Film Oro

Film con contenuti di valore in riferimento alla persona e alla famiglia

10 GIORNI SENZA MAMMA

Inviato da Franco Olearo il Dom, 02/10/2019 - 20:54
 
Titolo Originale: 10 giorni senza mamma
Paese: ITALIA
Anno: 2019
Regia: Alessandro Genovesi
Sceneggiatura: Alessandro Genovesi, Giovanni Bognetti
Produzione: COLORADO FILMS CON MEDUSA FILM
Durata: 100
Interpreti: Fabio De Luigi, Valentina Lodovini, Antonio Catania, Angelica Elli, Bianca Usai

Carlo e Giulia sono sposati da tredici anni. Lui lavora in una società che opera nel settore della distribuzione alimentare, lei ha deciso di abbandonare il mestiere di avvocato per dedicarsi ai loro tre figli: Camilla, di tredici anni, in piena ribellione adolescenziale; Tito di dieci, che ha il gusto di inventare, con i suoi amici, scherzi “sadici” e infine Bianca, di due anni, che parla poco ma combina tanti guai. C’è qualche problema aperto per entrambi: Carlo è stato affiancato in ufficio da un nuovo collega più giovane che ha tutta l’aria di volergli soffiare il posto; Giulia sente il bisogno, dopo tanti anni dedicati a figli, di cambiare capitolo. E’ esattamente ciò che fa: si organizza una vacanza di dieci giorni con sua sorella a Cuba e lascia Carlo a gestire casa e figli…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Una coppia di sposi riesce a risolvere una serie di problemi familiari contando sull’affetto reciproco e far progredire il rapporto con i propri figli
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Alessandro Genovesi riesce a confezionare un film che non tradisce le giuste esigenze di entertainment ma al contempo affronta temi non banali che riguardano i rapporti all’interno di una famiglia
Testo Breve:

La moglie decide di concedersi 10 giorni di vacanza mentre il marito deve occuparsi dei tre figli e dei non pochi problemi che ha sul lavoro. Un film che diverte ma che riesce anche ad affrontare con serietà temi sulla famiglia e sul mondo del lavoro

A leggere il titolo, un brivido di terrore scorre per la schiena: ancora un altro film che scherza sull’incapacità degli uomini di badare ai figli e di prendersi cura della casa? Film che esplorano l’anatomia della famiglia sono molto rari ma quando vengono prodotti, o hanno i toni della tragedia (genitori separati, figli drogati/alcoolizzati) oppure, nelle leggere vesti di una commedia per tutti, ecco che bambini pestiferi scatenano cataclismi inarrestabili di fronte a genitori impotenti. La geografia della famiglia è tutta qui? In effetti questo film di Alessandro Genovesi ha rischiato grosso: non ci sono genitori separati, non ci sono figli sulla via dell’autodistruzione ma una coppia che si vuol bene con tre figli da crescere e dove, addirittura, lei aveva deciso di lasciare il lavoro di avvocato per dedicarsi alla crescita dei figli e dopo tredici anni non era pentita di quel gesto.  E’ proprio questo il valore del film: esplora con grande realismo come una coppia che si vuol bene possa volerlo ancora di più con il trascorrere degli anni e migliorare il rapporto con dei figli che cambiano giorno dopo giorno sotto i loro occhi. Ovviamente le esigenze di entertainment vengono rispettate: ci sono gag, battute, scene, come quella finale, di una comicità irrefrenabile ma all’interno di questo involucro non ci sono personaggi-cliché ma persone vere e situazioni reali.

All’inizio del film c’è un colloquio fra Carlo e Giulia che da solo vale tutto il film. Finalmente da soli in camera da letto, lei dichiara di essere stanca: non si tratta di stanchezza fisica quanto psicologica: per troppo tempo ha preparato lei la colazione e tutti i pasti, portato e ripreso i bambini da scuola, li ha aiutati a fare i compiti. Quella mattina lui aveva declinato l’invito a preparare la colazione dichiarandosi inesperto e quanto era stato invitato a correggere i compiti dei figli, aveva avuto sempre in mano qualche carta più importante per l’ufficio.  Non si tratta di incapacità cronica dei maschi di svolgere questi compiti (il regista evita da subito di incanalarsi in questo troppo facile escamotage comico) ma di assuefazione alla specializzazione nei comportamenti di coppia. Succede, fra un uomo e una donna impegnati a gestire una famiglia, che qualcuno si manifesti più dotato dell’altro nel coprire una mansione e così uno si impegna e l’altro si atrofizza. Carlo si difende, facendo notare che in fondo anche lui è stanco dopo una giornata passata in ufficio e che in fondo lei ha dei momenti di tranquillità quando i ragazzi vanno a scuola ma in questo modo dimostra di non aver compreso l’essenza del contendere: lei sta rivendicando il diritto di vedere la famiglia e i figli in tre dimensioni e non dall’angolo angusto di una specializzazione di mansioni. Anche il tema delicato della nascita dei tre figli viene posto sotto analisi in questo colloquio.  Carlo cerca di dare una risposta razionale a quello che è successo: Tito sarebbe nato per dare un fratellino a Camilla; l’ultima nata, Bianca, sarebbe poi arrivata per non lasciare Tito solo nella sua crescita…Ancora una volta è lui a sbagliare: non c’è retorica nel film ma appare chiaro che una coppia affiatata come in fondo è la loro, non poteva non essere feconda. Altri temi seri vengono affrontati in questo film: il rapporto fra il padre e l’adolescente Camilla:  tenuti inizialmente a distanza  da grossolane ideologie (vecchi-che-non-capiscono/giovani-che-rinnovano-il-mondo),  alla fine sapranno esprimere affetto e aiuto reciproci.

Anche il mondo del lavoro non è trascurato.  Al di là della figura un capo paternalista troppo da caricatura e della classica contesa fra il giovane in carriera e il veterano troppo seduto sulla sua poltrona, vengono introdotti temi delicati come la responsabilità professionale e umana di chi si assume la responsabilità di  licenziare un  dipendente per mancanze trascurabili.

In complesso il film soddisfa in pieno la legge del “show don’t tell” perché evita ogni forma di retorica e riesce a trasmettere messaggi seri all’interno di una confezione leggera e divertente.

 

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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GREEN BOOK

Inviato da Franco Olearo il Lun, 02/04/2019 - 11:06
 
Titolo Originale: Green Book
Paese: USA
Anno: 2018
Regia: Peter Farrelly
Sceneggiatura: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga
Produzione: DREAMWORKS PICTURES, PARTICIPANT MEDIA, AMBLIN PARTNERS, INNISFREE PICTURES, WESSLER ENTERTAINMENT
Durata: 130
Interpreti: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Sebastian Maniscalco, P.J. Byrne

America, 1962: Tony Vallelonga, un bravissimo buttafuori italo-americano rimane senza lavoro quando il locale si chiude. Lo assume un pianista nero, che ha bisogno di un autista per il suo tour in giro per gli Stati del Sud.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film esalta il valore dell’amicizia fra due uomini non perfetti, che nasce dal rispetto per arrivare alla comprensione e poi all’ aiuto reciproco. Chiari e forti gli affetti coniugali
Pubblico 
Adolescenti
Una colluttazione violenta; una scena in cui si comprende (senza che sia visto) che è stato consumato un rapporto omosessuale.
Giudizio Artistico 
 
Un road movie, che calibra bene musica, eventi e battute. Golden Globe 2019 per il miglio film musical/commedia, miglior sceneggiatura miglior attore non protagonista
Testo Breve:

Un italo americano dai modi rozzi accompagna un pianista afroamericano negli Stati del Sud ancora razzisti degli anni ’60. Una grande storia di amicizia e di affetti coniugali

 Basato sulla storia vera del musicista Shirley, Green Book ripercorre gli anni ’60, non così favolosi negli Stati americani del Sud, ancora legati ai pregiudizi razziali dove una pelle nera merita un diverso trattamento nei locali, nelle case e in tutti i luoghi in cui i bianchi sono ancora considerati una razza superiore.

