Non classificato

Il film non fa parte di nessuna categoria

RIPARARE I VIVENTI

Inviato da Franco Olearo il Dom, 01/29/2017 - 19:03
Titolo Originale: Réparer les vivants
Paese: Francia, Belgio
Anno: 2016
Regia: Katell Quillévéré
Sceneggiatura: Katell Quillévéré, Gilles Taurand
Produzione: France 2
Durata: 104
Interpreti: Tahar Rahim, Emmanuelle Seigner, Anne Dorval, Bouli Lanners, Kool Shen, Monia Chokri, Alice Taglioni, Karim Leklou Alice de Lencquesaing, Finnegan Oldfield, Théo Cholbi, Gabin Verdet, Dominique Blanc

All’alba tre giovani surfisti sulla strada verso casa a causa di un improvviso colpo di sonno del conducente restano vittime di un incidente autostradale. Nell’ospedale di Le Havre i genitori del giovane Simon, uno dei tre ragazzi, apprendono che, nonostante le apparenze, il loro figlio è da considerarsi ormai morto con certezza e devono valutare la possibilità di autorizzare la donazione dei suoi organi. Intanto a Parigi una donna è in attesa del provvidenziale trapianto di cuore che potrà salvarle la vita

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
la drammaticità di questa storia nel suo insieme pone di fronte ad una serie di riflessioni di natura scientifica, medica, filosofica e umana. La regista sceglie un registro molto interiore e personale per sviluppare la narrazione di questo film, risulta assai convincente e toccante senza essere polemica e tiene in grande considerazione, oltre che gli aspetti scientifici della vicenda, anche quelli più intimi relativi agli affetti, al concetto di identità della persona umana e alla vita stessa.
Pubblico 
Maggiorenni
Alcune scene di operazioni chirurgiche molto realistiche e crude.
Giudizio Tecnico 
 
In un film che affronta un tema così denso di questioni scientifiche e morali il rischio era quello di cedere ad una narrazione eccessivamente didascalica, ma la regista riesce ad affrontare la storia con molta sensibilità umana e conferisce ai suoi personaggi un accettabile spessore. Questo, insieme ad un sapiente uso della fotografia e del montaggio, riesce a rendere il film coinvolgente, sebbene si tratti di una storia dura e dal forte valore divulgativo
Testo Breve:

Due genitori al capezzale del figlio a cui è stata diagnosticata la morte celebrale; una donna  in attesa che venga trovato un donatore per il suo cuore malato. Un’accurata analisi delle condizioni emotive di tutti i personaggi coinvolti

La donazione degli organi, un tema delicato quanto importante, in cui la logica schiacciante della scienza si scontra con la sacralità intangibile ma reale e forte del concetto di persona umana. Riparare i viventi è prima di tutto un romanzo in cui l’autrice Maylis de Kerangal sceglie con molto buon senso di affrontare l’argomento focalizzandosi soprattutto sull’aspetto umano e interiore di quelli che potrebbero essere i possibili protagonisti di una storia fondata sul tema della donazione degli organi. Katell Quillévéré, regista del film tratto dall’omonimo romanzo, adatta il linguaggio cinematografico alle stesse scelte dell’autrice del testo scritto e realizza un’opera toccante, ragionevole, quasi straziante ma importante.

Uno scontro di drammi, dolori, speranze e attaccamento alla vita, questo è sostanzialmente Riparare i viventi, in cui le ragioni della scienza devono necessariamente fare i conti con le ragioni, i dubbi e le pene dell’animo umano, tanto di coloro che prendono la difficile e generosa decisione di donare gli organi di un proprio caro congiunto quanto di coloro che quell’organo hanno la fortuna di riceverlo.

Nel film è narrata la storia di un giovane ragazzo di 17 anni. Simon, che nel pieno della sua vita e delle sue energie resta gravemente coinvolto in un terribile incedente d’auto. Sebbene il suo corpo sia rimasto quasi illeso il ragazzo arriva in ospedale in uno stato di morte celebrale che secondo i medici è irreversibile. I suoi genitori, nel momento di maggiore dolore, devono dunque decidere se autorizzare o meno la donazione degli organi del figlio. In un’altra parte della Francia una donna, madre di due giovani uomini, è affetta da una gravissima cardiopatia che non le lascia speranze di vita per il futuro e a causa della quale è stata inserita nella lista dei pazienti che necessitano con urgenza di un trapianto di cuore.

La tragedia che capita al ragazzo e ai suoi genitori costringe a pensare alla morte sotto varie sfumature: l’accettazione del lutto, il desiderio di rispettare la sacralità del corpo e al tempo stesso il bisogno profondo che ciascuno ha di trasformare il dolore in qualcosa di fecondo che dia senso a quella terribile sofferenza. Ed è esattamente questo il percorso che compiono i genitori del ragazzo nel prendere la loro decisione. Senza essere polemico il film riesce a descrivere i vari aspetti emotivi, umani e interiori che rendono ardua e non scontata la scelta di donare gli organi di un proprio caro.

Nel contempo la storia, attraverso la figura dei medici che accompagnano i genitori nella loro decisione, riesce a svestire anche la scienza della sua patina di freddezza per mostrare il dovuto rispetto che merita il corpo umano anche dopo la morte. Di fronte anche alla schiacciante ragionevolezza della necessità della donazione degli organi quando le condizioni lo consentono senza ombra di dubbio, la narrazione non perde di vista l’elemento che riguarda la sacralità della vita umana e il rispetto che essa impone.

La difficoltà da superare infatti non risiede solo in coloro che, pur vedendo ancora respirare il proprio figlio, sebbene solo perché attaccato ad una macchina, si trovano nella dura condizione di dover decidere di donare ad altri parti essenziali del suo corpo, ma anche in coloro che questi organi si trovano a riceverli e sono costretti di fatto a dover quantificare il valore della propria vita. Non si può non considerare che gli organi interni di un essere umano hanno un valore che per certi versi travalica il puro aspetto biologico.

Così anche la donna che d’improvviso si trova ad accettare di ricevere il cuore di un’altra persona deceduta vive un travaglio interiore non indifferente. In primo luogo per i rischi notevoli che un’operazione del genere comporta e in secondo luogo per il fatto di dover superare la naturale resistenza dell’animo a vedersi privato di una parte simbolicamente così importante per la persona.

Nel complesso Riparare i viventi affronta la questione con estrema lucidità e delicatezza senza temere di inserire anche immagini potenzialmente troppo dirette e brutali, ma funzionali al racconto. Offre quindi un quadro chiaro e completo sul tema della donazione degli organi che non poggia solo su incontrovertibili dati scientifici ma riesce a tenere conto anche degli importanti aspetti umani che la questione implica.

