dove potè dire con orgoglio che l’italia era ormai diventata la quinta potenza industriale del mondo)  ma sono lo stesso ricordati con un “effetto ombra”.

Vengono cioè rievocati per analogia, come conseguenza di altri eventi che accadono ad Hammamet e che  fanno riaffiorare nell protagonista stati d'animo mai sopiti. Mentre passeggia sul litorale, viene abbordato da turisti italiani che lanciano invettive contri di lui  chiamandolo ladro e truffatore: è un modo per ricordare l’episodio del lancio delle monetine  davanti all’Hotel Raphael nel 1993. In un’altra sequenza Craxi promette di aiutare un tunisino povero che non riesce a ricoverare sua moglie in ospedale: è l’occasione, per "Il Presidente", di rivendicare la propria umanità, quella stessa che aveva voluto mostrare di avere durante il rapimento di Aldo Moro, per essere stato uno dei pochi politici (assieme ad Amintore Fanfani), ad aprirsi ad una ipotesi di compromesso. A un certo momento riceve la visita di un politico italiano di un altro partito: la conversazione è genericamente allusiva a fatti e comportamenti del passato ma si percepisce una certa simpatia fra i due personaggi: si sa per certo che fu  Francesco Cossiga il politico che andò a trovarlo ad Hammamet. Il “Presidente" accetta di  venir intervistato da Fausto, figlio di un suo amico di partito ora morto e in quell’occasione ripete gli stessi concetti che espresse nel suo famoso discorso al parlamento del 3 luglio 1992: ammise la pratica dei finanziamenti illeciti ma chiamò in causa tutti gli altri partiti come correi dello stesso malcostume.

Oltre a rievocare le ombre del passato il film sviluppa la cronaca dei giorni trascorsi ad Hammamet, dominati  dall’avanzare di una malattia incurabile, da cocenti delusioni (il figlio si era impegnato per la sua riabilitazione in patria ma senza successo), dalla debole speranza di ritornare in Italia almeno come persona malata, da momenti di onesta riflessione autocritica, sempre amorevolmente accudito dalla figlia Anita che continua caparbiamente a credere in lui. Nessun colpo di scena lungo le due ore del film ma una lunga, lenta discesa verso il disfacimento del corpo, lucidamente riconosciuta e accettata.
Il regista racconta la sua storia secondo lo stile del cinema d’autore europeo: il ritmo è lento,  i protagonisti parlano con calma, fissando spesso direttamente la telecamera. C’è  forse troppa “letteratura” ma  ci sono  anche momenti di assouta perfezione stilistica: come nell’incontro fra il Presidente e la sua amante, oppure quando Craxi (un magnifico Favino truccato benissimo) confida alla figlia un suo sogno: si è immaginato che dopo un suo discorso onesto e coraggioso in Parlamento, tutti lo applaudono, incluso lo stesso giudice che lo ha  accusato. “ Che coraggio c’è a parlare male degli altri?. Io non faccio queste cose”: è la sua ultima, accorata invocazione di una riconciliazione che non arriverà mai.

Ma allora, Craxi è stato riabilitato con questo film? Sicuramente è stato umanamente compreso ma non si può dire che siano stati fatti passi avanti nell’interpretazione storica del personaggio. Eppure qualcosa di significativo emerge, non certo in modo razionale, ma  figurativamente, come è possibile fare proprio attraverso il cinema. Sappiamo dalla storia che  già nel 1976 Craxi era stato eletto segretario, anche se la sua corrente aveva scarso peso, perché le forze principali del partito cercavano un homo novus nella funzione di un semplice segretario di transizione. In seguito diventò il primo ministro socialista della Repubblica Italiana e ancora una volta era l’outsider, il nuovo arrivato. Quando iniziò la decadenza della Prima Repubblica  e tutti i partiti, per finanziarsi, adottavano il metodo delle tangenti, fu più facile iniziare ad accusare lui, così diverso e innovativo rispetto a un estabilishment più consolidato.