Il principio del film è lui, Tony Vallelonga, detto Tony Lip, uno scaltro buttafuori del Copacabana, un locale newyorkese frequentato da uomini facoltosi e belle donne. Tony è italo americano, ama sua moglie e i suoi due figli, e trova sempre il modo, alcune volte poco lecito, per arrotondare. Anche quando gareggia con un uomo più grande e grasso di lui e il vincitore della somma di denaro è colui che si dimostra capace di mangiare più hamburger. Rimasto senza lavoro, ottiene un colloquio con Donald Shirley (Mahershala Ali, già premio Oscar per Moonlight), un musicista che deve affrontare un tour di concerti con il suo trio artistico nel Sud, dall'Iowa al Mississipi. Donald è colto, sa parlare diverse lingue, è raffinato nei modi, ricercato nel vestire, mentre Tony è esattamente il suo contrario. Non ha studiato, non è raffinato, mangia goffamente e ingordamente ed è schietto, forse troppo, nel parlare.

I due, così diversi, ma, poi nel tempo così vicini, iniziano questo lungo viaggio che porterà Tony lontano dalla sua famiglia per alcuni mesi. Ha un compito per il viaggio: utilizzare il 'green book’, la guida per automobilisti afroamericani, che devono muoversi per hotel e locali negli Stati del Sud. Nella realtà l’apartheid non è ancora terminata: mancano infatti quattro anni prima del Civil Rights Act e delle successive dimostrazioni politiche e marce di pace.

I viaggi, che non sono mai noiosi, mostrano come i due hanno chiaramente l’uno bisogno dell’altro per cambiare: Tony Lip compie piccole slealtà e furtarelli, manifesta le sue ragioni litigando e usando le mani, mentre Shirley sembra distante, senza familiari o amici, e spesso ha il difetto di guardare la persona socialmente inferiore a lui con gli occhi troppo velati di narcisismo e snobismo.

Diventa subito così un film ricco di momenti da commedia pura ma anche di momenti drammatici, in cui entrambi crescono in umanità e consapevolezza. Indimenticabili sono le scene in cui Shirley insegna a Tony come si scrivono lettere piene di pathos alla moglie che lo aspetta a New York.

Scritto anche da Nick Vallelonga, che ha registrato centinaia di conversazioni con suo padre Tony, la verità della storia entra in tutto il film: Tony (Viggo Mortensen per il ruolo è ingrassato di ben 19 chili) è stato infatti un italo-americano, nato in Calabria, che lavorando nel locale Copacabana ha conosciuto Shirley e numerosi altri artisti. E che poi è diventato un attore utilizzato soprattutto per ruoli come ne Il Padrino o ne I Soprano (serie televisiva che lo ha reso famoso).

E così questo road movie, che calibra bene musica, eventi e battute, è davvero per tutti gli spettatori. Poca retorica, ma anche poca suspence, in Green Book che rimette in scena potere, ricchezza, pregiudizi ma soprattutto quel dono spontaneo che rende più sopportabile le asprezze della vita, l’amicizia. Lo dirige Peter Farrelly, che del linguaggio conosce le sue ambiguità e l’ironia (ricordato  dal grande pubblico per aver diretto insieme a suo fratello Bobby film come Scemo & più scemo o Amore a prima svista) trasformando la storia in un film giusto che restituisce realtà anche alla famiglia e all’amore, senza dover ricorrere alla comoda enfasi del buonismo. 

Autore: Emanuela Genovese
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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IL RITORNO DI MARY POPPINS

Inviato da Franco Olearo il Dom, 12/30/2018 - 18:18
 
Titolo Originale: Mary Poppins Returns
Paese: USA
Anno: 2018
Regia: Rob Marshall
Sceneggiatura: David Magee
Produzione: WALT DISNEY PICTURES, MARC PLATT PRODUCTIONS
Durata: 130
Interpreti: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Meryl Streep, Colin Firth

La famiglia Banks abita sempre al numero 17 di Cherry Tree Lane di Londra ma ora siamo negli anni ’30 in piena depressione economica e Michael e Jane sono diventati grandi. Jane è molto impegnata politicamente, come lo fu la madre mentre Michael deve prendersi cura dei suoi tre figli Annabel, John e George perché la loro mamma e morta. La crisi si fa sentire e per far fronte alle difficoltà Michel ha dovuto chiedere un prestito alla stessa banca in cui lavora. Una mattina, inflessibili esattori bussano alla sua porta intimandogli di saldare il debito entro cinque giorni, altrimenti la casa verrà pignorata. Tutto sembra perduto ma ecco che cala dal cielo Mary Poppins. Michael e Jane sono lieti di rivederla ma non hanno i soldi per pagare una tata. Mary li rassicura: non sarà questo un problema…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
La tenera attenzione verso i più piccoli, la solidarietà fra fratelli, l’aiuto disinteressato dei lampionai di Londra, l’onestà nel lavoro, sono gli ingredienti positivi della storia
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
La qualità dei prodotti Disney è confermata: coreografie ben realizzate, animazioni impeccabili, Emily Blunt non fa rimpiangere Julie Andrews, ma le canzoni non sono eccezionali e il racconto va un po’ troppo per le lunghe soprattutto per un pubblico di minori
Testo Breve:

Mary Poppins ritorna perché i piccoli Banks sono orfani di mamma  e il loro papà non ha i soldi per saldare un debito. Ritorna la paladina del buonumore e della spensieratezza ma la storia è più complessa e le canzoni non sono memorabili

Il film Mary Poppins è del 1964 e vinse cinque premi Oscar. La qualità artistica di questo film ricavato dal romanzo di P.L. Travers è indubbia ma non è stato solo quello il motivo del suo successo: le canzoni dei bravissimi  Julie Andrews e Dick Van Dyke furono canticchiate un po’ da tutti e il film riuscì a trasmettere una spensieratezza del vivere che rimase a lungo nel cuore di molti.