Bisogna sottolineare che rispetto al caso scelto in questo racconto non vi sono dubbi né morali né scientifici riguardo ad una possibile confusione con l’altro delicato tema dell’eutanasia: la morte cerebrale è riconosciuta come morte assolutamente certa e dunque non lascia adito ad altre possibili scelte di mantenimento in vita.

Tuttavia resta discutibile solo un unico dettaglio inserito nella storia e assolutamente non funzionale al racconto. Ad un certo punto del film si comprende che la donna che sta per ricevere il cuore di Simon nel passato ha avuto una relazione omosessuale con una sua amica.  Sebbene l’intento della regista fosse quello di rendere più consistente il carattere della donna che riceve il cuore, resta il fatto che l’informazione sul suo orientamento sessuale è del tutto gratuita.

 

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA LA LAND

Inviato da Franco Olearo il Mer, 01/25/2017 - 20:10
Titolo Originale: La La Land
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Damien Chazelle
Sceneggiatura: Damien Chazelle
Produzione: IMPOSTOR PICTURES, GILBERT FILMS, MARC PLATT PRODUCTIONS
Durata: 127
Interpreti: Ryan Gosling, Emma Stone, John Legend

Mia ha sempre desiderato diventare un’attrice: per questo ha lasciato il college e si è spostata a Los Angeles dove fa la cameriera in un bar degli Studios. Sebastian è un pianista, amante del Jazz classico e sogna di aprire un locale tutto suo. Nel frattempo si deve accontentare di suonare in qualche locale notturno o a qualche festino.  Mia e Seb si incontrano, si piacciono e si sostengono a vicenda nel realizzare i loro sogni. Ma poi, un giorno, il successo arriva sul serio,….

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Due giovani non hanno la capacità di uscire da se stessi e da una visione adolescenziale dell’amore, visto come sentimento e non come progetto di vita
Pubblico 
Tutti
Giudizio Tecnico 
 
Un lavoro di ottima professionalità nelle musiche, nei balli, nelle scenografie. Brava Emma Stone. Debole invece lo sviluppo della storia
Testo Breve:

Lui e lei sono aspiranti artisti in una Los Angeles idealizzata, fuori del tempo. Anche la loro storia d’amore è più sognata che vissuta; un  musical leggero come un passo di danza, incapace di generare forti emozioni

 

Dalla collina dell’osservatorio astronomico Griffith , da cui si apre un maestoso panorama di Los Angeles,  all’interno quindi di un set reale, trasfigurato in uno studio di posa grazie a un abile gioco di luci bluastre, Mia si sfila le scarpe con tacchi a spillo e calza quella da tip tap. Seb e Mia ora si slanciano senza pudore a imitare, perfino nelle movenze del ballo, Fred Astaire e Ginger Rogers. E’ una sequenza dove il regista e sceneggiatore Damien Chazelle lascia trasparire i suoi due amori principali: Los Angeles, con il profilo delle sue palme, gli studios ,  tanti giovani artisti in cerca di successo e il musical classico americano.

Da questo punto di vista l’autore (di 31 anni) mostra di esser stato molto bravo a recuperare il genere classico (saltando quindi a piè pari le nuove esperienze, come Glee o High School Musical) con poche varianti significative (forse è il primo musical dove si sente squillare un  cellulare), puntando non su due cantanti e ballerini professionisti ma su due attori,  Ryan Gosling e Emma Stone,  bravi su entrambi i fronti quello canterino e quello recitativo ( ma forse lo è di più Emma). L’unico professionista del canto presente, John Legend, fa la sua bella figura con una esibizione a metà del film.

Interessanti le musiche originali, alcune dedicate a Los Angeles (City of stars), altre insolite (come quella sulla nonna di Mia che faceva il bagno nella Senna) ma nessuna appare memorabile, di quelle che si vorrebbe fischiettare appena usciti dalla sala cinematografica.

Un musical non ha il suo impatto sul pubblico se canzoni e balli non svolgono il compito di sostenere una storia che appassiona. E’ proprio questo l’aspetto più delicato del film. Mia e Seb si incontrano prima per caso, poi sempre meno per caso e forse uno dei momenti più belli del film, per la sua delicatezza:  è quando a cinema si tengono per mano la prima volta. Il film mantiene sempre un pudore visivo nei confronti della coppia, evitando ogni risvolto realistico, sviluppando piuttosto quello del sogno ad occhi aperti, come quando perdono forza di gravità e iniziano a ballare fra le nuvole. Seb e Mia, hanno una loro magica intesa quando si trovano entrambi impegnati a cercare un successo che non arriva, si spalleggiano e si sostengono a vicenda ma poi, quando finalmente trovano entrambi uno sbocco professionale, non sanno conciliare il lavoro con la vita privata. Non sveliamo i risvolti del film, ma è indubbio che non si preoccupa di approfondire i risvolti psicologici che portano i protagonisti a prendere certe decisioni e tutto si risolve in una levità inespressa, un mood melanconico che si presta a ispirare le musiche del finale  ma non fa giustizia della storia d’amore sviluppata fino a quel momento. Tutto il racconto si potrebbe sintetizzare in un conflitto fra ambizione e amore. In realtà non è così: se l’ambizione e sempre un atto dovuto e se l’amore è sempre relegato a languido sentimento, non si trasforma mai in una solida volontà di costruire, non c’è partita.

Il musical ha i suoi momenti più belli nelle scenografie, nell’intesa che si coglie fra i due protagonisti e nei 15 minuti conclusivi, una sequenza tumultuosa di ballo, musica e colori; il film è candidato a 14 Oscar ma forse sono un po’ troppi.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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L'ORA LEGALE

Inviato da Franco Olearo il Sab, 01/21/2017 - 21:22
Titolo Originale: L'ora legale
Paese: ITALIA
Anno: 2016
Regia: Salvatore Ficarra, Valentino Picone
Sceneggiatura: Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Nicola Guaglianone, Fabrizio Testini, Edoardo De Angelis
Durata: 92
Interpreti: Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Tony Sperandeo, Leo Gullotta, Vincenzo Amato