Gianni Amelio esprime proprio questo: una persona che si sente diverso ed estraneo, percepisce una distanza fra lui e tanti altri e soffre per questa incomprensione di fondo;  per esser stato mandato avanti come capro espiatorio anche se ciò non evitò la rapida decadenza che avrebbe travolto o trasformnato profondamente tutti gli altri partiti

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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HAMMAMET (E. Genovese)

Inviato da Franco Olearo il Dom, 01/12/2020 - 09:51
Titolo Originale: Hammamet
Paese: ITALIA
Anno: 2020
Regia: Gianni Amelio
Sceneggiatura: Gianni Amelio, Alberto Taraglio
Produzione: Pepito Produzioni, Rai Cinema, Minerva Pictures
Durata: 126
Interpreti: Pierfrancesco Favino, Livia Rossi, Alberto Paradossi, Luca Filippi, Claudia Gerini

L’ultimo anno di vita di Bettino Craxi ad Hammamet

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Un onesto tentativo di ricostruire l’animo di Craxi dopo la caduta politica e la lenta attesa della fine
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
i personaggi ci sono tutti, ma sono accennati, vivono in funzione solo del protagonista (interpretato da un grandissimo Pierfrancesco Favino che ha nascosto sé stesso e ha assunto tutto di Craxi: voce, movenze, tic) e non sono, se non in qualche lieve passaggio, parzialmente approfonditi. E se pur si apprezza il pre-finale onirico, in omaggio forse a Federico Fellini, Hammamet non riesce ad avere quella forza e quel peso necessari perché il suo film sia davvero cinema.
Testo Breve:

L’ultimo anno di vita di Bettino Craxi ad Hammamet. Non un film politico, ma un film che racconta la fine di un uomo di potere, costretto all’esilio in una terra non sua, divorato dal diabete. Un bravissimo Pierfrancesco Favino sostiene da solo tutto il film mentre gli altri personaggi vivono solo in funzione  del protagonista

 

Raccontare la storia è sempre un’operazione rischiosa, coraggiosa e necessaria. E raccontare la storia politica italiana, lo è ancora di più. Con Hammamet Gianni Amelio (il regista amato per opere come Colpire al cuore, Le chiavi di casa e il suo ultimo film La tenerezza) scrive una pagina “storica” che prende vita da un personaggio politico italiano, Bettino Craxi, realmente vissuto e ne costruisce un film. Non un film politico, come il regista ha più volte precisato, ma un film che racconta la fine di un uomo di potere, costretto all’esilio in una terra non sua, divorato dal diabete e dai conseguenti problemi cardiocircolatori.

Siamo infatti nel 1999, ad Hammamet. Ci arriviamo subito dopo un inciso nel 1989 sul 45° Congresso del Partito Socialista a Milano, dove Craxi era osannato, amato mentre l’unica persona a uscire fuori dal coro è Vincenzo (Giuseppe Cederna) un operaio che si vuole dimettere dall’incarico di tesoriere del partito e lo avverte dei rischi che sta subendo.

Dieci anni dopo il Presidente (non viene mai nominato il nome di Bettino Craxi, mai chiamato da nessuno dei familiari o amici con il nome proprio) è esule in questa magnificente villa, accudito dalla giovane figlia (si chiamerà Anita), mentre suo nipote gioca con lui e sua moglie appare e scompare, quasi sempre seduta.

A “turbare” un equilibrio consolidato, fatto di poca gratitudine (il presidente nei confronti della figlia) è l’arrivo di un ragazzo, che porta la lettera di Vincenzo, il padre suicida.

Amelio, insieme allo sceneggiatore, costruisce un impianto narrativo quasi fedele (anche nelle location perché il film è girato principalmente nella villa tunisina di Craxi) ma punta tutto alla realizzazione di una storia greca e shakesperiana dove il Presidente è Agamennone, Priamo e Re Lear, mentre sua figlia è Elettra, Cassandra e Cordelia.

Pesano sulla vita e sulle decisioni di Craxi le due condanne che lo hanno definito agli occhi di tutti una persona accusata per corruzione e finanziamento illecito (5 anni e 6 mesi per le tangenti Eni-Sai, 4 anni e 6 mesi per quelle della Metropolitana milanese). Si accenna attraverso i dialoghi, più volte, all’uso improprio di denari, alla politica italiana servile, ma il personaggio di Craxi non è mai totalmente condannato o giustificato. Nelle oltre due ore di film si assiste alla fine di un uomo e si vivono emozioni per la malattia che sgretola corpi e crea distanze e distacchi, passioni e gelosie per tradimenti conosciuti e parzialmente accettati (da qui il cameo di Claudia Gerini) con la consapevolezza che niente potrà tornare come prima. Ma allo stesso tempo, se le idee di base sono forti (basta pensare alla drammaturgia greca e shakesperiana di riferimento) c’è in Hammamet un’imperfezione che rischia di rendere questo film uguale a tutti i film: i personaggi ci sono tutti, ma sono accennati, vivono in funzione solo del protagonista (interpretato da un grandissimo Pierfrancesco Favino che ha nascosto sé stesso e ha assunto tutto di Craxi: voce, movenze, tic) e non sono, se non in qualche lieve passaggio, parzialmente approfonditi. E se pur si apprezza il pre-finale onirico, in omaggio forse a Federico Fellini, Hammamet non riesce ad avere quella forza e quel peso necessari perché il suo film sia davvero cinema.