La Walt Disney da tempo stava meditando di ritornare su quella storia. Indicativo è stato il film Saving Mr Banks, del 2013, un dietro le quinte su come Walt Disney convinse la riluttante scrittrice a concedergli i diritti e ad adattare la storia della tata che vola, per il cinema. Ora, con questo Il ritorno di Mary Poppins l’obiettivo è più ambizioso: far conoscere alle nuove generazioni la famiglia Banks e la sua tata, con qualcosa di nuovo ma anche di uguale. Uguale è l‘ambientazione in una Londra nebbiosa, ma la vicenda si è spostata al 1930; uguali i personaggi chiave, come Mary Poppins e Jack, ma ora gli adulti sono gli ex ragazzini Michael e Jane. Uguale l’ordine delle sequenze che alternano visite in mondi fantastici, incontri con personaggi insoliti come zia Topsy (Meryl Streep) che sostituisce lo zio Albert (Ed Wynn) e il gran finale all’interno della  banca per la resa dei conti. La qualità dei lavori Disney è pienamente confermata: belle coreografie, suggestive inquadrature di Londra, impeccabili sequenze animate in 2D ed Emily Blunt pienamente all’altezza nel suo ruolo di protagonista. C’è però qualcosa di profondamente diverso fra i due lavori ed è la storia stessa.

Il film del 1964 partiva da un banale licenziamento della tata di Jane e Michael e da una letterina dei bambini che auspicavano una governante che li facesse sorridere e cantare. Da qui l’arrivo di Mary Poppins e il tema centrale restava la “conversione” del padre che comprendeva che i valori che contano non sono solo quelli che ti portano ad esercitare una solida professione e a espletare i propri doveri ma anche la gioia di vivere e la speranza. Il film Saving Mr. Banks  spiegava bene come l’origine del libro fosse stato l’affetto non ricambiato della scrittrice nei confronti di un padre pieno di fantasia ma soggetto all’alcool.

Ora la storia è cambiata e parte da presupposti tristi: Michael è vedovo, i bambini hanno nostalgia della mamma. Nel mondo, sia in quello reale che quello in 2D, ci sono i cattivi che tramano contro la loro famiglia. L’immancabile lieto fine non è più una conversione ma è più meccanico, costituito dal ritrovamento di qualcosa di molto importante.

E’ questo l‘aspetto più debole del nuovo film: il primo era più “filosofico”, era un invito a prendere la vita con buon umore e allegria e i canti, ambientati in mondi di fantasia, erano funzionali allo scopo. In quest’ultimo sembra che la storia e gli intermezzi musicali viaggino in modo autonomo. A ciò occorre aggiungere che nessuna delle nuove canzoni risulta memorabile e i testi vengono fortemente penalizzati dalla difficile traduzione in lingua italiana.

La storia conferma i valori della famiglia, l’importanza di un lavoro (in questo caso quello bancario) che sia onesto e rispettoso nei confronti dei clienti. La perdita della mamma viene lenita con una bella canzone (la migliore del repertorio) che invita i bambini a pensarla come una delle stelle che brillano nel cielo e a vivere dei suoi ricordi.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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MIRACOLI DAL CIELO

Inviato da Franco Olearo il Gio, 12/13/2018 - 10:18
 
Titolo Originale: Miracles from Heaven
Paese: USA
Anno: 2016
Regia: Patricia Riggen
Sceneggiatura: Randy Brown
Produzione: Roth Films, Franklin Entertainment, TriStar Pictures
Durata: 109
Interpreti: Jennifer Garner, Martin Henderson, Kylie Rogers, Queen Latifah, Eugenio Derbez

La famiglia Beam vive serenamente nella loro fattoria a Dallas, Texas. Il marito, Kevin, è un rinomato veterinario, la moglie si chiama Chrirty e hanno tre figlie: Anna, Abbie e Adelynn. Sono persone credenti che si ritrovano ogni domenica in chiesa con la comunità dei fedeli per cantare e ascoltare un simpatico pastore. Ogni pranzo è preceduto dalla preghiera comune e Christy sollecita, ogni sera le sue tre figlie a non addormentarsi senza prima aver rivolto un pensiero al Signore. Ma Anna, di dieci anni, vomita troppo spesso e dopo una peregrinazione senza risultati da una clinica all’altra, Christy decide di andare a Boston con la figlia dove spera in una visita da parte del Dr. Samuel Nurko il massimo luminare di gastroenterologia. I risultati delle analisi hanno sono funeste: Anna soffre di una rara e grave malattia che le impedisce di assimilare qualsiasi cibo, una malformazione che risulta incurabile. Christy inizia a disperare e ha ormai perso la fede…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
La grave malattia di una bambina spinge tante persone a prodigarsi generosamente, al di là dello stretto dovuto per la loro professione
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
La presenza di Jennifer Garner, il sostegno alla sceneggiatura, di un libro ben costruito, frutto di esperienza diretta, hanno contribuito alla realizzazione di un film di livello professionale
Testo Breve:

Una bambina, figlia di genitori devoti, è affetta da una malattia molto rara e incurabile. Le speranze sono nulle, la madre ha perso la fede ma qualcosa di straordinario avviene. Il film risulta fedele a un fatto realmente accaduto

Un buon numero di Christian film americani si avvale dell’effetto che produce in chi è credente, la descrizione di un miracolo e la riprova è l’incasso al botteghino, sempre elevato.  Il Paradiso per davvero ha incassato $101,000 dollari mentre questo Miracoli dal cielo, per ora solo in Usa: 61,700,000 dollari.

Non si può che restare perplessi di fronte all’iniziativa di appoggiare un film destinato a promuovere la fede cristiana sul concetto di un  evento straordinario, proprio oggi che tanti film di fantasy cercano di stupire con gli effetti mirabolanti che si possono ottenere con la  computer grafica. A questo occorre aggiungere che la regia ama calcare sugli aspetti più melodrammatici della triste vicenda della piccola Anna. La protagonista Christy, interpretata dalla pur brava Jennifer Garner, passa la maggior parte del tempo a piangere e l’inevitabile lieto fino con tanto di paradiso simulato fra le nuvole è fatto apposta per riempire il fazzoletto di lacrime irrefrenabili.

Occorre a questo punto fare delle precisazioni. Tutti i fatti narrati sono realmente accaduti. Sono stati raccontati dalla stessa madre di Anna in un libro che ora si è trasformato in film che assume, in questo modo, una connotazione totalmente differente. Il film non vuol fare dell’apologia cristiana ed è onesto nel raccontare quanto è accaduto: non sorvola sulle difficoltà che si hanno, oggigiorno, quando si accenna all’ipotesi di un miracolo. Il dottore che ha avuto in cura la bambina non sa dare una spiegazione a quanto è accaduto, forse è il risultato di qualche reazione ancora inesplorata della mente umana (la bambina è guarita dopo esser caduta da un albero e aver battuto la testa). La stessa Christy, quando cerca di spiegare l’accaduto ai fedeli radunati nella chiesa, viene accusata di voler solo cercare della notorietà. Durante il lungo periodo di degenza, di speranze presto disilluse, non vengono trascurate le prove a cui tutta la famiglia viene sottoposta (oltre che Christian film si può parlare di Family film): la perdita della fede di Christy, lo scoraggiamento di Anna che non vuole più soffrire in quel modo, l’impegno del padre che deve fare gli straordinari per raccogliere i soldi necessari per sostenere le notevoli spese mediche.

Alla fine del film ci vengono presentati i veri protagonisti della storia inclusa Anna, ora completamente guarita.

Ma l’aspetto più rilevante del film sta proprio nel concetto che viene dato di miracolo. “I miracoli avvengono ogni giorno”, dichiara Christy e non si riferisce alla guarigione di Anna, che forse in futuro potrà avere una spiegazione medica, ma al miracolo delle tante persone che si sono prodigate per aiutare sua figlia e tutta la famiglia Beam nel sostenere la difficile prova. 