A Pietrammare, in Sicilia, è tempo di elezioni: la sfida è tra il sindaco uscente Gaetano Patanè e Pierpaolo Natoli, un professore dalle idee rivoluzionarie. Salvo e Valentino, entrambi cognati di Natoli, in campagna elettorale si ritrovano però su fronti opposti: mentre Valentino sostiene il fratello della moglie, Salvo invece supporta Patanè, dato per vincente nei sondaggi. Entrambi sperano di poter chiedere al futuro vincitore un “favore” personale: la costruzione di un gazebo invernale per il loro chiosco estivo. A vincere alla fine è la new entry Natoli, che inizia a realizzare, uno a uno, tutti i punti del suo programma elettorale, scatenando l’indignazione dei suoi concittadini (cognati compresi), non abituati a vivere secondo le regole e nell’onestà…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film, anche se affronta il tema caldo dell’urgenza di un’amministrazione onesta della cosa pubblica, manca totalmente di quella speranza che è poi il vero motore di ogni autentico desiderio di cambiamento. Pessima figura di un sacerdote ipocrita che sobilla i fedeli contro il sindaco onesto per opportunismo personale
Pubblico 
Adolescenti
Turpiloquio
Giudizio Tecnico 
 
Ficarra e Picone riescono ancora a farci ridere ma sottotono e decisamente priva di energia e carisma, invece, l’interpretazione di Vincenzo Amato nel ruolo di Natoli.
Testo Breve:

In una cittadina della Sicilia viene eletto un sindaco veramente onesto che crea lo scompiglio fra tutti cittadini, abituati a piccoli e grandi favoritismi. Un tema ricco di spunti comici e di grande attualità ma verso il quale gli autori non osano prendere posizione

L’ora legale è un film corale, a cui hanno preso parte oltre cento attori. Tra questi, i protagonisti sono ancora una volta Ficarra e Picone, “fissi” nei loro ruoli tradizionali: Salvo è furbo, scaltro e poco incline al lavoro onesto; Valentino è timido, pacato e restio al conflitto. La loro comicità si gioca come sempre sul filo dell’esagerazione che però, in questo caso, è particolarmente funzionale a evidenziare l’assurdità della situazione descritta. Sottotono e decisamente priva di energia e carisma, invece, l’interpretazione di Vincenzo Amato nel ruolo di Natoli.

Il film si gioca sulla contrapposizione tra Pietrammare sotto “l’era Patanè” e la “nuova” Pietrammare di Natoli. Sotto Patanè, sindaco uscente, Pietrammare si presenta come una città malgovernata, inquinata, trafficata; è il regno degli appalti pilotati, delle tangenti, delle costruzioni abusive. Sotto Natoli, invece, uomo integerrimo, amato dai propri studenti e vero e proprio modello d’onestà per la figlia Betti, iniziano a moltiplicarsi multe, tasse sui rifiuti e cassonetti per la raccolta differenziata. Chi sperava di riattivare anche con il neosindaco il tradizionale giro di clientelismo rimane amaramente deluso. Chi ha case o esercizi commerciali abusivi deve rinunciarvi e alcuni, addirittura, perdono il lavoro in fabbrica, poiché Natoli ha deciso di chiuderla a causa del troppo inquinamento. L’onestà è dunque arrivata a Pietrammare, ma costa cara a tutti, anche ai familiari del sindaco stesso, che non concede favoritismi di alcun tipo. Nessuno ha mai creduto davvero che l’unica strada per risollevare il paese debba necessariamente passare attraverso la legalità, se non Natoli e sua figlia, due utopisti destinati a “soccombere” di fronte alla legge del popolo, che preferisce l’involuzione, perché “si stava meglio quando si stava peggio”.

Nel film di Ficarra e Picone si ride, ma con la consapevolezza che la commedia non si allontani troppo dalla realtà, sospesa tra desiderio di cambiamento, espresso spesso solo sotto forma di parole, e immobilismo cronico. Il film, benché non sia un trattato politico o morale, suscita alcune domande: quanto di nostro siamo pronti a sacrificare in nome del bene comune? La legalità è una parola astratta che riguarda solo le vite altrui, ma che non deve interferire con i nostri privilegi e comodità?

Il risvolto finale, benché più verosimile rispetto a una più scontata happy end, lascia l’amaro in bocca e manca totalmente di quella speranza che è poi il vero motore di ogni autentico desiderio di cambiamento. 

Autore: Eleonora Fornasari
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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QUA LA ZAMPA

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/19/2017 - 06:44
Titolo Originale: A Dog's Purpose
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Lasse Hallström
Sceneggiatura: W. Bruce Cameron, Cathryn Michon, Audrey Wells, Maya Forbes, Wally Wolodarsky
Produzione: Amblin Entertainment, Reliance Entertainment, Walden Media, Pariah Production
Durata: 120

Bailey, un golden retriever, racconta la storia delle sue vite in diverse reincarnazioni nell'arco di cinque decenni alla ricerca del senso della sua esistenza al mondo. Da quando Ethan Montgomery, un bambino di otto anni, gli salva la vita, Bailey resta al suo fianco nelle tappe più importanti della sua vita. Anche dopo la sua morte lo spirito di Bailey, incarnandosi in altri cani, non dimentica del tutto il suo primo padrone.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
il film racconta in modo semplice il forte sentimento di affetto e amicizia che lega un cane al suo primo padrone, ma si perde nella narrazione di storie che mirano alla commozione e che semplificano il senso dell’esistenza alla sola ricerca di compagnia. Il tema della reincarnazione, anche se riferito a un animale, può generare qualche sconcerto nei più piccoli
Pubblico 
Pre-adolescenti
Il tema della reincarnazione, anche se riferito a un animale, può generare qualche sconcerto nei più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
una narrazione che procede in modo scorrevole e coinvolge soprattutto al livello dei sentimenti, ma a tratti sfiora un’artificialità tale da sembrare quasi uno spot pubblicitario
Testo Breve:

Un golden retrieval viene salvato dal suo padroncino. Anche dopo morto, il cane continua a cercarlo, nelle sue vite successive. Un film che punta tutto sulla commozione con un insolito riferimento al tema della reincarnazione

Dopo il successo nel 2009 di Hachiko - Il tuo migliore amico, film basato sulla sorprendente storia del fedele cane giapponese Hachi, il regista Lasse Hallström sembra averci preso gusto e riprende il filone cinofilo con un film, Qua la zampa, che punta tutto sulla commozione. La storia è tratta dal romanzo del 2011 best seller di W. Bruce Cameron, Dalla parte di Bailey (A Dog's Purpose), in cui l’autore immagina di raccontare il mondo e la vita attraverso gli occhi e la voce di un cagnolino che si reincarna più volte.

Che Hallström fosse un abile descrittore di sentimenti si sapeva. (Dear John). Questo regista è riuscito sempre, con esiti più o meno centrati, a toccare le corde sensibili dell’animo umano affrontando temi assai toccanti, anche se non sempre supportati da contenuti solidi. Questa volta però con Qua la zampa il regista svedese punta dritto verso il sentimentalismo più spudorato e sembra applicare tutte le sue competenze professionali a generare con facilità situazioni commuoventi ma che a tratti paiono costruite ad arte per questo scopo.