 

Autore: Emanuela Genovese
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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PICCOLI GENI (S1)

Inviato da Franco Olearo il Ven, 01/10/2020 - 18:45
 
Titolo Originale: Brainchild
Paese: USA
Anno: 2019
Regia: Adam 'Tex' Davis
Sceneggiatura: Adam 'Tex' Davis
Produzione: Atomic Entertainment
Durata: 13 episodi di 25' su Netflix
Interpreti: Sahana Srinivasan, Alie Ward

Fin dove c’è la vita in fondo all’oceano? Ci sono dei pianeti che potrebbero ospitare esseri simili a noi? L’immagine dei più importanti influencer dei social media, è reale o costruita? Siamo noi che controlliamo le emozioni? A queste e ad altre domande è pronta a rispondere Piccoli Geni, serie tv originale Netflix per bambini e adolescenti. Piccoli Geni, Brainchild in lingua originale, è una serie che presenta la scienza ai ragazzi spiegandola attraverso episodi della vita di tutti i giorni, in modo semplice e familiare

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Si tratta di una buona forma di istruzione per quel che riguarda le materie scientifiche ma nelle lezioni dove vengono analizzati aspetti del comportamento, l’uomo viene analizzato come se fosse un puro meccanismo, quindi senza alcun impegno a formarsi un carattere e a coltivare le virtù
Pubblico 
Pre-adolescenti
Una rapida sequenza di un uomo nudo nella puntata sui sogni, che ha generato una serie di commenti negativi da parte di alcuni genitori americani
Giudizio Artistico 
 
Un format molto indovinato, divertente e stimolante, rivolto a ragazzi delle elementari e delle medie. Buone le lezioni sulla scienza, meno quelle sulla psicologia
Testo Breve:

Se avete delle curiosità sulla profondità dello spazio e dell’oceano, sulle forze gravitazionali e magnetiche, questa serie di lezioni risulta particolarmente divertente e stimolante per ragazzi delle elementari e del liceo. Meno efficaci le lezioni sulla psicologia umana.

Sappiamo che Netflix ha puntato molto, negli ultimi tempi, a realizzare serial rivolti agli adolescenti ed ora sembra aprirsi anche alla categoria dei ragazzi nella fascia scuole elementari e medie (forse si prepara a rispondere alla Disney che sta per lanciare Disney Plus,  la sua piattaforma streaming).

Piccoli geni (in originale Brainchild) è un contenitore che si annuncia molto aperto (nella prima stagione, in 13 episodi, parla molto di scienza della natura, ma anche di comportamenti umani e perfino di sociologia).

Il suo format è molto accattivante e particolarmente adatto all’audience target: cerca di stupire e divertire, coinvolgendo spesso dei ragazzi in  esperimenti  che assumono l’aspetto di un gioco. Gli stessi spettatori vengono stimolati con dei quiz ai quali  bisogna rispondere in pochi secondi. Contribuiscono alla scorrevolezza del programma due donne (questa scelta è stata applaudita da molti critici, perché spesso si presuppone che per  la scienza ci sia un interesse preminentemente maschile)  particolarmente frizzanti: la conduttrice  Sahana Srinivasan di 22  anni e Alie Ward, definita nella serie “l’amica della scienza”.

Un altro aspetto di contorno ma non da trascurare è che nel progranma vengono coinvolti  ragazzi e ragazze di tutte le razze.  La serie eccelle, a nostro avviso, nei capitoli scientifici: in quello sullo spazio, rende bene il senso della sue  dimensione (è inclusa una simpatica intervista agli astronauti che stanno ruotando intorno alla terra sulla piattaforma spaziale) e quello sugli oceani dove si spiega molto bene come vivano  specie di pesci che hanno saputo adattarsi a un ambiente sempre più ostile man mano che si va  in profondità. Interessante anche quello sui germi ma quando spiega che a ogni stretta di mano ci scambiamo milioni di germi o che alla fine è meglio mangiare su una tazza del water piuttosto che sul tagliere di cucina o sullo schermo del nostro tablet, perchè è più libera da germi, temo che si finisca, più che educare, spaventare i più piccoli sulla onnipresenza di questi esserini. Dobbiamo porre qualche riserva  in altri capitoli più complessi come quello delle forze nascoste (gravità, magnetismo, elettricità) perchè se vengono resi bene, attraverso degli esercizi pratici, i loro effetti, l’amica della scienza, al momento di dare spiegazioni più scientifiche di questi fenomeni, presume delle conoscenze che non state date, come l’elettrone o l’atomo.