L’infermiera che ha fatto di tutto perché il dott Nurko trovasse spazio nella sua agenda per visitare la bambina, la cameriera che, conosciuta la situazione di Anna, decide di distrarla facendole conoscere l’acquario di Boston, l’impiegato dell’aeroporto che fa partire il padre e le due bambine anche se ha la carta di credito è scaduta, perché possano raggiungere la figlia malata e tanti altri. Quell’evento infelice era stato un generatore di generosità, aveva spinto tante persone a conoscere la bellezza del bene.

In genere i Christian film sono di qualità media. In questo caso, la presenza di Jennifer Garner, il sostegno alla sceneggiatura, di un libro ben costruito, frutto di esperienza diretta, hanno contribuito alla realizzazione di un film di livello professionale

Miracoli dal cielo può esser visionato su RaiPlay

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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COME UNA ROSA NELL'ARMADIO

Inviato da Franco Olearo il Dom, 11/18/2018 - 14:08
 
Titolo Originale: Come una Rosa nell'Armadio
Paese: ITALIA
Anno: 2016
Regia: Fulvio Bruno
Sceneggiatura: Valeria Ammirati, Laura Farruggio, Fabrizio Vincitorioaleria Ammirati, Laura Farruggio, Fabrizio Vincitorio
Produzione: Azione Cattolica Italiana, Parrocchia San Siro, Diocesi di Ventimiglia-San Remo
Durata: 120
Interpreti: Mario Boeri, Raffaella Bianco, Sara Verrando, Stefano Mascarello

Domiziano è un creativo di successo. E’ molto coinvolto nel suo lavoro, fino a dimenticare di aver promesso alla moglie Liliana di pranzare insieme. Anche lei è molto impegnata: è supplente in una scuola elementare e da sola si deve prendere cura dei due figli adolescenti, Chiara e Francesco, visto che il marito è sempre fuori casa. Queste due vite parallele finiscono per ritrovarsi presto a ruoli invertiti: Liliana ottiene finalmente una cattedra mentre Domiziano si ritrova da un giorno all’altro senza lavoro. Di fronte a delle giornate passate in casa davanti al computer e sotto il pungolo della moglie, Domiziano comprende che in quel particolare momento di crisi può almeno rendersi utile accompagnando i figli a scuola e pulendo la casa….

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film esprime la bellezza della solidarietà nel lavoro e il valore degli affetti familiari che vanno coltivati giorno per giorno, così come si coltiva una pianta
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Il film ha un piglio vivace e divertente e tutti i personaggi, anche se non professionisti, appaiono veri e spontanei. Qualche incompiutezza nella definizione delle relazioni fra i due protagonisti
Testo Breve:

In questo christian film tutto italiano, un creativo della pubblicità  trascura la famiglia per il lavoro ma quando viene licenziato, inizia a impiegare il tempo a disposizione con lavori domestici e a prendersi cura dei figli. Una cura salutare che gli consentirà di riprendere coscienza dei valori familiari

L’aspetto più affascinante di questo film è il respiro collettivo che traspare dalle immagini. Si tratta di una storia che ruota intorno a un preciso protagonista, Domiziano e alla sua famiglia ma il racconto, man mano che progredisce, si allarga a ventaglio, includendo i colleghi di lavoro di lui e di lei, i compagni di scuola di Francesco e Chiara, la barista amica di Liliana, la simpatica salumiera, la mamma snob di Domiziano e tanti altri. Il tutto condito con molta allegria, con molta gioia nei rapporti umani, con il piacere di vivere all’interno di una comunità solidale, che costituisce il primo, vero “messaggio cristiano” (aggiungerei cattolico) del film, evitando anche di prendersi troppo sul serio, che è da sempre il vero rischio di questi lavori semiprofessionali.

Film come questo cercano di coprire un enorme vuoto presente nella produzione cinematografica non solo italiana ma europea: quello di film che trattano il tema della fede.  Certamente vengono prodotti serial TV e film che parlano di santi, di papi ma storie di laici che trovano nella fede la risposta ai loro problemi sono praticamente inesistenti (porrei, come unica eccezione, il film francese L’amore inatteso del 2010). Sappiamo che negli Stati Uniti la situazione è molto diversa: esiste il filone dei Christian film, di impostazione protestante, che ci parlano di laici che in famiglia, al lavoro, all’università, scoprono la bellezza del cristianesimo. Si tratta di un filone professionale che ha un suo preciso pubblico e che riesce a realizzare  giusti tornaconti economici. Ancora oggi possiamo dire, senza timore di sbagliare di molto, che per i corsi pre-matrimoniali che si svolgono nelle parrocchie italiane i film più utilizzati sono Fireproof del 2008 sul tema del perdono coniugale e October Baby del 2011, quando occorre affrontare il tema dell’aborto. Altri due film di questo filone sono riusciti ad accedere anche al circuito delle sale italiane e costituiscono una forma di apologia del cristianesimo: God’s not dead 1 e 2.

Possiamo dire, in termini rigorosi, che Come una Rosa nell’armadio sia un Christian film italiano? La risposta è “si” e “no”. E’ “si”, perché finalmente la prospettiva scelta è quella laica; è forse “no”, perché la fede non costituisce l’elemento determinante per la trasformazione dei protagonisti. Hanno dei problemi professionali e familiari da risolvere ma non li si vede mai entrare in chiesa né mettersi a pregare; nel film sono presenti due figure di sacerdoti, ma questi risultano marginali nell’economia del racconto. Si può rispondere “si” vedendo la storia in una diversa prospettiva: quella che riconosce che si può essere dei buoni cristiani solo se si è dei buoni uomini. In effetti, l’amore coniugale, la cura della famiglia, sono valori umani, indipendentemente dalla fede che si professa. La stessa frase che viene citata, di Papa Francesco, sull’importanza di curare gli affetti familiari come si cura una pianta, è espressione di una saggezza molto umana che però si pone in perfetta armonia con un’etica familiare cristiana e in particolare, come suggerito nel film, con il sentimento di misericordia a cui ci spinge l’esempio di Gesù.

Complessivamente il film mantiene un ritmo vivace, ben caratterizzato nei personaggi spesso molto divertenti anche se a volte si percepisce la loro non professionalità (con una interessante eccezione: il piccolo Francesco, che è semplicemente fantastico). Dispiace solo che a livello di sceneggiatura non siano stati approfonditi i rapporti fra Domiziano e sua moglie Liliana. A un certo punto della storia Domiziano ha una parentesi romantica con una certa Angela: li vediamo chiacchierare nei giardini, in biblioteca e comprendiamo che si sta stabilendo fra loro una forte intesa. Si tratta dello sviluppo di un interesse reciproco che risulta ben rappresentato. Per contrappeso non abbiamo qualcosa di analogo nei rapporti fra i coniugi: fin dalle prime sequenze li vediamo che mentre uno entra in casa l’altra esce,  discutere di lavoro, di figli, di cucina e pulizia della casa ma non abbiamo informazioni sulle origini e sulla profondità del loro legame. Sarebbe stato interessante conoscere quale “chimica”, forse sepolta dalle abitudini, li tiene uniti e sarebbe semplicistico supporre che il movente che riporta Domiziano a sentire un forte affetto per la moglie sia dovuto solo al fatto che ha potuto conoscere dal vivo l’importanza e la gravosità dei lavori domestici.