In principio un cane affezionato e il suo bambino, poi un eroico cane poliziotto e l’agente suo padrone, poi un pigro cagnolino che condivide con simpatia e discrezione le gioie e i dolori di una giovane donna di colore e infine un cane maltrattato che ritrova miracolosamente la via di casa: già solo questi elementi basterebbe per predisporre il pubblico alla più profonda tenerezza. Qua la zampa è la storia di un cane di nome Bailey che nasce, vive, muore e rinasce più volte incarnando ogni volta una nuova razza canina in un differente contesto umano. Bailey racconta la sua storia con le sue diverse esistenze dal suo ingenuo e puro punto di vista di animale fedele, intelligente e pieno di voglia di vivere. Quello di Bailey però sembrerebbe voler essere anche un percorso di crescita e conoscenza dell’animo umano alla ricerca del senso della vita.

Un obiettivo decisamente alto per un cane che in effetti fondamentalmente si concentra di più sulla ricerca di un essere umano in particolare, il suo primo vero padrone, Ethan, che lo adottò cucciolo in una delle sue prime vite e diede un senso di gioiosa spensieratezza alla sua esistenza. Ed è proprio in questo punto che Hallström sembra perdersi o piuttosto sembra scegliere la facile via dei sentimenti invece che esplorare sentieri più complessi.

Perché Qua la zampa pone le basi per profonde riflessioni ma si ferma alle considerazioni più elementari e semplici, sicuramente molto adatte ad un cane ma quasi mortificanti se invece osservate dal punto di vista dell’essere umano. Alla fine sembra infatti che la sola cosa che possa dare un senso all’esistenza di ogni essere vivente, uomo o animale che sia, stia nel cercare e trovare un compagno con cui condividere la vita.  

Qua la zampa è un film senza dubbio ricco di sentimenti coinvolgenti e commuoventi, descritti con semplicità efficace e ingenua, ma troppo infantile. Questa idilliaca comunione tra uomo e cane e l’eccessiva centralità e importanza data al concetto di compagnia finisce col svilire decisamente la parte umana della storia, rendendo l’intero film un tenero racconto di fantasia, ben narrato e toccante, ma artificilamente puerile.       

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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DOPO L'AMORE

Inviato da Franco Olearo il Dom, 01/15/2017 - 12:45
Titolo Originale: L'économie du couple
Paese: Francia, Belgio
Anno: 2016
Regia: Joachim Lafosse
Sceneggiatura: Mazarine Pingeot, Fanny Burdino, Joachim Lafosse, Thomas Van Zuylen
Produzione: ES FILMS DU WORSO, VERSUS PRODUCTION IN CO-PRODUZIONE CON RTBF (TÉLÉVISION BELGE), VOO, BE TV ET PRIME TIME (TBC)
Durata: 98
Interpreti: Bérénice Bejo, Cédric Kahn

Maria e Boris, dopo 15 anni vissuti assieme e aver avuto due bimbe gemelle, hanno deciso di separarsi. L’attuazione pratica di questa decisione risulta molto difficile e genera in loro astio e sofferenza. Lui è attualmente senza lavoro e i due sono costretti a continuare ad abitare nella stessa casa. Non trovano neanche un accordo sugli aspetti economici della separazione: lei vuole dare al marito una congrua buona uscita purché lasci definitivamente la casa ma lui pretende il 50% del suo valore perché, anche se formalmente la casa è di proprietà della donna, ritiene che tutti i lavori di abbellimento che lui stesso ha realizzato abbiano contribuito alla sua valorizzazione…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Assistiamo ai litigi di un uomo e una donna che si stanno per separare ma in nessuno dei due traspare un gesto di generosità capace di trascendere la loro situazione, soprattutto a beneficio delle due figlie
Pubblico 
Adolescenti
Le tensioni familiari che sono narrate nel film non sono adatte alla sensibilità dei più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Il regista sviluppa un’analisi accurata della dinamica di una separazione, gli attori sono bravi, ma il risultato è freddo e non propone soluzioni
Testo Breve:

Lui e lei si stanno per lasciare dopo 15 anni e la nascita di due bambine. Il racconto dettagliato ma grigio di una separazione che non trasmette nessuna emozione

“Tu hai i tuoi giorni, io i miei, rispettali” dice Maria, molto seccata, a Boris che è entrato, non atteso, in casa e sta facendo divertire le figlie che non hanno intenzione di fare i compiti. Ovviamente le bambine non hanno nessuna voglia di pensare ai loro genitori come qualcosa di disunito e si rivolgono ora a l’uno ora all’altra a seconda di dove, secondo loro, sarà più facile ottenere ciò che desiderano. E’ questo uno dei pochi elementi che resta invariato in questa famiglia dove lui e lei hanno deciso di non voler più vivere assieme (non è chiaro, nel film, se sono sposati o no), non perché sia intervenuto un “terzo incomodo” ma per incompatibilità di carattere: lui si comporta con molta leggerezza (di origini modeste, vive di lavori edili saltuari e non si dà molto da fare per cercane altri) mentre lei, di famiglia borghese, vive nella cura di piccoli dettagli e non ha l’elasticità mentale per affrontare i problemi in una prospettiva più ampia e generosa. I

ll regista e sceneggiatore belga Joachin Lafosse si è specializzato in conflitti familiari (Proprietà privata) e con questo film mostra l’intenzione di continuare ad approfondire il tema. Per tutto il film padre, madre e figlie (ma anche noi) restano chiusi all’interno della loro abitazione constatando, com’è ovvio, che ciò che è nato unito, ora non può esser diviso. Ecco quindi le meschine liti sul dividere in due il contenuto del frigorifero, sul lavare separatamente i panni nelle lavatrice, nell’impossibilità di vedere separatamente quegli amici che un tempo erano in comune. Lei si appiglia a queste divisioni sperando in qualche modo di guadagnarsi una propria indipendenza; lui le viola continuamente, perché le ritiene elementi secondari rispetto al tema principale, che è la perdita della loro intesa.

Sappiamo bene, purtroppo, quanto spesso avvengono, nella realtà, queste separazioni e c’è da domandarsi se era necessario sviluppare un film che ci ricordasse, nei minimi dettagli, la tristezza ma anche lo squallore umano nel quale finiscono per sprofondare gli ex-coniugi o conviventi.