Il discorso cambia quando la serie affronta tematiche relative al comportamento umano (emozioni, creatività, motivazioni): in queste viene data prevalenza agli aspetti più fisici del nostro cervello (la sua struttura, la sua reazione a particolari stimoli) e si rischia di far prevalere la visione riduttiva  dell’uomo visto come una macchina. Viene meno il riconoscimento della complessità del nostro comportamento, la capacità di agire in base alle nostre più profonde convinzioni  maturate nell’arco della nostrra esistenza,  espressione della visione che abbiamo del mondo e di noi stessi.

Nel capitolo sulla creatività scopriamo che essa aumenta se noi muoviamo  velocemente gli occhi da destra a sinistra o se  ci scateniamo preliminarmente un in veloce ballo rap. Si tratta quindi di modesti trucchi per una creatività sulle piccole cose,  non si tratta della creatività di Leonardo da Vinci che deve comprendere come rendere il sorriso della Gioconda.

Sul tema delle motivazioni ancora una volta vengono presi ad esempio situazioni non complesse, in linea con l’età del potenziale spettatore: trovare la voglia di studiare, mettere a posto la propria stanza, recuperare punti in una partita di football. In questo caso le soluzioni non sono particolarmente innovative: trovare gli aspetti divertenti di ciò che si deve fare e puntare sulla buona retorica del coach per galvanizzare i componeneti della squadra. Risulta inoltre fuorviante e sgradevole la sequenza dove della ragazze e un loro genitore vengono ipnotizzati in modo che si possa far fare loro tutto quello che si vuole.

Potenzialmente interessante è anche il primo episodio dedicato ai socialmedia, con saggi consigli sull’importanza di considerarli separati dalla  vita reale e usarli solo come mezzi per restare informati. Anche in questo caso il tema viene troppo banalizzato quando mostra situazioni dove vuole dimostrare che molti appongono dei like  per puro”spirito del gregge”. E’ vero che spesso molti si adeguano alle preferenze della maggioranza ma ancora una volta questo succedere su temi poco rilevanti: è meglio ricordare ai ragazzi che ognuno di loro deve saper prendere posizione in modo autonomo e responsabile quando si tratta di scelte importanti.

In conclusione il format è particolarmente indovinato e accattivante per ragazzi e adolescenti per quel che riguarda tematiche scientifiche; è preferibile invece trascurare quegli episodi che trattano temi che toccano la psiciologia e la sociologia.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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SHADOWSHUNTERS

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/09/2020 - 18:34
Titolo Originale: Shadowshunters
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Ed Decter, Todd Slavkin, Darren Swimmer
Produzione: Constantin Film
Durata: Stagioni 3 episodi 55 su Netflix
Interpreti: Katherine McNamara, Dominic Sherwood, Alberto Rosende, Emeraude Toubia

Il mondo è diviso in tre grandi gruppi di esseri: i mondani, ovvero gli esseri umani normali; gli shadowhunters, ovvero umani nelle cui vene scorre anche del sangue angelico e infine il mondo nascosto, ovvero vampiri, lupi mannari, stregoni e numerose altre specie di esseri umani con sangue demoniaco. Clary, mentre festeggia il suo diciottesimo compleanno con il suo migliore amico Simon, scopre per caso di essere una Shadowhunters, mentre assiste ad un omicidio che solo lei può vedere. Da lì stringe un rapporto di amicizia con Jace, Alec, Isabelle, Shadowhunters come lei e lo stregone Magnus, e si pone alla ricerca delle proprie origini ma scopre anche l'amore e l'amicizia mentre affronta i demoni che minacciano di causare catastrofi di portata mondiale 

Valutazioni
Valori/Disvalori Educativi 
 
Creature di diversa natura si fronteggiano e il bene finisce per trionfare ma in questo young drama non c’è un amore che costruisce ma è piuttosto il frutto di attrazione e di prime simpatie
Pubblico 
Adolescenti
Per alcune scene di violenza, per altre che possono indurre spavento e c’è una certa disinvoltura sessuale, con nudità parziali
Giudizio Artistico 
 
Il prodotto finale può dirsi gradevole: le ambientazioni dark sono adattissime, le riprese in esterni molto suggestive e funzionali alla storia, i numerosi effetti speciali risultano non eccezionali ma accettabili.
Testo Breve:

Il mondo è popolato di uomini e donne con il sangue come il nostro ma anche di altri con natura semi-angelica e non mancano vampiri e lupi mannari. In questo fantasy popolato da varie razze vengono affrontate le tematiche tipiche di un teen drama.