Il film è stato realizzato dal Gruppo Adulti e Famiglie dell’azione Cattolica di san Siro (Sanremo); ha coinvolto 131 attori e persone di staff non professionisti; unica figura professionista è stato il regista Fulvio Bruno. Dopo la prima proiezione, avvenuta al cinema Ariston di Sanremo nel novembre del 2018, alla presenza di ben 1800 persone, il film è stato presentato in altre sale italiane, soprattutto parrocchiali. Ora è disponibile in DVD ed è ordinabile dal sito: http://www.comeunarosanellarmadio.it/

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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AN INTERVIEW WITH GOD

Inviato da Franco Olearo il Lun, 11/05/2018 - 12:08
 
Titolo Originale: An Interview with God
Paese: USA
Anno: 2018
Regia: Perry Lang
Sceneggiatura: Ken Aguado
Produzione: Astute Films, Giving Films
Durata: 97
Interpreti: Brenton Thwaites, David Strathairn, Yael Grobglas

Paul Asher è un giovane promettente giornalista, con una buona preparazione anche teologica, che si è fatto conoscere per un suo reportage in Afghanistan dove aveva raccolto le riflessioni di soldati di fede cristiana che stavano combattendo in quel paese così lontano e ostile. Il suo ritorno in patria risulta particolarmente difficile: la vista di tanta sofferenza ha incrinato la sua fede e si sente responsabile della crisi coniugale che sta attraversando perché per seguire la sua passione professionale ha finito per trascurare sua moglie che ora vuole lasciarlo. In un momento così difficile per la sua vita inizia a intervistare uno strano personaggio che dichiara di essere Dio…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un giovane comprende che per avvicinarsi a Dio occorre una fede operosa, che si estrinseca in opere buone verso il prossimo, non solo in belle parole
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Buona recitazione in particolare da parte di David Strathairn, nel difficile ruolo di “Dio” ma la sceneggiatura è imperfetta nel suo obiettivo di ottenere una storia che risulti coerente nel suo sviluppo
Testo Breve:

Un giornalista che deve affrontare una crisi coniugale e una crisi di fede, si trova a fare un’intervista nientemeno che a Dio. Un Christian Film che evidenzia bene come le soluzioni ai nostri problemi si trovino più nel cuore che nella nostra mente

La vita eterna, la salvezza che ci è stata promessa dalle pagine del Vangelo, è veramente importante per noi, uomini di oggi o piuttosto ci preoccupiamo  di vivere al meglio questa vita, prima che ci colga la morte?

E’ una domanda che spesso, con un po’ di onestà, chi ha fede o chi si vorrebbe avvicinare ad essa, finisce per domandarsi (tema brillantemente affrontato e risolto da Benedetto XVI nell’enciclica Spes Salvi). Questo Christian Film è un po’ diverso da tanti altri del suo genere: non si rivolge a chi è credente e cerca un racconto che lo confermi in ciò in cui già si sente sicuro; si pone invece nella prospettiva di chi si approccia alla fede ma è travolto da una serie di dubbi che la sua ragione gli pone davanti.

Ecco quindi che vengono affrontati temi “classici” ma sempre attuali per chi è trattenuto da una piena credenza in Dio: dove sono le “prove” della Sua esistenza? Qual è il vero senso della nostra vita? Esiste il diavolo? Esiste il libero arbitrio? Com’è possibile conciliare la nostra libertà con l’azione della provvidenza divina nel mondo? Dio è amore?  Perché cose cattive accadono spesso a persone buone? Che senso ha pregare quando Dio sa già tutto?

Sono temi che vengono discussi in questo film in un modo decisamente insolito: Paul si trova a fare un’intervista nientemeno che con Dio, o almeno così dice di essere questo distinto signore che ha preso con lui un appuntamento in un parco della città. Non credo sia necessario scandalizzarsi per questo modo di rendere accessibile, in un film, la discussione di temi teologici così profondi ma è sicuramente delicato per non scivolare in un eccesso di banalizzazione. In effetti, certi passaggi sono vicini a questo pericolo: “Ho creato il mondo in sei giorni”- “Bel lavoro”- “Grazie”.

Per altro verso, discussione dopo discussione (l’intervista si sviluppa a tre incontri) il personaggio sconosciuto porta Paul alla vera essenza del loro colloquio che è strettamente personale e riguarda proprio lui, il suo riuscire a riunirsi con sua moglie e ritrovare la fede in Dio. Il vero punto nodale non è rispondere a tutte quelle domande un po’ astratte ma mettere in atto una “fede operosa”, in grado di fare del bene al proprio prossimo. Il film è ben recitato dal promettente Brenton Thwaites ma soprattutto da David Strathairn (conosciuto dal vasto pubblico per Good Night, And Good Luck) che rende molto bene questa figura “divina” che da una parte rispetta la libertà di Paul, ma dall’altra si preoccupa che il ragazzo ritrovi la sua verità.

Ciò che difetta è la sceneggiatura che non amalgama bene il trauma del periodo passato in Afghanistan, le tre interviste con “Dio” che portano Paul a riflettere con onestà sulla sua crisi e infine il modo con cui decide di affrontare la sua crisi coniugale. Sono tre momenti che non si concatenano in modo armonico. Occorre dire che anche se le risposte alle “famose domande” su Dio non sono esaustive, è reso bene l’atteggiamento di un Dio che si prende cura dei suoi figli e interviene perché ritrovino la felicità e si riavvicinino a Lui. Com’è ben chiarito alla fine “i miracoli avvengono ogni giorno”. Si percepisce comunque l’impostazione protestante, in quanto la salvezza viene presentata come un fatto esclusivamente personale e manca la percezione dell’appartenenza di ogni fedele a una Chiesa che mira globalmente alla redenzione.

Il film è disponibile in DVD in lingua inglese

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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L'APPARIZIONE

Inviato da Franco Olearo il Gio, 10/04/2018 - 09:53
 
Titolo Originale: L'apparition
Paese: FRANCIA
Anno: 2017
Regia: Xavier Giannoli
Sceneggiatura: Xavier Giannoli, Jacques Fieschi, Marcia Romano
Produzione: CURIOSA FILMS, IN COPRODUZIONE CON FRANCE 3 CINÉMA, GABRIEL INC., PROXIMUS, LA CINÉFACTURE, MEMENTO FILMS PRODUCTION
Durata: 140
Interpreti: Vincent Lindon, Galatéa Bellugi, Patrick d'Assumçao