Indubbiamente è da lodare il dettaglio, quasi uno studio sociologico, con cui vengono analizzate le relazioni familiari e sono molto bravi sia Bérénice Bejo che Cédric Kahn (noto soprattutto come regista) ma indubbiamente non basta il piacere di un’analisi ben fatta per giustificare un film. Non sveliamo il finale, ma non resta nello spettatore nessuna emozione o messaggio particolare da recepire.

Lo spettatore segue le loro vicende attendendosi non necessariamente una soluzione positiva al conflitto, una loro generosa riunificazione ma almeno un colpo d’ala nel racconto, un modo con il quale i due possano almeno prender coscienza definitiva della gravità della loro decisione, soprattutto nei confronti delle figlie. In un altro film tragico sullo stesso tema, Kramer contro Kramer, il conflitto coniugale, arrivato fino in tribunale, pur concludendosi con una separazione definitiva, si chiudeva con una gara di solidarietà nei confronti del loro figlio.

In questo film c’è una scena molto bella, nella quale le gemelle mettono il disco di una canzone che è capace di evocare alcuni bei momenti che tutti insieme hanno vissuto e padre, madre e figlie, si mettono a ballare. Negli sguardi di lui e lei sembrano riaffiorare le emozioni del loro amore di un tempo ma si tratta di un breve momento. I litigi continueranno il giorno dopo e, ciò che è peggio, non c’è mai una seria analisi delle conseguenze del loro disaccordo sulle loro figlie.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
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ASSASSIN’S CREED

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/09/2017 - 21:14
Titolo Originale: Assassin's Creed
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Justin Kurzel
Sceneggiatura: Michael Leslie, Adam Cooper, Bill Collage
Produzione: NEW REGENCY, UBISOFT MOTION PICTURES, DMC FILMS, KENNEDY/MARSHALL COMPANY, IN ASSOCIAZIONE CON RATPAC ENTERTAINMENT, ALPHA PICTURES
Durata: 116
Interpreti: Michael Fassbender, Marion Cottillard, Jeremy Irons, Brendan Gleeson

Callum Lynch è un discendente di Aguilar de Nerha, un membro della Confraternita degli Assassini, vissuto ai tempi dell’Inquisizione spagnola. Condannato alla pena capitale, viene salvato dall’esecuzione dalla Fondazione Abstergo, multinazionale dietro cui si cela l’ordine dei Templari, protagonisti da secoli di una guerra segreta contro gli Assassini. Tramite l’Animus, un dispositivo tecnologicamente evolutissimo, Callum è costretto a rivivere i ricordi del suo antenato per scoprire dove gli Assassini hanno nascosto la Mela dell’Eden, un antico manufatto che contiene il codice genetico del libero arbitrio. L’obiettivo? Privare l’umanità della facoltà di scelta, l’unico modo, secondo la Fondazione, per far sparire definitivamente la violenza dalla faccia della terra…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
E’ meglio avere la pace a scapito della libertà o lasciare il libero arbitrio all’uomo, con il rischio di continueguerre? Il film non propone alcuna soluzione ma si diverte a mostrare il conflitto fra le due posizioni
Pubblico 
Maggiorenni
Numerose scene di violenza e di tensione
Giudizio Tecnico 
 
La pellicola ha il merito indubbio di esaltare l’altissimo tasso di spettacolarità del gioco ma, d’altra parte, il plot risulta debole e confuso
Testo Breve:

Tratto da uno dei videogiochi più popolari degli ultimi anni, il film mantiene un alto tasso di spettacolarità ma si perde in due storie parallele che si svolgono nel presente e nel passato

L’attesissima trasposizione cinematografica di uno dei videogiochi più popolari degli ultimi anni è, a parere di chi scrive, un’operazione riuscita solo a metà. La pellicola ha il merito indubbio di esaltare l’altissimo tasso di spettacolarità del gioco ma, d’altra parte, lascia un po’ a desiderare sul piano della storia. La sensazione infatti è quella di avere a che fare con un film che, per ovvie ragioni di struttura, ha due anime distinte che la sceneggiatura non è riuscita a rendere omogenee ed organiche.

Da una parte infatti c’è il filone action, che riverbera principalmente negli inserti ambientati nel passato (Spagna 1492, per la precisione), dove la cavia Callum rivive i ricordi del suo avo Aguilar de Nerha, tra inseguimenti da capogiro, uccisioni e combattimenti all’ultimo sangue, vertiginosi salti nel vuoto e panoramiche aeree mozzafiato; dall’altra invece c’è il risvolto “thriller storiografico” che tra complotti sotterranei e reinterpretazioni (chiamiamole così) storiche, riprende gli elementi del genere narrativo di cui Dan Brown è portabandiera. Ed è in questa dimensione che viene messo in scena il racconto vero e proprio, dove i personaggi si evolvono e ci coinvolgono con le loro sofferenze e le loro scelte, ma gli spazi sono talmente ristretti che anche gli intenti tematici che potevano essere potenzialmente interessanti rimangono frustrati e poco approfonditi.

Nonostante l’esilità del plot comunque non si può dire che a livello di contenuti non sia un progetto ambizioso, anche se le conclusioni tratte lasciano a dir poco perplessi. Gli autori (rimanendo in questo fedeli al videogioco) hanno ripreso il tema della libertà e lo hanno caricato di una posta in gioco altissima e universale che non può lasciare di certo indifferente lo spettatore. Il dilemma morale è portato in scena, nel film, dal secolare conflitto tra due schieramenti sotterranei e contrapposti, quello degli Assassini e quello dei Templari, che con le loro ideologie incarnano aspetti opposti e complementari della tematica affrontata.

I primi infatti usano la violenza per difendere la libertà di pensiero e di scelta contro tutto ciò che potrebbe inibirla o imbrigliarla: quindi la morale, la religione, le leggi. La loro missione (dai risvolti vagamente anarchici) è l’esaltazione dell’individuo con le sue qualità e le sue idee, a qualsiasi costo e con qualsiasi mezzo.

I secondi invece sono un’entità secolare che ha in mano il potere e le sorti del mondo e si propone di abolire la violenza dalla faccia della terra, e con essa quindi ogni guerra, ogni sopruso e ogni abominio, anche a discapito dell’espressione personale di ciascun individuo. Per lo spregiudicato CEO della Abstergo, (Jeremy Irons) e per la figlia idealista (Marion Cotillard) l’unica via percorribile per il raggiungimento di tale obiettivo è la sottrazione del libero arbitrio al genere umano, cosa che permetterebbe di “intorpidire” i popoli per poterli soggiogare e controllare meglio.

È ovvio che di fronte ad uno scenario simile risulta estremamente complicato, e persino alienante, provare ad empatizzare con una delle due parti. La domanda che ci si porta dietro dal primo all’ultimo minuto quindi è: quali sono i buoni e quali i cattivi? Il rischio concreto è quello di terminare la visione del film senza risposte convincenti.