Dopo il grande successo della saga letteraria e cinematografica di Twilight, dopo i diversi serial TV come Grimm o Supernatural, vede la luce un'altra serie fantasy con demoni, lupi mannari, vampiri, maghi e cacciatori di creature. Shadowhunters, adattamento televisivo della saga letteraria The Mortal Instruments di Cassandra Clare, si presenta come una serie ben confezionata.

La trama riesce ad essere avvincente, in grado di reggere le 55 puntate che compongono le 3 stagioni, con una discreta caratterizzazione dei personaggi e con un buon carico di avventura e di suspense.

I giovani protagonisti si trovano ad affrontare le domande tipiche della loro età, con la complicazione dell'avere il sangue mescolato ad angeli o a demoni. La ricerca della propria identità, la scoperta delle proprie origini, il rapporto non facile con i genitori, i complessi intrecci amorosi, l'assunzione di sempre maggiore responsabilità, amicizie che devono fare i conti con scomode verità, ... argomenti tipici dei teen drama. Problematiche importanti come l’accettazione della diversità (la lotta a tutto campo tra le varie creature del mondo nascosto, fino al desiderio del “genocidio” delle altre specie) trovano spazio in un ambiente fantasy.

Il prodotto finale può dirsi gradevole: le ambientazioni dark sono adattissime, le riprese in esterni molto suggestive e funzionali alla storia, i numerosi effetti speciali risultano non eccezionali ma accettabili.

Ritornano anche alcuni argomenti topici del genere: la regina degli inferi dal nome Lilith, Caino, il marchio di Caino (nella Bibbia, al capitolo 4 del libro della Genesi, si racconta come Caino, dopo aver ucciso suo fratello Abele, abbia ricevuto da Dio un segno perché nessuno lo uccidesse: poiché il racconto biblico non specifica cosa sia questo segno, alcuni autori hanno dato libero sfogo alla fantasia sia nella modalità di rappresentazione del marchio sia nei suoi effetti), il viaggio agli inferi per recuperare un amico dalla prigionia dei demoni, cose che ritroviamo anche in altri serial di genere simile (Supernatural o Lucifer, solo per citarne alcuni).

L’aspetto forse più problematico è quello della gestione degli affetti. Se le controversie con i genitori si risolvono quasi sempre in modo positivo, per quel che riguarda i rapporti di coppia la cosa è più complessa. La serie, pur avendo il pregio di non mostrare esplicitamente nudità, non per questo lascia alla fantasia dello spettatore il tipo di rapporto vissuto tra i personaggi.

Rispecchiando perfettamente la cultura dominante, la liceità dei rapporti ha il suo unico fondamento nell’attrazione che si prova: ecco che, com’è ormai consuetudine, trovano il loro spazio i rapporti occasionali dettati dal trasporto del momento, divorzi e tradimenti di vario tipo nelle coppie degli adulti. E’ presente anche una coppia di omosessuali, con il classico problema del coming out per paura dei pregiudizi di familiari e amici, incluse dichiarazioni d’amore, baci, matrimonio, etc…. Non manca neanche un accenno all’incesto tra fratelli (subito evitato), al poliamore, al rapporto interspecie (tra lupi mannari e vampiri, per esempio). Si può dire che il ventaglio delle possibilità contemplate è davvero molto ampio.

Complessivamente, un serial che non annoia, con colpi di scena che aiutano a tenere il pubblico incollato allo schermo.

Il rapporto tra bene e male, come nella realtà, non è presentato in maniera banale o superficiale. L'esito positivo di tutte le stagioni viene raggiunto superando la capacità di seduzione dei cattivi, molti errori, sensi di colpa e compromessi. Se il confine tra bene e male è delineato in maniera chiara, non si può dare per scontato che i buoni agiscano sempre bene e i malvagi sempre male. Il sangue demoniaco di vampiri o lupi mannari non li rende necessariamente cattivi, così come il sangue angelico degli shadowhunters non fa di loro sei personaggi buoni. Non troviamo una predestinazione al bene al male o una concezione di equilibrio o equivalenza tra le due forze contrarie.

Tra gli altri, emerge anche il tema del perdono per il male subito (così come quello per il male compiuto): non una trattazione approfondita, ma comunque capace di mostrare quanto sia difficile pervenire alla serenità della riconciliazione con gli atri e con se stesso.

Il serial è disponibile sulla piattaforma Netflix.

Autore: Francesco Marini
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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