Jacques, giornalista e fotografo francese impegnato nelle zone di guerra, ha visto morire il suo più caro collega, colpito da una bomba. Traumatizzato dall’evento, torna in patria e accetta, quasi come un diversivo, un insolito incarico che gli è stato affidato dalla Congregazione delle cause dei santi del Vaticano. Proprio lui che in termini di fede è rimasto fermo alla Prima Comunione, viene incaricato di dirigere una commissione d’inchiesta canonica per valutare se è vero che Anna, una giovane novizia di un paese sulle Alpi dell’Alta Provenza, ha avuto una apparizione della Vergine Maria. Il problema va affrontato urgentemente perché ormai la notizia si è diffusa, al paese arrivano continuamente pullman di pellegrini ed è nato l’inevitabile commercio di oggetti sacri.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
L’autore affronta con serietà, senza malizia, il tema delicato della procedura che si pone in atto per validare un presunto miracolo e i componenti dell’indagine canonica sulla veridicità di un’apparizione si trovano spinti a interrogarsi sulla profondità della loro fede. Risulta però contraddittorio quel personaggio che, pur ritenendo di avere una vera fede, si lascia sopraffare dalla disperazione.
Pubblico 
Pre-adolescenti
Non ci sono scene sconvenienti né malizia nei comportamenti; potrebbe destare qualche perplessità la facilità di abbracci affettuosi con uomini da parte della novizia Anna
Giudizio Artistico 
 
L’autore riesce a superare l’eccesso di dettagli con cui viene svolta l’inchiesta canonica e le due ore di durata del film puntando tutto sulla costruzione dei personaggi, ricchi di sfumature. Peccato che l'autore metta troppa carne a fuoco: l'apparizione, un telo con del sangue simil-Sindone, le guerre medio-orientali
Testo Breve:

Un’indagine sulla presunta apparizione della Vergine Maria a una giovane novizia determina una riflessione sul tema della fede e scuote la coscienza del pragmatico protagonista, che deve interrogarsi sull’esistenza di una realtà soprannaturale  

Il recente cinema francese ha un grande titolo di merito: scava a fondo in alcune realtà che caratterizzano il mondo contemporaneo per estrarne quell’ essenza che la rende comunicabile cinematograficamente. Lo fa in due modi: con lo stile della commedia (Quasi Amici, La famiglia Bèlier, Non sposate le mie figlie)  oppure in forma quasi documentarista, attenendosi con scrupolo ad ogni dettaglio anche tecnico, della realtà che sta esplorando. Ecco che sono usciti film come Il medico di campagna, Welcome, Il ministro- L’esercizio dello stato ma anche tanti film a contenuto religioso come L’amore inatteso (sulla scoperta della fede da parte di un tranquillo borghese) o Uomini di Dio (sul martirio degli otto monaci in Algeria). Con questo L’apparizione siamo molto lontani dall’approccio di Niccolò Ammanniti nella fiction Il Miracolo che usa la scoperta di una statua della Madonna che piange nella sua pura funzione di evento destabilizzante per la vita dei protagonisti. Questo film di Xavier Giannoli affronta il tema della fede con grande rispetto, senza dare conferme ma senza neanche manifestare alcuna pregiudiziale negativa.

Le prime sequenze del film vogliono mostrare come la ricerca della convalida di un miracolo sia un tema trattato con grande serietà dalla Chiesa Cattolica: seguiamo il protagonista nella visita agli archivi del Vaticano dove vengono aperti i dossier dei casi più noti di apparizioni mariane, come a Lourdes e a Fatima; la sua lettura ad alta voce, quando la commissione è ormai costituita, delle regole da rispettare per un’indagine rigorosa. Inizia poi da parte di Jacques, che ha preso il suo incarico molto seriamente, una serie di incontri con alcuni testimoni e la raccolta di tutti i documenti che possano risultare utili. Il racconto si tinge progressivamente di giallo per via di un passato poco esplorato della ragazza (il film dura 140 minuti) ma l’aspetto più affascinante del film è la definizione dei caratteri dei personaggi e del loro confronto, soprattutto fra Jacques e la diciottenne Anna.

Entrambi sono persone oneste ed entrambi cercano di fare del loro meglio nelle loro rispettive posizioni. Ciò non può che sviluppare una stima reciproca, in mezzo ai molti profittatori della situazione, una stima tanto più alimentata quanto i due non potrebbero essere più complementari.  Lui è un seguace della ragione, si attiene ai fatti comprovati e non va oltre (“cosa è il soprannaturale?” chiede Jacques al monsignore che gli ha assegnato l’incarico) ma questo limite non gli impedisce di restare aperto, soprattutto nei confronti di Anna, a nuove scoperte, nuove rivelazioni.  Anna cerca invece sempre di arrivare al cuore delle persone, di leggere nel loro animo al di là di ciò che appare e di ciò che dicono, sempre pronta a stringere le mani e ad abbracciare le persone che si occupano di lei, senza alcuna malizia.

Alla fine l’indagine canonica di Jacques finisce per diventare la ricerca di una persona: non è più interessato a scoprire se l’apparizione sia realmente avvenuta o no ma se Anna sia una persona realmente capace di mentire o piuttosto sia un’anima totalmente candida, come sembra essere.

Il finale susciterà delle sorprese, il mistero dell’apparizione resterà tale ma tutti i personaggi coinvolti saranno stati interpellati sulla consistenza della loro fede, per chi l’aveva, mentre per Jacques, stando vicino ad Anna, la parola “soprannaturale” ha finito per acquisire molta più consistenza.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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GLI INCREDIBILI 2

Inviato da Franco Olearo il Lun, 09/24/2018 - 14:27
 
Titolo Originale: Incredibles 2
Paese: USA
Anno: 2018
Regia: Brad Bird
Sceneggiatura: Brad Bird
Produzione: PIXAR ANIMATION STUDIOS
Durata: 118

Mr Incredible (Bob), Elastigirl (Helen) e i loro figli sono sempre pronti a darsi da fare contro nuovi cattivi ma gli effetti indotti dalle loro azioni hanno finito per metterli legalmente al bando. Non è dello stesso parere il magnate della televisione Deavor che si offre di sostenere le loro prossime imprese purchè sia Elastigirl la frontwoman e lui abbia i diritti di ripresa esclusivi sulle loro imprese. Mr Incredible generosamente accetta e resta a casa a prendersi cura dell’adolescente Violet, del piccolo Dash e dell’infante Jack-Jack…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Il film costruisce un elogio alla famiglia. Prevale sempre la solidarietà fa i suoi componenti, ognuno è pronto a dare priorità al bene comune e i problemi vengono affrontati con il contributo di tutti
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Ottima sceneggiatura che riesce a delineare e a rendere vivi tutti i personaggi, eccellente tecnica di animazione
Testo Breve:

La famiglia degli Incredibili può tornare in azione contro i cattivi a patto che sia Helen e non Bob ad andare sotto i riflettori. Nuovi problemi familiari e nuovi nemici da combattere per una famiglia che resta saldamente unita

La famiglia degli Incredibili è seduta di sera a tavola, dopo che a fatica ha bloccato “il minatore” dallo svaligiare una banca. Il piccolo Dash sta per afferrare un wurstel ma è bloccato dalla madre: “ti sei lavato le mani?” Iniziano poi a discutere su come è andata la giornata: “i ragazzi avrebbero dovuto badare al piccolo Jack-Jack”, osserva Helen ma Violet  è pronta a ribattere, mettendo in imbarazzo Bob: “papà ci ha detto che eravamo abbastanza grandi per aiutare”. Passano poi a discutere su un altro punto cruciale: i supereroi sono ora considerati illegali. Ma bisogna rispettare la legge anche quando è ingiusta?