Autore: Gabriele Cheli
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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MISTER FELICITA'

Inviato da Franco Olearo il Lun, 01/09/2017 - 11:46
Titolo Originale: Mister Felicità
Paese: ITALIA
Anno: 2017
Regia: Alessandro Siani
Sceneggiatura: Alessandro Siani e Fabio Bonifacci
Produzione: CATTLEYA, CON RAI CINEMA
Durata: 90
Interpreti: Alessandro Siani, Diego Abatantuono, Carla Signoris, Elena Cucci, Cristiana Dell’Anna

Martino, napoletano di nascita, vive in Svizzera con sua sorella Caterina. Pigro e indolente, è costretto a rimboccarsi le maniche quando Caterina, a causa di un incidente, resta ferita ed immobilizzata da una gamba. Le cure sono molto costose e Martino decide di chiedere in prestito del denaro al Dottor Guglielmo Gioia, presso la cui ricca abitazione Caterina fa le pulizie. Guglielmo, che di professione fa il guru nella riabilitazione dell’autostima ed è specializzato nella motivazione degli atleti, accetta di dargli del denaro, ma solo in cambio del lavoro che Martino dovrà svolgere a casa sua al posto della sorella. Il destino è crudele con il ragazzo pigro e indolente, ma gli offre una possibilità d’oro quando Guglielmo è costretto ad allontanarsi da casa per un lungo periodo. È così che Martino decide di vestire i panni del Dottor Gioia sotto le sue personali vesti di Mister Felicità. E tra un atleta e l’altro incontra Arianna, una stella del pattinaggio su ghiaccio che all’improvviso, a causa di una stupida caduta in campo di gara, si ritira perché schiacciata dall’idea de giudizio degli altri. Martino inizia il suo lavoro di riabilitazione con Arianna, ma nel frattempo Guglielmo torna dal suo viaggio di lavoro e scopre il doppio gioco di Martino. Anziché cacciarlo per essersi impossessato della sua identità, Guglielmo lo sostiene nel processo di motivazione di Arianna decidendo di restare in ombra e di guidare il ragazzo passo dopo passo. Tra Martino e Arianna nasce un forte sentimento, mentre Guglielmo cerca di gestire un segreto che lo accompagna da anni e che, si scoprirà, riguarda proprio Arianna e Augusta, la madre della ragazza.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il germe della felicità risiede in ognuno di noi e non può dipendere da fattori esterni
Pubblico 
Tutti
Giudizio Tecnico 
 
Il film si sviluppa su di un umorismo di circostanza, di situazione e di battuta, e manca una struttura comica solida, continuativa e coerente indebolendo, in questo modo, la potenza attrattiva del film
Testo Breve:

Un giovane pigro trova la giusta motivazione per impegnarsi nell’aiutare gli altri a superare dei momenti difficili. Siani fa ridere ma manca la comicità brillante dei precedenti lavori

Alessandro Siani, dopo il Principe Abusivo (2013) e Si accettano Miracoli (2015) torna sul grande schermo con il suo terzo film da regista. Il risultato non è all’altezza della comicità che Siani aveva dimostrato, per esempio, in pellicole come Benvenuti al Sud (2010), in cui la coppia con Bisio, nel sostenere con un ritmo divertente ed incessante una trama dopotutto semplice, si era rivelata decisamente più efficace rispetto a quella qui presente con Abatantuono.

Mister Felicità si sviluppa su di un umorismo di circostanza, di situazione e di battuta, laddove, specialmente in questo ultimo caso, la mancanza di una struttura comica solida, continuativa e coerente indebolisce la potenza attrattiva del film. Film che resta, comunque, portatore di un messaggio positivo e raccontato in maniera sempre gradevole e mai volgare.

Il tema della felicità, come suggerisce il titolo, è al centro della narrazione e si trova incorniciato all’interno di una tradizionale commedia romantica. Questo ambito status emotivo qui si declina in base all’esperienza di ogni personaggio della storia, anche se a ben vedere, il messaggio finale del film riconduce ad un minimo comune denominatore. La stella del ghiaccio Arianna, per esempio, è ora infelice e depressa a causa della brutta caduta che, durante una gara, le è costato il primo posto e ha compromesso, a suo dire, la propria immagine agli occhi dei tifosi e dell’intero mondo del Pattinaggio. Martino, invece, è un uomo indolente e pigro a cui la vita “semplicemente” va male. Indolenza, pessimismo e assenza di risultati soddisfacenti si rincorrono in una spirale che sembra non avere fine. Il Dottor Gioia, poi, trascorre una vita apparentemente impeccabile. Molto bravo nel suo lavoro di motivatore, è debole nell’affrontare e risolvere le fragilità della sua vita. Infine Augusta, che risucchia l’essenza della propria felicità dalle soddisfazioni sportive della figlia Arianna.

Quello che Siani cerca di raccontare, nonostante non emerga sempre chiaramente, è che il germe della felicità risiede in ognuno di noi e non può dipendere da fattori esterni. Arianna deve imparare ad accettare le cadute e a sapersi rialzare. Martino può trovare solo in se stesso la volontà di creare qualche cosa di bello e deve smettere di aspettare che le soddisfazioni gli cadano dal cielo. Il Dottor Gioia ha un rapporto familiare da recuperare e può farlo solo se toglie la maschera dell’uomo perfettamente felice. Augusta dovrebbe smettere di far dipendere la propria serenità dalle vittorie di Arianna.

Insomma, Siani come sceneggiatore e come regista ce la mette tutta per regalare un bel film ai suoi spettatori. A Mister Felicità manca, però, quella comicità acuta e brillante che ne avrebbe resa imperdibile la visione.

Autore: Maria Luisa Bellucci
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL CLIENTE

Inviato da Franco Olearo il Sab, 01/07/2017 - 18:57
Titolo Originale: Forushande (The salesman)
Paese: IRAN
Anno: 2016
Regia: Asghar Farhadi
Sceneggiatura: Asghar Farhadi
Produzione: Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production
Durata: 125
Interpreti: Shahab Hosseini, Raana Etesami, Babak Karimi

Emad e Rana, una giovane coppia di sposi iraniani, sono improvvisamente costretti a lasciare il loro appartamento nel centro di Téhéran a causa dei lavori di un vicino cantiere che ha reso pericolante il loro edificio. Tuttavia la nuova sistemazione li fa precipitare in una situazione terribilmente spiacevole che metterà in crisi anche il loro rapporto

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
I due sposi protagonisti vivono un’esperienza che mette a dura prova il loro legame affettivo, la loro coscienza ma anche la loro posizione rispetto alla società. Il film coinvolge in una delicata ma intensa riflessione su concetti come il giudizio dell’altro e l’importanza della propria integrità morale e del perdono.
Pubblico 
Maggiorenni
Non a causa di scene violente o volgari, ma a causa dei temi affrontati, facilmente comprensibili solo ad un pubblico di adulti
Giudizio Tecnico 
 
Su tutto domina una sceneggiatura equilibrata in grado di raccontare anche ciò che non si vede, come le emozioni o le scene più violente, senza per questo privare lo spettatore della necessaria partecipazione alla storia
Testo Breve:

Dopo l’Oscar, nel 2012, con La separazione, il regista iraniano Asghar Farhadi realizza un altro intenso film per raccontarci le trasformazioni interiori di una coppia messa a dura prova

Come sarebbe la trasposizione cinematografica iraniana di una famosa opera drammaturgica americana? Il regista persiano Asghar Farhadi, già direttore di Una separazione, miglior film in lingua straniera agli Oscar 2012, per il soggetto del suo ultimo lavoro ha preso ispirazione proprio da una famosa commedia teatrale di Arthur Miller, Morte di un commesso viaggiatore, e ha realizzato un altro successo. Con Il cliente (The salesman) Asghar Farhadi si è già aggiudicato infatti il premio per la miglior sceneggiatura all’ultimo Festival di Cannes, dove anche Shahab Hosseini per la sua interpretazione nel film ha ricevuto il riconoscimento di miglior attore protagonista.

Se Miller nella sua opera intendeva rivolgere una critica al sistema culturale americano principalmente fondato su valori come il successo e la ricchezza materiale, Asghar Farhadi riesce a trasportare egregiamente temi simili ma più contemporanei in una storia profondamente inserita nella moderna struttura sociale iraniana. L’esperienza e l’interiore percorso umano diventano gli assoluti protagonisti del film. 

Ne Il cliente Emad (Shahab Hosseini) e Rana (Raana Etesami) sono una coppia di giovani sposi di Téhéran. In una città caotica in cui modernità e degrado convivono, i due protagonisti, senza scontrarsi con le tradizioni ma distinguendosi per una formazione culturale di un certo spessore, cercano di costruirsi una vita serena insieme, nonostante le scarse disponibilità economiche. A causa del prepotente sfruttamento del territorio da parte dell’industria edilizia che minaccia la stabilità della palazzina in cui vivono sono costretti a cercare una nuova abitazione e grazie ad un amico con cui recitano in una compagnia teatrale amatoriale riescono a trovare una dignitosa sistemazione in un appartamento appena liberato da una misteriosa inquilina. Qui purtroppo però Rana, per un malinteso, viene aggredita da uno sconosciuto mentre Emad è fuori casa. Da questo momento in poi la vita personale e sociale della giovane coppia si complica terribilmente.

Mentre Rana porta su di sé ancora i segni dell’aggressione e fatica a superare il trauma e la vergogna per la violenza subita, in Emad comincia a crescere la rabbia e un nuovo inaspettato sentimento di disonore difficile da gestire.

Farhadi esplora il mondo delle emozioni e dei pensieri che si sviluppano in una coppia inserita in una situazione difficile da gestire sia al livello privato che pubblico, soprattutto in una cultura particolare come quella iraniana. L’amore, la fiducia e la comprensione verso l’altro sono sentimenti che cominciano ad entrare in lotta con il senso di vergogna, il desiderio di vendetta e di riscatto e il bisogno di comprensione.

Senza mia diventare violento, il film descrive la parabola di un percorso emotivo vissuto da prospettive diverse e complementari come quella della donna, ferita e violata, e dell’uomo, umiliato e offeso. All’interno della storia si inseriscono però anche altre vicende umane che con il loro portato di difficoltà e povertà influiscono fortemente sulle vite dei due protagonisti. Il film pone i due protagonisti, con i loro valori e la loro capacità di gestire le emozioni e i giudizi, a dura prova e momento per momento impone loro continue e difficili scelte.

La quotidianità con le sue piccole azioni di ogni istante diventa il motore del dramma che al suo apice di violenza non può trovare altra via di riscatto e superamento che nel perdono. Un perdono che però pare quasi impossibile perché sembra rendersi necessario per quasi tutti i personaggi, tranne forse che per la protagonista, e quindi richiede la partecipazione e lo sforzo di tutti.

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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COLLATERAL BEAUTY

Inviato da Franco Olearo il Gio, 01/05/2017 - 20:48
Titolo Originale: Collateral Beauty
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: David Frankel
Sceneggiatura: Allan Loeb
Produzione: ANONYMOUS CONTENT/OVERBROOK ENTERTAINMENT, PALMSTAR MEDIA, LIKELY STORY
Durata: 97
Interpreti: Will Smith, Edward Norton, Kate Winslet, Helen Mirren, Michael Peña

Howard è manager di successo e azionista di maggioranza di una società pubblicitaria. Gli altri tre soci, Whit, Simon e Claire, sanno che solo Howard, di cui sono grandi amici fin dal momento della fondazione, costituisce il vero spirito propulsore della loro azienda. Grande è il loro sconcerto quando si accorgono che Howard, dopo la tragica morte di sua figlia, si è chiuso nel suo dolore da ormai due anni, si è separato dalla moglie, di disinteressa dei problemi della società e resta lunghe ore a casa a scrivere alla Morte, al Tempo e all’Amore. Gli altri soci, desiderosi di salvare la società, hanno trovato un acquirente ma la vendita non può essere portata a termine senza la firma di Howard. I tre hanno un piano: ingaggiano tre attori con il compito di interloquire con Howard come se fossero la Morte, il Tempo e l’Amore in modo da farlo passare come non più sano di mente…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un uomo colpito da un terribile lutto familiare, riesce lentamente a superare la crisi grazie all’affetto di una donna
Pubblico 
Adolescenti
Qualche tematica potrebbe non essere adatta ai più piccoli
Giudizio Tecnico 
 
Un cast di attori di primo livello e il regista di Il diavolo veste Prada, non riescono a rendere credibile un film con una sceneggiatura più impegnata a proclamare pillole di saggezza che a sviluppare un racconto
Testo Breve:

Will Smith continua, con il tono saccente che ha assunto negli ultimi suoi lavori, a trasmetterci una filosofia di vita, ispirata a Scientology, che ci dovrebbe consentire di superare ogni avversità