Sono questi i temi che affronta a tavola una famiglia di supereroi: sono molto speciali ma alla fine, ogni famiglia ha i suoi problemi che toccano un po’tutti e non è bello che vengano affrontati la sera a cena, facendo parlare grandi e piccoli?  E’ questa l’incredibile bellezza di questo film (che sta replicando il successo del primo della serie, 14 anni fa) la quotidianità di una famiglia che deve affrontare grandi sfide ma la cui arma segreta non sono in realtà i superpoteri ma la coesione e l’affiatamento al suo interno: il marito con moglie, i grandi con i piccoli. 

Un ritratto di famiglia che è ben lungi dal risultare stereotipato o fuori moda: in questo film è Bob a restare a casa per prendersi cura dei figli, mentre Helen si gode un giusto momento di notorietà anche se, appena ha un momento di pace dopo un’azione, telefona subito a casa per sapere se i bambini stanno bene. Allo stesso modo il pubblico non potrà non immedesimarsi nei problemi di un padre a cui sono venute delle occhiaie e un volto emaciato perché  il piccolo Jack-Jack non dorme mai e deve anche cercare di  comprendere e contenere le intemperanze della figlia adolescente.  Il film avanza così, alternando scene di action senza respiro, per accontentare il pubblico più giovane, a quadretti familiari per sintonizzarsi con la sensibilità dei genitori accompagnatori.

La sceneggiatura non ha timore di abbracciare altri temi di attualità: il grande potere dei media di influenzare le opinioni della gente, che possono facilmente cadere in mano di persone ciniche interessate solo al guadagno: “non importa cosa vendi: conta solo cosa compra la gente” ma anche la correttezza del potere giudiziario. Quando una “cattiva” viene finalmente catturata, la riflessione è amara: “andrà in prigione, ma siccome è ricca, avrà al massimo una tirata d’orecchi”

Complessivamente un altro successo annunciato della Pixar, ben diretto e sceneggiato, che piacerà ai piccoli ma anche ai grandi.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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L'ISOLA DEI CANI

Inviato da Franco Olearo il Lun, 05/07/2018 - 21:21
 
Titolo Originale: Isle of Dogs
Paese: GRAN BRETAGNA
Anno: 2018
Regia: Wes Anderson
Sceneggiatura: Wes Anderson
Produzione: AMERICAN EMPIRICAL PICTURES, INDIAN PAINTBRUSH, SCOTT RUDIN PRODUCTIONS, IN COPRODUZIONE CON STUDIO BABELSBERG
Durata: 101

Giappone, 2037. Una terribile influenza canina si è diffusa nella distopica città di Megasaki, rischiando di mettere a repentaglio anche la vita degli umani. Ecco così che il sindaco firma un decreto per l’espulsione di tutti i cani della città, destinati all’esilio sull’isola della spazzatura, una discarica a cielo aperto. Il primo cane a essere mandato in quarantena è Spots, il bastardino di Atari Kobayashi, nipote del sindaco stesso e sotto la tutela di questo da quando i genitori hanno perso la vita in un brutto incidente. Intenzionato a ricongiungersi con il suo amico a quattro zampe, Atari vola verso l’isola della spazzatura e qui stringe amicizia con Chief, Rex, King, Boss, Duke, cinque cani “maschi alfa”. I cani, dimenticati da tutti, anche dai loro padroni, e costretti a una nuova vita di risse, stenti e cibo andato a male, aiuteranno il piccolo umano a ritrovare il suo Spots.

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
L’incontro con l’altro, specialmente se diverso, apre a interessanti percorsi di senso, generando l’inaspettato, che infine si rivela il miglior finale auspicabile.
Pubblico 
Pre-adolescenti
Immagini violente all’interno del genere
Il film di Anderson è poetico, non solo nella tecnica animata, che ha il gusto del lavoro artigianale e la bellezza di una fotografia che fa da sfondo agli stati d’animo e alle emozioni del film, ma anche nelle infinite metafore a cui la lettura del testo apre e che lo rende fruibile attraverso diversi livelli di lettura, che lo rendono interessante, per complessità, soprattutto a un pubblico più adulto.
Testo Breve:

Nel Giappone del 2037, una terribile influenza canina convince il sindaco di una città a esiliare tutti i cane nell’isola “spazzatura” ma  il piccolo Atari si mette alla ricerca del suo cagnolino. Un racconto che valorizza l’incontro con il diverso

L’isola dei cani, ultimo lungometraggio animato del regista Wes Anderson, interamente girato in stop motion, senza l’ausilio della computer grafica, ha aperto quest’anno il Festival di Berlino, aggiudicandosi anche l’Orso d’Argento.

Secondo esperimento dopo Fantastic Mister Fox, basato su un romanzo breve di Roald Dahl, di cui il regista si dichiara un estimatore,  L’isola dei cani è un omaggio al cinema giapponese, Akira Kurosawa in primis e Hayao Miyazaki, ma anche alla lingua del Paese del Sol Levante dal momento che, come recitano i titoli iniziali, solo i latrati dei cani sono stati interamente tradotti (in inglese e, per le nostre sale, in italiano), mentre la lingua degli umani, il giapponese, è solo sporadicamente tradotta o dalla traduttrice simultanea del sindaco o da Tracy Walker, studentessa statunitense in scambio scolastico in Giappone. Non occorre del resto capire tutto, in quanto il film è girato proprio dalla parte dei cani, ritratti come animali fedeli oltremodo e ben più “umani” degli umani stessi, per lo meno di quelli adulti. La dicotomia tra il mondo degli adulti e quello dell’infanzia (di cui i cani si fanno protettori) è quasi di reminiscenza dahaliana: gli adulti sono ritratti come corrotti dal potere, mentre i bambini si rivelano coerenti e incorruttibili, come dimostra anche il personaggio di Tracy Walker, studentessa ribelle intenzionata ad opporsi alla dittatura e ad aiutare, da lontano, il piccolo Atari.

Il film di Anderson è poetico, non solo nella tecnica animata, che ha il gusto del lavoro artigianale e la bellezza di una fotografia che fa da sfondo agli stati d’animo e alle emozioni del film, ma anche nelle infinite metafore a cui la lettura del testo apre e che lo rende fruibile attraverso diversi livelli di lettura, che lo rendono interessante, per complessità, soprattutto a un pubblico più adulto.

Mentre la scienza, sostenuta dai pochi attivisti “pro cani”, si batte per trovare un antidoto al virus, i fedeli della dittatura al potere pensano che l’unica soluzione sia nell’esilio prima e nello sterminio poi degli animali. I problemi non si risolvono, per il bene comune, ma si eliminano nella maniera più semplice: l’imperfezione, la non funzionalità sono colpe inammissibile nel futuro distopico descritto da Anderson e che a tratti richiama, tristemente e per diversi aspetti, la nostra contemporaneità. Politica, ambientalismo, emarginazione, difficoltà dell’affetto familiare, amicizia e amore: sono tanti i temi più o meno “caldi” toccati dal film di Anderson. A differenza di altri film di genere distopico però, il lieto fine trova qui sviluppo proprio all’interno della relazione, che ha il potere di cambiare e trasformare positivamente uomini e cani. È quello che accade a Chief, unico cane randagio del gruppo dei maschi “alpha” e per questo restio ad aiutare il piccolo Atari: è solo nel rapporto e nella conoscenza con il piccolo che il cane si lascia “addomesticare” nel senso saint-exuperiano del termine, fino a diventarne la sua fedele guardia del corpo. Lo stesso accade al terribile zio sindaco (che ha le sembianze fisiche di un noto dittatore del passato), ma anche allo stesso Spots, che fino ad allora ha conosciuto e pertanto concepito un unico tipo di vita. L’incontro con l’altro, specialmente se diverso, apre invece a ulteriori percorsi di senso, generando l’inaspettato, che infine si rivela il miglior finale auspicabile.