Che ne sia ancora membro o no, da tempo Will Smith si sente impegnato a diffondere, attraverso i suoi lavori, le idee di Scientology. Se in Sette Anime riusciva ancora a diluire la dottrina nel racconto, in quest’ultimo film è stato rotto ogni ritegno: i protagonisti interrompono continuamente lo sviluppo della storia parlando fra loro del significato da dare a ciò che accade e di come bisogna reagire. Se nel cristianesimo il fedele si rivolge a Dio, cogliendone gli insegnamenti per diventare degno della Sua filiazione, nella pseudo-religione di Scientology, le parti si sono invertite: tutto dev’essere orientato al servizio dell’uomo, che ha potenzialità infinite e deve solo comprendere il modo giusto di porsi in armonia con un cosmo impersonale e non meglio identificato. Ecco quindi i discorsi sulla bellezza collaterale che scaturisce da ogni evento, anche dalla morte, il considerare il tempo come un bene prezioso da impiegare e mentre l’amore è una forza che tutto pervade. La storia preme senza ritegno il pedale del patetismo e se a Howard è morta una figlia, gli altri soci non se la passano bene: Simon è prossimo a morire di cancro; la figlia di Whit, divorziato, non vuole più parlare con il padre mentre Claire, che non si è sposata e che sente che il tempo della giovinezza sta passando, ha deciso di diventare comunque madre attraverso un’inseminazione artificiale. Sicuramente le ambizioni sono state troppe e a ben poco è servito il cast eccezionale che è stato impiegato: se la Helen Mirren   e Will Smith risultano credibili, vengono sprecati i talenti di Edward Norton, Kate Winslet, Keira Knightley e dello stesso regista David Frankel, autore di Il diavolo veste Prada.

Non vogliamo rivelare i dettagli del finale ma, ironicamente, a dimostrazione ulteriore dell’inconsistenza della sceneggiatura, Howard guarirà dalla sua depressione non certo per esser stato convinto dai tanti discorsi filosofici impostati, ma dal più classico dei modi: l’affetto di una donna. 

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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PASSENGERS (Amitrano)

Inviato da Franco Olearo il Mer, 12/28/2016 - 12:01
Titolo Originale: Passengers
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Morten Tyldum
Sceneggiatura: Jon Spaihts
Produzione: ORIGINAL FILM, COMPANY FILMS, START MOTION PICTURES
Durata: 116
Interpreti: Jennifer Lawrence, Chris Pratt

A bordo dell’astronave Starship Avalon 5.259 persone sottoposte a sonno criogenico stanno viaggiando verso un nuovo pianeta e una nuova vita, ma un malfunzionamento causa il risveglio di uno dei passeggeri, Jim, 90 anni prima dell'arrivo

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Passengers pone diversi argomenti di particolare interesse, come la riflessione sulla relatività, il senso e l’importanza delle categorie del tempo e dello spazio nell’universo e l’essenziale necessità dell’uomo di coltivare rapporti umani per sopravvivere. Purtroppo però sorvola su tutti per concedere grande spazio agli effetti speciali e alla romantica storia d’amore
Pubblico 
Maggiorenni
Alcune scene di sesso
Giudizio Tecnico 
 
Bellissime ambientazioni e sorprendenti effetti accompagnati da una colonna sonora curata e adatta. Debole il contenuto della sceneggiatura
Testo Breve:

Un film di fantascienza che beneficia di ottimi effetti speciali ma la storia, che si sviluppa all’interno di un’astronave si trasforma in un’opera teatrale che si concentra sulle relazioni sentimentali fra i due protagonisti

 

Passengers era in cantiere dal 2007 da quando lo sceneggiatore Jon Spaihts (Doctor Strange 2016; La mummia 2017) ne aveva scritto il soggetto, ma solo nel momento in cui il regista Morten Tyldum ha accettato la regia è stato possibile realizzare davvero un film che del genere fantascientifico ha solo l’involucro. A dispetto infatti degli forti e significativi elementi futuristici Passengers è in realtà soprattutto un film sentimentale con un pizzico di avventura.

I personaggi che agiscono nel film sono solo tre, di cui uno tra l’altro è anche un robot, il simpatico barman Arthur (Michael Sheen), per una storia che, se non fosse per i sorprendenti effetti speciali, gli scorci mozzafiato sull’universo e i futuristici ambienti dagli spazi ampi, moderni e funzionali, con un po’ di immaginazione potrebbe tranquillamente svolgersi sulla scena di un palcoscenico.

Chris Pratt (I magnifici 7, 2016) è Jim Preston, lui e altre 5259 persone hanno scelto di intraprendere un viaggio nel tempo e nello spazio su un’astronave, la Starship Avalon, per andare a popolare un pianeta lontano dalla Terra centinaia di anni luce. La traversata dell’universo durerà circa 120 anni e per affrontarla i passeggeri dell’Avalon si sottopongono ad un sonno criogenico che dovrebbe farli risvegliare quattro settimane prima del loro arrivo sul pianeta Homestead II. Dopo alcuni anni di viaggio però qualcosa nella capsula di Jim non funziona e questi si risveglia con circa 90 anni di anticipo. In preda ad una disperata solitudine e condannato ad un’esistenza priva di qualunque altro contatto umano al di fuori del barman robot Arthur, Jim si innamora del volto di uno dei passeggeri che ancora dorme quietamente nella sua capsula, la bella -addormaentata- Aurora Lane (Jennifer Lawrence) e decide di risvegliarla. I due protagonisti però si trovano sull’orlo di una catastrofe che riguarda sia la loro relazione d’amore che la salvezza dell’intero equipaggio.

Un plot, quello di Passengers, che consentirebbe tante prospettive di lettura. Al di là dell’occasione di sviluppare straordinari effetti visivi, la storia pone lo spettatore di fronte a diverse questioni filosofiche e morali, che purtroppo però vengono solo sfiorate in favore di un sviluppo romantico che sa di già visto, da Laguna blu fino ad arrivare a Titanic. Il tempo, lo spazio, l’inalienabile bisogno dell’uomo di relazionarsi con l’altro e di coltivare la speranza nel futuro, nonché l’esigenza di fondare ogni rapporto d’amore sulla base della sincerità e della reciproca capacità di donarsi, sono tutti elementi che compaiono nella storia e la rendono interessante fin tanto che qualche effetto speciale non prende il sopravvento.

Passengers finisce col sembrare il rimescolamento di tanti Sci-Fi con altrettanti film di romantiche avventure in cui tutto arriva scontato e previsto. Jim è l’eroe che dopo tanto dolore riesce a compiere l’estremo sacrificio che salva la vita all’intero equipaggio mentre Aurora è la compagna dolce e forte che gli salva la vita due volte.  

Autore: Vania Amitrano
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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