Autore: Eleonora Fornasari
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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LA TUNICA

Inviato da Franco Olearo il Gio, 03/29/2018 - 08:13
 
Titolo Originale: The Robe
Paese: USA
Anno: 1953
Regia: Henry Koster
Sceneggiatura: Gina Kaus, Albert Maltz, Philip Dunne
Produzione: TWENTIETH CENTURY-FOX
Durata: 135
Interpreti: Richard Burton, Jean Simmons, Victor Mature, Jay Robinson

Il tribuno Marcello Gallio ama godersi la vita, con il vino e le belle donne. Il suo atteggiamento sfrontato finisce per metterlo in contrasto con Caligola, il figlio dell’imperatore Tiberio e per punizione viene spedito in Giudea. Qui riceve l’incarico di crocifiggere sul Golgota tre malfattori, fra cui anche un certo Gesù, proclamato il Messia. Marcello gioca tranquillamente a dati mentre i tre sono in agonia e vince la tunica di Gesù. Gli basta però mettersela sulle spalle per sentirsi come folgorato. Da quel momento non ha pace anche quando ormai è tornato a Roma. Su consiglio dello stesso imperatore Tiberio, si reca di nuovo in Giudea per ricercare la tunica e distruggerla e annullare così il suo influsso malefico. Nella ricerca incontra Pietro e altri cristiani che hanno conosciuto Gesù fra cui Miriam, che gli parla della bellezza del Suo messaggio. Marcello, ormai guarito, si converte alla nuova religione ma, tornato a Roma, viene a sapere che il nuovo imperatore, Caligola, è sulle sue tracce perché, come cristiano, lo considera un traditore…

Valutazioni
Valori e Disvalori 
 
Un tribuno romano, convertitosi al cristianesimo, sa coraggiosamente affrontare le conseguenze della sua scelta
Pubblico 
Tutti
Giudizio Artistico 
 
Grosso impegno tecnologico per l’epoca, primo film in Cinemascope ma la recitazione di quasi tutti i protagonisti è modesta
Testo Breve:

Grande successo di pubblico nel 1953, corso a vedere la conversione al cristianesimo del Tribuno Marcello e il primo film realizzato in Cinemascope  

“Chi sei tu?” -domanda Marcello a un uomo che gli ha raccontato che Gesù è stato tradito proprio da uno dei suoi discepoli,“perché gli uomini inseguono la verità e quando la trovano la ripudiano... e dubitano, dubitano..”. L’uomo risponde: “Sono Giuda!” e subito dopo un forte rombo di tuono si fa sentire, mentre i lampi squarciano il cielo. Questa e altre situazioni un po’ teatrali si susseguono in questo film del 1953, il primo realizzato in Cinemascope, l’arma segreta inventata dagli Studios di Hollywood per contrastare l’avanzata della televisione, un anno dopo che era stato lanciato anche il Cinerama, senza molto successo. In effetti lo slogan per la promozione del film fu singolare: “il miracolo moderno che puoi vedere senza occhiali” ma in fondo fa piacere pensare che appena si sviluppa una nuova tecnologia (com’era accaduto ai primi tempi del cinema muto) gli autori pensano subito che possa essere utile per raccontare la storia di Gesù.

A dire il vero a quell’epoca le sale attrezzate per il Cinemascope erano veramente poche e le riprese vennero fatte anche nel formato standard; lo si nota dal fatto che l’evento principale di ogni sequenza é stato posto sempre al centro dell’inquadratura, per consentire il taglio dei bordi laterali.

Il film ebbe comunque quell’anno un enorme successo e arrivò secondo negli incassi solo a Peter Pan.

Il racconto è diviso nettamente in due parti: la prima serve a farci conoscere il Tribuno Marcello, la sua ragazza Diana, conosciuta fin dall’infanzia, il suo schiavo Demetrio, suo padre di nobile famiglia, che auspica che metta finalmente la testa a posto e il primo soggiorno in Giudea, dove non sembra abbia cambiato le sue abitudini dissolute. In questa prima parte il rapporto con la nuova fede è semplicisticamente miracolistico: Demetrio incrocia lo sguardo di Cristo mentre sta salendo il Calvario ed è quanto basta per decidere di seguirlo; Marcello, al solo toccare la tunica, ne resta come folgorato.
La seconda parte è meglio costruita: Marcello si trova a Cana e inizia progressivamente a conoscere la comunità cristiana, il loro reciproco volersi bene, il loro essere generosi con gli altri, inizia la sua presa di coscienza e la sua progressiva conversione. Determinante è la conversazione fra Marcello e Miriam: si contrappongono due visioni della vita: lei gli prospetta l’invito di Gesù, a costruire un novo mondo con l’amore mentre lui ribatte che un nuovo mondo si può costruire solo con la forza. Nel film non c’è alcun cenno a una eventuale responsabilità per la morte di Gesù da parte degli ebrei del tempo (forse i produttori avevano fatto tesoro ci quanto era accaduto al film  Il re dei re  di Cecil De Mille, che fu boicottato dalla comunità ebraica) ma viene imputata interamente ai romani e in più di un dialogo si stabilisce la contrapposizione fra un impero basato sulla forza e la schiavitù dei popoli vinti e il nuovo messaggio di amore del Messia, a cui si aggiunge una istanza, forse troppo moderna e molto americana, di libertà.  Sono significative le parole dell’Imperatore Tiberio, quando viene informato della diffusione del cristianesimo, che viene considerato opera di un gruppo di maghi: “Magia? Stolto, che magia?! È un pericolo più grave di qualsiasi magia possa concepire la vostra superstizione! È un desiderio di libertà dell'uomo. È la più grande di tutte le follie!”.

Il protagonista è Richard Burton in una delle performance, per sua stessa dichiarazione, fra le più infelici.

Sia quando deve fare la parte dell’ubriacone gaudente che quando ormai si è convertito, mantiene un’espressione sempre triste e poco convinta. Migliore quella di Victor Mature nella parte dello schiavo Demetrio e della sempre melanconica Jean Simmons. Segno dei tempi è la recitazione di Jay Robinson che deve recitare la parte del cattivo Caligola. La corporatura è mingherlina, la postura è sempre contorta, una pessima caricatura (a quell’epoca, purtroppo, succedeva anche questo) di una persona omosessuale.

La ricostruzione dei munifici palazzi imperiali è sontuosa e accurata anche se, con lo sguardo maliziato dello spettatore moderno, ci accorgiamo che anche gli esterni sono realizzati negli studios, dove il fondale è sempre disegnato.

Autore: Franco Olearo
In Televisione
In televisione: Non è presente in televisione


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